Discos Pat

EL: "Electric Leak" (Autoproducción, 2008)

2012-02-01T09:47:00.000-08:00

Hace ya casi un año que escuché por primera vez al cuarteto italiano EL, y cuando lo hice me quedé totalmente asombrado. ¿Cómo el único disco de un cuarteto que no conoce casi nadie podía sonar así? . Una música llena de contrastes, de detalles, de cambios de ritmo e intensidad, de belleza…Desde un primer momento conecté con esta obra, y ahora que la he escuchado tantas veces no dejo de alucinar con ella. Durante este tiempo le he puesto y vendido el Cd a mucha gente, a ver si es que era sólo cosa mía, pero no, todos los que lo escuchan no solo lo disfrutan, sino que se sorprenden al igual que me pasó a mí.

“EL” fue formada en 2006 por:

-Christian Ferlaino: saxo alto, soprano y barítono y efectos especiales.
-Alberto Fiori: piano eléctrico Wurtlizer, sintetizador, piano de juguete y efectos electrónicos.
-Francesco Guerri: violonchelo ( a veces utilizado como contrabajo), objetos varios y efectos especiales.
-Giovanni Falvo: batería y percusión.

En un solo día de enero de 2008 grabaron su único disco hasta el momento, “Electric Leak”, definiéndose ellos mismos como una banda de jazz, con momentos de improvisación e influencia de la música electroacústica y electrónica. A mí a veces que me recuerdan a Led Bib, a Gutbucket, a Curlew,etc…, pero en realidad creo sinceramente que ya desde el principio esta banda ha conseguido un sonido propio, muy fresco y original.

El primer tema del disco es “T’ Bilisi-The Bombing of the City”, y está dividido en ocho partes, subtituladas con cada una de las letras que forman el título. Un ostinato de piano eléctrico inicia el disco, seguido de la entrada del violonchelo, y todo adornado con figuras de saxo soprano y múltiples percusiones y efectos. En este momento ya nos damos cuenta de que el disco puede ser impresionante si sigue por estos derroteros. La pieza va “in crescendo”, entra el saxo barítono y el contrabajo, y gana intensidad, hasta estallar en la segunda parte, que se compone de una pegadiza y maravillosa melodía de saxo, llena de fuerza, con interludios de violonchelo y piano eléctrico. Este es uno de esos extractos que se quedan grabados a fuego en la memoria nada más escucharlo. El tema cambia totalmente con la tercera parte, basada en una fantástica actuación del piano, con efectos de fondo, arreglos de cuerda y posteriormente una curiosa línea de sintetizador. De pronto, un estallido, golpes de batería y el regreso del ostinato inicial y la melodía de violonchelo (cuarta parte), el cual se queda sólo en la quinta , algo más experimental, de corta duración. Un tremendo ritmo de contrabajo, potente y pagadizo a partes iguales, nos introduce en el sexto movimiento, sobre el que desarrolla una melodía de sintetizador muy “progresiva”, con acompañamiento de piano eléctrico, y un posterior solo de saxo soprano que me encanta. Tras algunos momentos repletos de percusiones y sintetizador comienza un corto solo de batería (séptima parte) que desemboca en el extracto final, absolutamente sublime, con una melodía de violonchelo de gran belleza sobre una base de Wurlitzer, que después se convierte en protagonista gracias al elegante solo que Alberto Fiori efectúa , con algunos adornos de saxo.
La siguiente composición es “Chisinau-The Pogrom”, también dividida en varias partes, y que comienza con una rápida base de piano eléctrico, sobre la que se desarrolla una buena melodía de saxo. Tras un bonito solo de Wurtlizer y partes de violonchelo, comienza una segunda parte misteriosa, repleta de efectos, que da paso a una tercera de gran belleza, lenta, pastoral, con el saxo y el violonchelo como protagonistas. En el siguiente extracto el saxo se queda practicamente solo hasta que se une con el sintetizador para ofrecernos algunos de los mejores minutos del álbum. El ritmazo de contrabajo, con la melodía conjunta de Fiori y Ferlaino, y los posteriores efectos electrónicos, la línea se sintetizador y el gran solo de saxo alto, acompañado de piano eléctrico, hacen de esta parte una verdadera maravilla. Pero es que poco a poco el violonchelo se va abriendo paso para conducirnos al final de la pieza, totalmente obsesivo, con Francesco Guerri tocando en pizzicato, efectos sonoros y el tremendo Wurtlizer distorsionado, con apoyo del saxo que va ganando protagonismo hasta terminar el tema. ¡Genial!
La tercera pieza es “Buccaneer-No Man’s Land”, dividida en tres partes. El principio me recuerda a Matching Mole, quizás por la utilización del piano eléctrico y la sección rítmica (aunque como ya hemos comentado en multitud de ocasiones, esto de los parecidos es una cuestión muy subjetiva), y me encanta, ya que el violonchelo también hace un gran papel. Le siguen momentos caóticos de violonchelo y percusión y un solo de saxo que da paso a una segunda parte extraña, repleta de efectos, que nos lleva al maravilloso final del disco (nueve minutos de final), que consiste en una base de piano hipnótico y una preciosa melodía de violonchelo. Después escuchamos un bonito solo de saxo alto, que va endureciéndose acompañado de la batería hasta llegar a una improvisación alucinante de piano, batería y efectos. Pero es que el Wurtlizer va tomando importancia hasta efectuar un gran solo jazzístico, que mejora aún más cuando retoman la melodía base y vuelve el ritmo original. Un final apoteósico para uno de los discos que más he disfrutado en los últimos años. No me tiembla el pulso a la hora de describir este disco como una obra maestra del género.
El Cd está autoproducido, y se editó en formato digipack en una tirada limitada y numerada de 499 copias (aunque posteriormente se publicó otra edición en caja de plástico que distribuía Altrock).

Francisco Macias

Squarcicatrici: "Squarcicatrici" (Wallace Records 2009)

2012-01-30T03:44:00.000-08:00

Squarcicatrici es una banda italiana liderada por el multinstrumentista Jacopo Andreini. Con más de 140 discos en los que ha participado y más de 1000 conciertos a sus espaldas, Andreini es uno de los músicos más inquietos e innovadores del panorama musical italiano. Para este segundo trabajo homónimo de la banda, reúne a una numerosa alineación:

-Jacopo Andreini: batería, percusión, saxo alto, saxo barítono, guitarra, flauta, xilófono, efectos electrónicos y voz.
-Andrea Caprara: saxo tenor, voz.
-Enrico Antonello: trompeta, fliscorno.
-Piero Spitilli: contrabajo.
-Samuele Venturín: bajo, acordeón.
-Erwan Naour: voz.
-Matteo Bennici: violonchelo, bajo.
-Thollen McDonas: piano.
-Valentino Receputi: violín.
-Uliva Velo: violin.
-Martina Chiarugi: viola.

Aunque no todos los músicos tocan en todos los temas, la formación nos da una idea de la variedad de sonidos e influencias diferentes que podemos encontrar en el disco. Los toques mediterráneos de piezas como “Afrotellacci” (4’01) (con algunos momentos de gran intensidad que, salvando las distancias, puede recordarnos a Electric Masada) o “Macedone” (3’25) (que contiene un solo de acordeón y otro de saxo tenor maravillosos) nos traen a la memoria a otros italianos muy influenciados por el Downtown neoyorquino, la Actis Band. La influencia de este estilo se hace más patente cuando escuchamos el violonchelo de Matteo Bennici, que me recuerda mucho a Tom Cora, en temas como “Pilhar Fraqueza” (3’01) o “J’Ai Faim, Jessie” (5’41), este último de aires latinos, de gran intensidad, y con fantásticos solos de saxo tenor y saxo alto. Las influencia brasileñas también quedan patentes en el álbum gracias a una de las mejores piezas del disco, “Izgubljen Sambetta” (6’48), donde se mezclan los ritmos de samba y una preciosa melodía de guitarra acústica con una voz femenina con aires de oriente medio, y donde más tarde escuchamos bonitos solos de saxo tenor y barítono sobre una base cada vez más dinámica, con buenos efectos de guitarra (al final del disco hay una nueva mezcla de esta pieza, más corta, con efectos que recuerdan a los collages de Zappa, ritmos más modernos y partes de piano). El sabor a Brasil también aparece en “Garota” (3’36), donde la bella melodía de violonchelo es la principal protagonista. Y esto no se queda aquí, ya que hay también influencias africanas (“Afrocina”, “Afoforo”), clásicas (“Gorecky”) e incluso “hip-hoperas” (“Sans Races”, único tema cantado). Especial mención merecen “Mbizo” (5’14), que contiene la mejor melodía del disco, y en la que la combinación de saxo tenor y saxo alto me encanta, aparte de la fuerza de la sección rítmica, con piano incluido, e “Invischiata” (4’15), una delicada composición que combina de forma sublime el fliscorno, la guitarra acústica, el piano, el contrabajo, la percusión,etc…
En definitiva, un disco buenísimo, que ha sido para mí una agradable sorpresa, y que os invito a descubrir. Si tuviera que ponerle una pega al álbum, sería la mania que en algunas partes tiene Andreini de tatarear en voz alta algunas de las melodías, y en mi opinión, no tiene buena voz.Afortunadamente, esto no pasa demasiado, y no es un obstáculo a la hora de disfrutar del disco en su totalidad.

Francisco Macias

October Equus: "Saturnal" (Altrock, 2011)

2011-07-04T08:31:00.000-07:00

Lo primero que a uno se le viene a la cabeza tras realizar varias escuchas del último trabajo de October Equus, es la enorme cantidad de trabajo que ha sido necesario para que nosotros lo estemos disfrutando en nuestro equipo de música. En primer lugar, el trabajo de Angel Ontalva y Victor Rodriguez para componer las trece piezas que componen el disco, de una complejidad considerable y que tienen la virtud (y como no, la dificultad añadida) de comprimir en 4 o 5 minutos temas que podrían haber durado el doble o el triple debido a la cantidad de información que contienen. En segundo lugar, el trabajo de la banda al completo para interpretar unas composiciones de este calibre y conseguir un sonido propio, tremendamente compacto. En este tercer disco, la banda se aleja más de las bandas que le han influenciado, consolidando un sonido característico, encuadrado dentro de lo que denominamos RIO, pero de una gran personalidad. De hecho, hay momentos en los que los diversos instrumentos están tan bien coordinados que consiguen un único sonido, que parece provenir de una única fuente de sonido, y no de siete. Todo esto es aún más difícil de conseguir cuando hay dos nuevos miembros que han entrado en la banda una vez ya compuesto los temas del disco, el violonchelista Pablo Ortega y el saxofonista Alfonso Muñoz, al que muchos conocemos por su trabajo en Planeta Imaginario. Esto requiere un gran esfuerzo no sólo por parte de los recién llegados, sino también por parte del resto de los músicos y sobretodo de los compositores, que tienen que adaptar su obra para añadir los nuevos instrumentos. Además, poco antes, había ingresado en la banda un nuevo baterista, Vasco Trilla, también de la banda Planeta Imaginario y uno de los mejores de la escena progresiva nacional, que ha conseguido adaptarse muy bien al sonido de October Equus y tocar de una forma excepcional. En tercer lugar, el trabajo de Amanda Pazos para crear una base rítmica consistente junto a un baterista de la calidad de Vasco y para realizar la mezcla de un disco de semejante envergadura, y el de Fran Mangas para compartir su papel solista con otro saxofonista, y juntos crear bases más densas y profundas. Y en cuarto y último lugar, el trabajo de Ángel a la hora de crear un libreto de 12 páginas repleto de dibujos originales de una calidad altísima, con una de las mejores portadas que he visto en mucho tiempo, y naturalmente, crear unas bases sonoras con su guitarra sobre las que se asientan buena parte del sonido característico de la banda. Lo más grande es que todo este trabajo se hace por amor al arte, sabiendo que muy probablemente, no habrá una recompensa económica, lo que hace que aún tenga más valor. Por todo esto, lo mínimo que los oyentes les debemos es hacer un esfuerzo al escuchar el álbum, esfuerzo, por otro lado, totalmente indispensable a la hora de valorarlo en su justa medida.

Respecto al disco en sí, sólo escuchar la primera pieza, “Estructuras primitivas en el Crepúsculo” (4’38), escrita por Victor, y una de las mejores del disco, nos percatamos de los que nos espera. Melodías oscuras y complejas, ritmos cambiantes, atmósferas fantasmales de teclado, bonitas combinaciones de piano y violonchelo, con destellos de saxos y un fantástico trabajo de guitarra. Otra cosa que me encanta de la música de October Equus son las partes obsesivas, como la que caracteriza la maravillosa y pegadiza composición de Ángel, “El Furioso Despertar del Homúnculo Neonato” (3’19). El ensamblaje de los instrumentos es perfecto, con pequeños solos de saxo y guitarra, y una sección rítmica limpia y muy activa. El toque “cinematográfico” del disco lo pone Victor con “Una Mirada Furtiva en la noche Saturnal” (7’04), pieza densa, con una guitarra dramática y un ambiente magnífico con nuevos detalles que se van descubriendo en cada escucha. Tras una pequeña e interesante miniatura, “Ingravidez” (1’11), Ángel nos sorprende con otra de las grandes piezas del álbum, “Llegó Como un Amanecer Ardiente” (3’29). ¿Como se puede decir tanto en tan poco tiempo?. La base de guitarra es aplastante, las melodía de los vientos maravillosa, los detalles de órgano y teclados en general muy acertados, y me encanta la base rítmica. Después, Victor nos ofrece primero una pieza tranquila, de gran belleza, “Realidad Ciega” (2’59), regalándonos después otro de los grandes momentos de “Saturnal”, “Avanzando Velozmente Contra el Viento Lacerante” (3’19), en la que consigue, con sus teclados, la sensación que nos quiere dar a entender el título (o más bien al contrario, ya que el título fue sugerido tras grabar la pieza). Preciosas figuras de guitarra y saxo y un pequeño momento de locura de los dos saxofonistas que, reconozco, me hubiera encantado que fuera más largo. Le siguen dos nuevas miniaturas de Ángel, “Un Mundo de Sueños Abstractos” (0’46) y “No Pudieron detener el Silencio” (1’42), que nos llevan hasta una de sus mejores piezas, “Sutiles Ecuaciones Vivientes” (6’01), de una complejidad considerable e infinidad de partes diferentes, donde destaca una preciosa melodía de guitarra acompañada a la perfección por los vientos. Victor es el encargado de componer el tema corto que más me gusta del disco, “Ella era Invisible a la Oscuridad” (1’11), donde Ángel le imprime un sonido oriental, realmente bonito, a la guitarra. Le sigue “¡Abre los Ojos!” (4’45), otra pieza de Victor, de gran fuerza y donde me gusta especialmente la batería de Vasco y algunos momentos de guitarra. Pero lo mejor está aún por llegar. Para terminar el disco, la banda ha elegido el que quizás es el tema que más me gusta de toda su carrera, la composición de Ángel Ontalva “Último Refugio” (5’32). Me encanta como se combinan el teclado y la guitarra tanto al principio del tema como al final, el papel de Pablo al violonchelo, el precioso solo de guitarra sobre una dinámica base de bajo de Amanda, la inquieta batería de Vasco, pero sobretodo, me parece excepcional la melodía central, de una belleza y una inspiración sobresalientes, interpretada tanto por los vientos como por la guitarra, que nos deja un magnífico sabor de boca cuando termina el disco.
October Equus no es una banda de largos solos, por lo menos en sus trabajos de estudio. Su música, para los que disfrutamos de enormes solos de saxo y largos desarrollos, suena en ocasiones algo contenida, pero es de una precisión y una belleza indiscutibles. Con “Saturnal”, la banda ha alcanzado un nivel altísimo, no solamente dentro del panorama nacional, sino a un nivel global, y creo sinceramente, que con esta formación o cualquier otra, les queda mucha buena música que ofrecernos en el futuro. Pero estamos en el presente, así que escuchad con atención este disco y descubriréis que tenemos aquí mismo, en nuestro pais, a algunos de los grandes músicos de este estilo.

Francisco Macias

Curlew (2º parte). 1993-2002.

2011-05-30T11:00:00.000-07:00

En 1994, George Cartwright publica su primer disco en solitario, "Dot", practicamente instrumental, pero con algunas piezas vocales (aunque ya había publicado con anterioridad algunos proyectos con el clarinetista Michael Lytle). Buscando un sonido diferente al de Curlew, recluta a la bajista Sue Garner, al baterista Sam Bennett, al guitarrista Chris Cochrane, al organista Evan Gallagher y a la acordeonista Anne deMarinis, contando, además, con la colaboración de otros músicos y amigos muy importantes en la escena neoyorquina del momento.
El álbum se abre con "Sandy Point" (4'22), tema sustentado sobre un pesado riff de guitarra, con una batería algo tribal y desgarrados pasajes de saxo tenor. El estribillo tiene un cierto aire sesentero. Le sigue "Gibbon" (4'23), otro buen tema con un riff de acordeón como base y un ritmo entrecortado muy al estilo de Curlew. La melodia de saxo se ve interrumpida por un solo de guitarra, donde Cochrane nos recuerda a Davey Williams, y otro fantástico de saxo alto con el órgano en segundo plano. Continuamos con la preciosa "A Black And Boiling Lie" (3'39), en la que colabora Zeena Perkins al órgano y al acordeón, Hahn Rowe al violín y Jim Spake al saxo barítono. Un tema optimista lleno de colorido, y donde destaca el solo de violín, con el apoyo del acordeón y el saxo barítono y una buena sección rítmica. Mucho más solemne resulta "Dyed" (3’34), composición dedicada al padre de Cartwright, y que me resulta algo aburrida. Con "Jaketown" (4'32) vuelve el tono optimista, con el acordeón como protagonista. En general, es una pieza algo repetitiva. Una especie de mantra de acordeón da paso a "Momosafe" (4'41), cuya melodia de saxo, con interludios de guitarra y acordeón, nos devuelve a la música de Curlew. Lo mejor, el solo de saxo tenor sobre una bonita base de acordeón y bajo. ¡Fantástico!.
Con "The Raw Bird Sanctuary" (3'55) llegamos a uno de los momentos más intimos del disco y a las primeras partes vocales. La letra está extraida de un poema de Paul Haines y está interpretada por Ann Rupel a la voz, acompañada por Myra Melford al piano. ¡Preciosa!. Otra pieza vocal es "Fainting" (4'36), en la que la melodia vocal y la letra fueron escritas por Chris Cochrane y muy bien interpretada por Sue Bennett, que en algunos momentos, y salvando las distancias, me recuerda a Julie Driscoll. Está acompañada por el órgano de Zeena Perkins, detalles de saxo barítono de Jim Sparke y naturálmente, la sección rítmica de la que ella forma parte. Cartwright participa con un buen solo de saxo alto. Le sigue "One Good Secret" (8'28), interpretada en formación de cuarteto con Cartwright al saxo tenor, Myra Melford al piano, Brad Jones al contrabajo y E.J. Rodriguez a la batería. Es la pieza más cercana al jazz, con toques "free", del disco. La actuación de los cuatro músicos es fantástica, aunque yo me quedo con la de Melford al piano. "Baby" (2'48), es otro bonito tema vocal interpretada por Sue Garner a la voz, Myra Melford al piano y Will Rigby a la batería, que da paso a "No No No No Nee" (5'15), ultimo corte del disco, interpretada en formación de cuarteto, con Cartwright al saxo tenor, Rand Everett a la guitarra, Bruce Golden a la batería y Tim Lee al bajo. Estamos ante una pieza practicamente improvisada, con una base repetitiva sobre la que discurre el saxo y la guitarra. En definitiva, "Dot" se desmarca de la música que Cartwright hace con Curlew, pero las similitudes siguen siendo mayores que las diferencias, ya que el sonido que el saxofonista imprime en sus canciones y sus melodias son similares en todas sus facetas. Aun así, estamos ante un buen disco que gustará a los amantes de la banda neoyorquina.

En 1995, Curlew tiene una nueva formación. George Cartwright sigue al frente de la banda, como saxofonista y principal compositor, acompañado de sus viejos compañeros Davey Williams a la guitarra y Ann Rupel al bajo, y dos nuevas adquisiciones, Chris Cochrane a la guitarra, y Sam Bennett a la batería y percusión, que ya habían trabajado con él en su primer trabajo en solitario, "Dot" (1994). En este mismo año graban su nuevo trabajo, "Paradise" en los Crosstown Studios de Memphis bajo la supervisión de Rusty McFarland, y el resultado es un álbum que teniendo el sello inconfundible de Curlew, está más enraizado en el blues y el rock, con cierto aire sureño. La marcha de Tom Cora y su sustitución por un segundo guitarrista influye en el cambio de sonido, que pierde en parte su caracter vanguardista, aunque sin olvidar los elementos que han hecho de ellos una de las bandas más importantes del Downtown neoyorquino.
El disco se abre con "Gimmie" (4'56), compuesta por Ann Rupel, que consiste en una pegadiza melodia de saxo sobre un ritmo de shuffle. Buen solo de Cartwright, detalles de saxo barítono a cargo de Jim Spake, que participa como invitado y al que ya conocemos por su participación en "Dot", y una buena actuación de las guitarras, que durante todo el disco invaden los dos canales de sonido, Williams por la derecha y Cochrane por la izquierda. Esto obliga al oyente a escuchar el disco de forma atenta y frente a un buen equipo, ya que en un ordenador o en cualquier aparato que tenga los altavoces juntos no se puede disfrutar de estos detalles. Esto se nota todavia más en la siguiente pieza, "Big Stan" (4'47), compuesta por Davey Williams, y en la que podemos escuchar a los dos guitarristas haciendo dos solos diferentes, de forma simultanea, cada uno en su canal, encuadrado en un tema optimista, con la guitarra y el saxo haciendo la melodia principal, y que cuenta además con un buen solo de saxo tenor. Con "Dream of Rain" (6'50) entramos de lleno en las composiciones de George Cartwright. Es una pieza pausada, repleta de detalles, con melodias poco habituales pero de gran belleza, sutiles cambios de ritmo con aires jazzeros y una sección rítmica muy presente. Me gusta mucho el solo de guitarra de Cochrane por el canal izquierdo, mientras que en el derecho suena después la otra guitarra y el saxo. ¡De lo mejor del disco!.
Seguimos con "The Popeye Hole(1967)" (6'56), con una melodia muy inocente, infantil, de saxo, con detalles de barítono y guitarra. Fantástico el solo de guitarra de Davey Williams y el de saxo tenor de Cartwright. Un riff de saxo intermitente nos introduce en "The Holy Goof" (5'17), con las guitarras como protagonistas, seguida de "Paradise" (6'03), en la que el motivo central de saxo está apoyado por percusiones y guitarra. Me gusta mucho el solo de saxo barítono y la utilización de los canales de sonido en los solos de guitarra. Cuando Williams hace el suyo por el canal derecho, los saxos se situan en el izquierdo, y cuando es Cochrane el que hace el solo, los saxos cambian de canal. Una pieza magnífica, que da paso a "Kangaroo" (6'19), donde encontramos de nuevo una de esas melodias que tanto gustan a George Cartwright, interpretada con dos saxos, y en el que Williams hace un tremendo solo de guitarra, con los saxos apoyándolo, y una destacable sección rítmica. La última composición de Cartwright del disco es la fantástica "Last Day" (2'38), con un atractivo ritmo sincopado,sobre el que se desarrolla un sugerente solo de saxo tenor, acompañado por efectos de guitarra. Ann Rupel es la responsable del siguiente corte, "Cowboy Mouth" (2'24), un tema lento, atmosférico, con pausas entre las notas y muchos efectos. Para terminar, un buen tema vocal de Chris Cochrane, "Postcard" (2'40), que cuenta con un bonito principio de saxo y bajo. En lineas general, un buen disco que marca el principio de una nueva etapa para la banda.

A finales de 1997, el baterista Sam Bennet es sustituido por Kenny Wollensen, que en aquel momento formaba parte de los Electric Masada de John Zorn, y el nuevo quinteto publica, en 1998, su nuevo trabajo "Fabolous Drop". El disco comienza con "August" (7'46), una gran composición de Cartwright, que tiene un principio precioso, algo misterioso, con batería, saxo y guitarra, dando paso a un ritmo de bajo sobre el que el saxo y la guitarra interpretan la melodia principal. El saxo alto y el tenor suenan a la vez, y además podemos disfrutar de dos bonitos solos de guitarra fantásticos, primero el de Chris Cochrane por el canal izquierdo y después el de Davey Williams por el derecho. Me parece genial el final, con el saxo totalmente loco sobre el solo de guitarra y jugando con los canales. Curiosamente, y siendo algo muy subjetivo, el ambiente de estos últimos momentos me traé a la memoria el álbum "Islands" de King Crimson. Chris Cochrane es el responsable del siguiente tema, "Not Innocent" (2'37), un pieza corta e intensa, con un ritmo algo punk, y solos bastante libres de saxo y guitarra, con muchos efectos. Me recuerda al sonido de algunos temas de los Naked City de John Zorn. Continuamos con "Blood Meridian" (5'18), tema de George Cartwright que comienza con las dos guitarras interactuando sobre un hipnótico ritmo. Me encanta la melodia entrecortada de saxo, y después el fabuloso solo de guitarra de Williams y el solo de saxo, de aires "free", con una base de bajo y batería muy profunda, repleta de fuerza y que llena de solemnidad la parte final. ¡Genial!. Mucho más rockera es "Crazy Feet, Sensible Shoes" (3'35), compuesta por Davey Williams. Rápida, repleta de efectos, con una base ritmica cruda y un bonito solo de saxo tenor. Le sigue "Fabolous Drop" (5'26), un desenfadado tema de saxo, con interludios de bajo y percusión y de las dos guitarras sonando a la vez sobre una fantástica sección rítmica. Lo mejor, el solo de saxo final, con apoyo de guitarra y con Wolleson en estado de gracia. A ritmo de reggae comienza "Argon" (5'35), donde Cartwright combina partes melódicas de saxo con otras más libres y enrevesadas, y donde los guitarristas hacen una gran labor de apoyo, cada uno en su canal. Ann Rupel, cuyas composiciones suelen gustarme mucho, es la encargada de escribir la pieza más aburrida del disco, "Neither,Baby" (3'41), que tiene un cierto aire a club nocturno, y que consiste basicamente en un ritmo constante, con piano ( interpretado también por la bajista), saxo y efectos. Cartwright vuelve a la carga con "Funny Fun" (4'19), con un ritmo sincopado y melodia de saxo entrecortada, acompañada por la guitarra de Williams por el canal derecho. Me encanta la solidez de la sección rítmica, el solo de saxo con las guitarras de fondo, y sobretodo, el solo final de Cochrane, curioso, raro, y a la vez de gran belleza, con Ruppel creando unas bonitas figuras con el bajo. Y para terminar, "Dog House On the Moon" (3'50), otra desenfadada pieza de Cartwright, de aires caribeños, con la guitarra y el saxo como protagonistas.
En general, "Fabolous Drop" tiene un sonido más denso y profundo que "Paradise", sobretodo en la primera mitad del disco. Si hablásemos de un vinilo en lugar de un Cd, la primera cara del mismo sería mucho mejor que la segunda (y una de las mejores caras de su discografía), pero también es verdad que esas melodias alegres y esos ritmos desenfadados que encontramos en algunos de los temas de lo que sería la segunda cara, son otro de los elementos característicos del sonido de la banda a través de los años.

Tras la publicación del disco, Cartwright comienza a trabajar en el que sería su segundo álbum en solitario. Para ello, decide vover en parte a la formula de "A Beatiful Western Saddle", y contar de nuevo con la vocalista Amy Denio y con los poemas de Paul Haines. El resultado es un gran trabajo titulado "The Memphis Years", publicado en el año 2000, en el que el trio protagonista está acompañado por los saxofonistas Jim Spake y Lawrence Miller, el pianista Chris Parker, el baterista Doug Garrison, los bajistas Kevin Sheehan y Tim Goodwin, Tom Clary al fliscorno y la colaboración del guitarrista Davey Williams y el trompetista Scott Thompson. El álbum se abre con "Surprise! Surprise!" (4'10), una pieza vocal al más puro estilo "A Beatiful Western Saddle", donde destaca el bonito solo de trompeta con acompañamiento de piano y la repetitiva estrofa vocal. Le sigue "Some Nuance" (5'52), que comienza de forma pausada, con piano, contrabajo y batería, con un sentimiento muy jazzístico, seguido de la parte vocal, y un fantástico solo de piano, con una sección rítmica dinámica e imaginativa y unos buenos arreglos de viento. El viaje continua con "The Please fasten Your Seatbelt Sign" (5'22) donde contrasta el principio vocal de Amy Denio "a capella", lánguido, apagado y de gran belleza, con el posterior pasaje, compuesto por un pegadizo ritmo con el saxo soprano de protagonista y cacofonias producidas por el resto de los vientos, acercándose a terrenos "free", donde la sección rítmica destaca cada vez más. ¡Impresionante!. La primera composición instrumental de Cartwright en el disco es "Sleepers Awake To Singing Snakes (5'06), que comienza con batería y percusión, a los que se añade una sugerente línea de bajo, piano y poco a poco, la sección de vientos, combinándose magistrálmente. Continuamos con "J'acuzzi" (4'06), que se compone de una bonita y repetitiva línea vocal, construida sobre un cadente ritmo de piano y apoyo de los vientos, destacando el solo de saxo barítono de Jim Sparke. Pero lo mejor está aún por llegar. Me refiero a "Coffe and Pie" (10'18), un corte instrumental sobresaliente. Desde el principio es Lawrence Miller el que coge las riendas con su saxo tenor, interpretando la melodia principal y realizando un precioso solo. El acompañamiento de la sección rítmica y de los otros vientos es formidable, sobretodo durante el posterior solo de piano de Chris Parker. ¡Me encanta!. Un solemne principio de piano nos introduce en "In Serious Veins" (6'36), que combina partes nostálgicas con otras más optimistas, y que da paso a "He Who'd Ask" (2'30), una pieza alegre, con un buen piano y buenos saxos. La siguiente pieza, "Clumsy" (4'27), es mucho más misteriosa, destacando el piano y los saxos en la segunda mitad del tema. Con "Made Idea" (8'21) llegamos a otro de los grandes momentos del disco. Totalmente instrumental, comienza con una fantástica introducción de piano y fliscorno, entrando más tarde el contrabajo y la batería. Totalmente alucinante resulta el solo de fliscorno, el acompañamiento del piano, los saxos y la sección rítmica, el cambio de ritmo y el solo de guitarra de Williams con los vientos como orquesta y todas las partes improvisadas de piano, bajo, batería. ¡Formidable!. Tras este temazo, repleto de jazz y de imaginación, llega una pieza mucho más ligera, algo ingenua, "Fluffypie and Warrior" (4'07), que nos lleva hasta el gran final, "Zero Street" (11'33), composición instrumental, al igual que las dos anteriores. La primera parte del tema es pausada, enigmática, con notas distantes de piano, toques de fliscorno y saxos y una misteriosa batería, a los que después se le añaden sonidos de guitarra y contrabajo tocado con arco. De repente, parece que comienza un nuevo tema, mucho más rítmico y pegadizo, con los saxos actuando como una orquesta. Me gusta mucho el solo de fliscorno, y en general, todo lo que lo acompaña, hasta llegar al solo final de Cartwright. Un buen final para un disco notable, muy diferente tanto a su primer álbum en solitario como los trabajos de Curlew que lo rodean, repleto de buen jazz, grandes arreglos e imaginativas improvisaciones, que se combinan muy bien con las partes vocales y las más características del sonido Curlew.

En 2002 la formación de Curlew ha vuelto a cambiar. George Cartwright y Davey Williams siguen al frente del grupo, pero ahora la sección rítmica está compuesta por Fred Chalenor al bajo y Bruce Golden a la batería, y en lugar de un segundo guitarrista, volvemos a encontrar un teclista en la banda, Chris Parker, que habitualmente toca el piano acústico, aunque a veces también utiliza el piano eléctrico Wurlitzer. Con esta nueva alineación, Curlew publica "Meet The Curlews!" a finales de año. Sabemos que esta misma formación llevaba casi dos años tocando juntos en directo gracias a la actuación que tuvo lugar en julio de 2001 en Minneapolis, totalmente improvisada, y recogida en el LP ”Gussie”, nunca editado en Cd. “Meet The Curlews” es, en mi opinión, el disco más flojo de toda su carrera. Cada miembro tiene espacio a la hora de componer, aportando cada uno un tema, siendo Cartwright el que se encarga del resto. En general, me resultan algo insulsas, aunque hay piezas interesantes, como "Space Flight Cat" (3'18), de Fred Chalenor, "Cold Ride" (5'42), de Chris Parker, o las composiciones de Cartwright, "Lemon Bitter" (6'48) o "MIddle and Fall" (5'40). Respecto al sonido del disco y la ejecución de los temas, echo de menos a Ann Rupel, que tenía una forma muy peculiar de tocar el bajo, Wiiliams y Cartwright me parecen menos inspirados, Golden cumple su papel a la batería y Parker, aunque buen pianista, tiene aquí a veces un estilo cercano al "mainstream" que no tenía en el álbum de Cartwright "The Memphis Years", restando fuerza en ocasiones a los temas. Naturálmente, este es un disco de Curlew, y por lo tanto tiene partes interesantes, como la última parte de saxo y piano de "Late December" (7'02) (o la interpretación que Parker hace de ella en "Late December -Reprise", con el piano solo), la tensión de la sección rítmica y el buen papel del saxo y el piano en "Cold Ride" (5'42), la guitarra de Williams en "Middle and Fall" (5'40), o las partes de piano, más cercanas al jazz, en "Barn Door" (5'48) o "Meet the Curlews" (6'47).

Aquí termina esta segunda parte del artículo sobre Curlew, que al final tendrá una tercera entrega, debido a la idea de última hora de comentar también los trabajos de Cartwright al margen de la banda.

Francisco Macias

Carla Bley: "Escalator Over The Hill" (1972)

2011-05-16T10:18:00.000-07:00

INTRODUCCIÓN

Ya han pasado varios años desde la primera vez que pensé en hacer un artículo sobre este disco, pero siempre me preguntaba si sería capaz de describir con palabras semejante maravilla. “Escalator Over The Hill” trasciende a cualquier estilo o género. Encuadrado en el mundo del jazz, entra sin compasión en el mundo del rock, en el de la música de cabaret, en la música oriental, en la clásica, etc…¿Es quizás mi disco favorito? . Muchas veces lo he pensado, y aunque es muy difícil elegir un solo álbum de entre todos los que hay, está claro que esta “ópera” (como los mismos autores se refirieron a ella en alguna ocasión, aunque realmente no lo sea), es una obra maestra absoluta y ha sido muy importante para mí.

GÉNESIS

Carla Bley es una de las mejores compositoras de jazz de los últimos 40 años, además de pianista, organista y vocalista ocasional. Nacida en Oakland, California, en 1938, y bautizada como Carla Borg, se cria en un ambiente musical y religioso y desde muy pequeña participa tocando el piano y cantando en el coro en muchas ceremonias. A mediados de los´50, interesada en el jazz, se traslada a Nueva York, donde sobrevive tocando el piano en clubs y vendiendo cigarrillos, hasta que conoce al que sería su marido, el conocido pianista canadiense Paul Bley. Este le anima a empezar a componer música para su banda, y juntos comienzan una profunda relación tanto musical como personal. En 1964, Carla, el que sería su segundo marido poco después, el trompetista Michael Mantler y otros músicos forman la Jazz Composers' Guild Orchestra que después pasaría a ser la Jazz Composers' Orchestra Association (JCOA). Con estas formaciones, de naturaleza inquieta e innovadora, Carla madura como compositora, destacando los temas de “A Genuine Tong Funeral”, que sería adoptado por el vibrafonista Gary Burton y publicado en 1967, con la colaboración de varios miembros de la Jazz Composer’s Orchestra, o las piezas que compuso para el primer álbum de la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, publicado en 1969.
A principios de 1967, el poeta Paul Haines, le envió un poema a Carla Bley, que estaba trabajando en la composición "Detective Writer Daughter" ( que después formaría parte de la obra que nos ocupa). Las lineas de Haines iban a la perfección con la música que Bley había compuesto, y de esta forma decidieron escribir una especie de "ópera" juntos, aunque Haines vivia en Nuevo Mexico y prontó se trasladó a dar clases a La India. Bley, a raíz de la sorpresa que le causó la aparición de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles, ya tenía pensado grabar, como disco debut, un álbum conceptual. Durante tres años Haines continuó enviando sus textos para que Carla Bley les pusiera música. Estos escritos no tienen un significado muy claro, lo que hace que el libreto de la obra sea de difícil comprensión. Aunque la trama se desarrolla en un hotel, y las letras son puestas en boca de algunos de sus clientes, no hay una intencionalidad de crear una trama que pueda seguirse, lo que seguramente hizo que en lugar de utilizarse la palabra “Ópera” al publicarse el disco, se utilizara el término “Chronotransduction”, creado por una amiga de Haines, y de difícil traducción. Luego llegó el momento de buscar al personal que tenía que interpretar la obra. En un principio, no fue una tarea difícil, ya que tanto Bley como su marido el trompetista Michael Mantler pertenecian a la Jazz Composer´s Orchestra, y tenian alrededor a gente como Roswell Rudd, Charlie Haden, Gato Barbieri,etc..., pero había que buscar también vocalistas. A esto se le añadía la complicación de buscar financiación para el proyecto, ya que las negociaciones con algunos sellos no funcionaron, y decidieron crear su propia discográfica, JCOA (Jazz Composer Orchestra Asociacion), para publicar el disco. La primera inyección de dinero provino de Sherry y Sue Speeth, amigos de Paul, que donaron 15.000 dolares. A esta le siguieron otras pequeñas donaciones de otros amigos, pero el dinero no alcanzaba para finalizar la obra, así que se decidió utilizar a algunos músicos que no cobraran por su participación, naciendo así la "Amateur Hotel Lobby Band", compuesta por músicos no profesionales. Un prestamo final de 30.000 dolares en junio de 1971, permitió la finalización de la obra.

MÚSICOS

Al final, la obra contó con la participación de más de 50 músicos y vocalistas divididos en varios orquestas y formaciones.

Orchestra (& Hotel Lobby Band)

• Carla Bley (piano)
• Jimmy Lyons (saxo alto)
• Gato Barbieri (saxo tenor)
• Chris Woods (saxo barítono)
• Dewey Redman (saxo alto en “Little Pony…”)
• Michael Mantler, Enrico Rava (trompetas)
• Roswell Rudd, Sam Burtis, Jimmy Knepper (trombones)
• Jack Jeffers (trombón bajo)
• Bob Carlisle, Sharon Freeman (trompas)
• John Buckingham (tuba)
• Perry Robinson (clarinete)
• Nancy Newton (viola)
• Karl Berger (vibráfono en “Liitle Pony…”)
• Charlie Haden (bajo)
• John McLaughlin (guitarra)
• Paul Motian (batería)
• Roger Dawson (congas)
• Bill Morimando (campanas, celeste)

Jack's Traveling Band

• Carla Bley (órgano)
• John McLaughlin (guitarra)
• Jack Bruce (bajo)
• Paul Motian (batería)

Desert Band

• Carla Bley (organo)
• Don Cherry (trompeta)
• Souren Baronia (clarinete, dumbec)
• Leroy Jenkins (violin)
• Calo Scott (violonchelo)
• Sam Brown (guitarra)
• Ron McClure (contrabajo)
• Paul Motian (percusión, dumbec)

Original Hotel Amateur Band

• Carla Bley (piano)
• Michael Snow (trompeta)
• Michael Mantler (trombón de válvula)
• Howard Johnson (tuba)
• Perry Robinson, Peggy Imig (clarinete)
• Nancy Newton (viola)
• Richard Youngstein (bajo)
• Paul Motian (batería)

Phantom Music

• Carla Bley (organo, celeste, calliope)
• Michael Mantler (piano preparado)
• Don Preston (sintetizador Moog)

Vocalistas Principales

-Jack Bruce: “Jack”. Fue una de las primeras opciones de Carla Bley, y un gran acierto. En este disco, canta mejor que nunca.

-Tod Papageorge: ”Cecil Clark”. Vocalista aficionado, es en realidad el fotografo de las sesiones de grabación.

-Linda Ronstadt: “Ginger”. Esta cantante norteamericana no era todavía tan conocida como llegaría a serlo unos años después, pero ya había cosechado algún que otro éxito con algunos de sus singles.

-Jeanne Lee: “Ginger II”. Fantástica vocalista y compositora de jazz norteamericana.

-Don Preston: “Doctor”, “Lion”. Miembro de los Mothers Of Invention de Frank Zappa. Cuenta Carla Bley que tuvo que convencerlo para que accediera a cantar.

-Carla Bley: “Leader”, “Mutant”, “Voice”

-Paul Jones: “David” . Actor y cantante británico que se ofreció a cantar en la obra, debido a su pasión por la música de Charlie Haden’s Liberation Music Orchestra.

-Viva: “Viva”. Una de las musas de Andy Warhol, famosa, entre otras cosas, por sus escenas de sexo en la película “Blue Movie”.

SESIONES DE GRABACIÓN

Las sesiones de grabación comenzaron el 30 de noviembre de 1970 en los estudios de la RCA, con la "Desert Band" de Don Cherry, para registrar sus partes de "Rawalpindi Blues". Jack Bruce no podia trasladarse en esos momentos desde Londres hasta Nueva York, ya que tocaba cada noche con la banda de Tony Williams, así que grabó sus partes el 7 de diciembre, por lo que no coincidió con Cherry en el estudio. Junto con Jack bruce, estaba la "Jack Traveling Band" al completo. Durante estas sesiones se grabaron también "Businessmen", "Detective Writer Daughter" y algunas partes de "And It's Again". Es verdad que en los créditos del disco se sitúan las primeras sesiones de grabación en 1968, en las que Carla Bley y Michael Mantler registraron lo que después se llamó "Phantom Music", pero no se hizo con la intención de que formara parte de la obra, aunque al final se decidió que valía la pena incluirlas.

El 18 de diciembre, el cantante country Steve Ferguson, registró más partes vocales para "Rawalpindi Blues", y poco después, en la misma habitación del hotel, Viva grabó sus partes habladas en una grabadora portatil.

El 16 de febrero de 1971, Bley vuelve a los estudios de la RCA y graba "Little Pony Soldier" y una nueva versión de "Detective Writer Daughter", y el día 26 graba, casi en solitario, "Holyday In Risk".

El 3 de marzo, en The Cinematheque, en Nueva York, con un piano alquilado, un coro formado por amigos y espontaneos, los músicos de la "Hotel Band" y la cantante de ópera Rosalind Hupp (la única persona que cobró por su trabajo esa noche) graban en un Ampex portatil de dos pistas "Escalator Over The Hill" y "Over Her Head", pero al final, debido a la mala calidad de sonido, muy poco de esta grabación terminó en la edición final del disco.

El resto de la obra se registra en la unidad móvil de Butterfly Productions. El 7 de junio de 1971 comienzan a grabarse las partes orquestales. En los siguientes nueve días se graban "Hotel Overture", "Song To Anything That Moves", "Slow Dance", "Ginger and David Themes" y "Holyday In Risk", además de partes de "Like Animals", "End of Animals", "Doctor Why" y "End Of Head". También se grabó de nuevo "Escalator Over The Hill", “Over Her Head" and "Detective Writer Daughter (por tercera vez). Estas sesiones termina el 16 de junio. Los siguientes días se utilizan para grabar coros y partes vocales.

La siguiente semana, de vuelta a los estudios de RCA, se siguen registrando partes vocales, incluyendo algunas nuevas de Viva, corrigiendo algunas cosas, y Carla Bley graba las partes de Calliope (un instrumento que en el siglo XIX se utilizaba mucho en los circos y en los barcos y que consistía en una serie de tubos por los que pasaban vapor para generar el sonido, y que posteriormente se tocaba a través de un teclado), mientras Don Preston graba partes recitadas. Los siguientes meses fueron una época de intenso trabajo, editando, corrigiendo, mezclando, creando un libreto apropiado y promocionando la obra. Todo esto recayó casi en su totalidad en Carla Bley y Michael Mantler, que se había hecho cargo de la producción del disco, viendo recompensado su esfuerzo en marzo de 1972, momento en el que el triple vinilo estuvo listo para salir al mercado, después de problemas con su fabricación y otros inconvenientes.

LA MÚSICA

El disco comienza con una de las introducciones más impresionantes que he escuchado en mi vida. Se trata de “Hotel Overture” (13’11), interpretada por 17 músicos. La entrada de trombón de Roswell Rudd es preciosa, a la vez que decadente, y se alterna con el desgarrado saxo tenor de Gato Barbieri. Entra el ritmo con una llamativa percusión de Roger Dawson, y la orquesta al completo, creando una especie de “cacofonía controlada” maravillosa. A los 5 minutos la orquesta nos traslada a un salón de baile y la melodía que interpretan (que se escucha también en otros momentos del disco) es realmente “patética”, como si fueran a bailarla espíritus en lugar de personas, dando paso a un chirriante y magnífico solo de clarinete de Perry Robinson y a una brutal aparición de Barbieri y su saxo tenor, al que hace gritar con una intensidad y una fuerza pocas veces escuchada. El solo de contrabajo de Charlie Haden nos devuelve a la calma y nos lleva a una de las melodías más bellas del disco, que más adelante se desarrolla en otra pieza. El viaje continua en “This Is Here…” (6’02), pieza misteriosa que contiene la denominada “Phantom Music” de la que hablamos al principio, repleta de voces fantasmales, y que ofrece algunos retazos del final del disco reproducidos al revés, con Jack Bruce repitiendo “It´s Again…”, una de las expresiones clave del disco. De repente, entramos al viejo hotel de Cecil Clark (Cecil’s Clark Old Hotel), con “Like Animal” (1’21), que nos devuelve a la preciosa melodía inicial, con Don Preston interpretando al Doctor, como si de un musical se tratara. Este ambiente de teatro musical continúa en “Escalator Over The Hill” (4’52), donde las dos orquestas ( “Orchestra” y “Hotel Lobby Band”) están increíbles, y donde los distintos personajes entran y salen, como en una obra de Kurt Weill. El ambiente decadente de cabaret está presente constantemente, y da paso a “Stay Awake” (1’31), otro corte de “Phantom Music”, muy inquietante, con Viva gritando. Sin pausa comienza “Ginger and David” (1’39), realmente bella, interpretada por varias voces, y con Barbieri destacando en la orquesta. El vals macabro de la introducción regresa en “Song To Anything That Moves” (2’20), interpretada por la “Hotel Lobby Band”, y continua en “Eoth” (0’35), que enseguida enlaza con la parte más rockera del disco, “Businessmen” (5’38). Jack Bruce está soberbio tanto en las voces como en los ritmos de bajo, John Mclaughlin realiza unos bonitos solos y está especialmente hiriente en algunas partes, siempre apoyado por el órgano de Carla Bley y los efectos de “Phantom Music”, además de por la contudente batería de Paul Motian.

Esta maravilla desemboca en “Ginger and David Theme” (0’57), interpretada por la orquesta, donde vuelve a destacar Barbieri y que nos lleva hasta una balada de aires country, “Why”, interpretada por la cantante Linda Rondstadt junto con la orquesta. Tras una coda de 15 segundos, “It’s Not What You Do”, viene otro de los grandes momentos del álbum, “Detective Writer Daughter” (3’16), en la que se recupera aquella maravillosa melodía de el final de “Hotel Overture”. Cantada por Jack Bruce y Carla Bley sobre una base de vientos impresionante, nos demuestra la belleza que podemos encontrar en momentos de tensión. La contraposición de los elementos melódicos con figuras disonantes y armonias perturbadoras es sorprendente. “Doctor Why” (1’28) nos devuelve al pasado con Jack Bruce y Linda Ronstadt y “Slow dance”(Transductory Music)” (1’50) es una buena composición orquestal que sirve como introducción al impactante final del primer Cd, “Smalltown Agonist” (5’24), un tema siniestro, gótico, que narra la violación de Ginger por parte de sus amigos, con una preciosa base de piano y orquesta, y cuya tensión crece por momentos, hasta que Gato Barbieri manifiesta el dolor de Ginger a través del saxo tenor, en unos momentos memorables.

El segundo Cd se abre con un pequeño monólogo de Carla Bley y la orquesta acompañándola. Es “End of Head” (0’38), que va seguida de “Over The Head”(2’38), una joya con una melodía vocal decadente interpretada por Carla Bley, y una fanfarria como de barraca de feria compuesta por la Original Amateur Hotel Band y la Hotel Lobby Band, lo que significa 20 músicos para un corte de poco más de 2 minutos. Después aparece un bonito piano y la voz de Linda Rondstadt, junto con la de otros “actores”. Esta maravillosa mezcla de vals, obra musical y drama jazzístico continua en la impresionante “Little Pony Soldier”(4’36), en la que Jack Bruce canta de maravilla, junto con Carla Bley y Don Preston, sobre una maravillosa base de guitarra acústica, interpretada por John Mclaughlin, con detalles de vibráfono y piano, una batería inquieta (como no, es Paul Motian) y buenas apariciones del saxo alto de Dewey Redman y la trompeta de Michael Mantler. Continuamos con “Oh Say Can You Do” (1’08), con la voz de Bill Leonard hablando sobre una base de calliope tocado por Carla Bley, “Holiday In Risk” (3’09), una bonita balada interpretada por Carla Bley a la voz y al piano, con más toques teatrales, y “Holiday Risk Theme” (0’47), una coda instrumental en la que la Hotel Lobby Band nos traslada a un salón de baile, con Gato Barbieri al frente.

Aquí hay que hacer una pausa, porque la entrada en el disco del trompetista Don Cherry, al frente de la Desert Band, nos adentra en otro terreno para ofrecernos 25 de los mejores minutos de toda la obra. El viaje comienza con “A.I.R (All India Radio)” (3’55), donde la trompeta de Don Cherry, el violin de Leroy Jemkins, el violonchelo de Calo Scott, las percusiones de Paul Motian, etc… nos induce un trance maravilloso, donde la música oriental y el jazz se funden, y sólo los fraseos de Cherry nos ayudan a volver a la realidad. Una pieza formidable que va seguida de una verdadera obra maestra, “Rawalpindi Blues” (12’41), en la que se fusionan la Desert band y la Jack Travelling Band. Tras una bonita parte vocal de Jack Bruce y sus “amigos”, comienza una parte instrumental donde la guitarra de Mclaughlin y el bajo de Bruce están increíbles, con el órgano de Carla Bley como apoyo, y con la formidable batería de Paul Motian. Tras una segunda parte vocal, entra la agrupación de Don Cherry, y una enorme sensación de paz y bienestar llena la habitación. Las cuerdas, el clarinete, las percusiones, el constante murmullo de la combinación de sonoridades diferentes, y sobretodo, los lamentos de Cherry con su trompeta, crean algo que trasciende a los propios músicos. La voz de Don Preston recitando constantemente “Again, again” nos acerca a “End of Rawalpindi” (9’35), que comienza con un “Fade In” con Jeanne Lee cantando acompañada primero por la genial guitarra de Mclaughlin y después por la sección rítmica. Es el regreso de la Jack Travelling Band, y por lo tanto de Jack Bruce, que vuelve a gritar “Again and Again”, para dar paso a un riff, primero de guitarra y después de bajo, con un cierto aire al de “Paranoid” de Black Sabbath, sobre el que Mclaughlin y Jeanne Lee improvisan, con detalles de órgano de fondo. Con la entrada de la trompeta de Don Cherry, las dos bandas se fusionan y ya no sabe uno donde meterse. La combinación de esa base étnica, con la guitarra de Mclaughlin, la trompeta de Cherry, y después con las partes vocales es algo sublime, de una belleza insuperable.
Y para terminar, regresamos a la dramática melodía de “Like Animals” en “End of Animals” (1’26), cantada por Don Preston y “…And It´s Again” (27’17), en la que buena parte de los participantes de la obra mezclan partes que hemos escuchado con anterioridad con otras nuevas y extractos narrados que forman una especie de collage psicodélico que no tiene fin. Y es que realmente, en la versión en vinilo, no terminaba nunca. Tras casi 9 minutos, se escuchaba un sonido constante grabado en lo que en inglés de denomina “Locked Groove”, es decir, un surco cerrado sobre sí mismo, lo que hacía que la aguja del tocadiscos reprodujera el sonido constantemente, haciendo referencia al título del tema y a uno de los conceptos clave de la obra. En el Cd, la pieza también dura casi nueve minutos, y dejan el sonido constante hasta que termina la capacidad del Cd, por lo que en los créditos marca más de 27 minutos.
Para terminar, diré que debido a su complejidad esta obra no fue representada por primera vez hasta 1997, en Colonia (Alemania), y un año después, se efectuó una gira por Europa. En mayo de 2006 volvió a representarse en Essen, Alemania

REPERCUSIÓN

La obra fue bien acogida por la crítica y el público, siendo uno de los estandartes de la escena vanguardista de la época. En el número 8 del fanzine “El Mellotrón”, publicado a principios del año 2000, Carlos Romeo hablaba sobre el siguiente álbum de Carla Bley, “Troppic Appetites” (1974) y expresaba su opinión sobre la influencia que los primeros trabajos de la compositora norteamericana habían tenido en gente como Henry Cow o Art Bears, y por lo tanto, en bandas posteriores de RIO norteamericanas como U-Totem. No puedo estar más de acuerdo con sus apreciaciones de hace ya 11 años. Además, como también indicaba Carlos, es fácil para los amantes de la escena Canterbury y música afines establecer relaciones entre Carla Bley, Robert Wyatt, Elton Dean, John Greaves, Peter Blegvad,etc…

Sólo me queda decir que si no conocéis este disco, intentad escucharlo lo antes posible, pero no en un ordenador con dos altavoces pequeños, ni en un formato excesivamente comprimido, ni mientras conducís o limpiáis la casa. No vale la pena. Para eso hay otras muchas músicas. Este disco es para escucharlo en frente de un buen equipo, con dos horas por delante sin nadie en casa y si puede ser, con el libreto en la mano. De otra forma, es imposible valorarlo en su justa medida.

Tarannà + Cobla: "Oda Al Folklore" (Autoproducción 2011)

2011-03-29T08:27:00.000-07:00

Tarannà es una banda catalana en constante movimiento, de una imaginación desbordante y unos músicos sobresalientes. En su todavía corta carrera han publicado 3 discos, y todos son diferentes entre sí. En esta ocasión, la banda de Sisu Coromina se ha unido a Cobla, nombre por el que normalmente se conocen a los grupos que en Cataluña tocan sardanas, pero que en esta ocasión es en realidad una agrupación de músicos que, interpretando instrumentos propios de las coblas, han sido reunidos por el mismo Coromina como una especie de banda alternativa en la que van entrando y saliendo músicos continuamente. De esta forma, en este último trabajo, “Oda al Folklore”, grabado en directo los días 25 y 26 de septiembre de 2010 en el Teatre Mundial de la Bisbal D’Empordá, tenemos la fortuna de escuchar a, nada más y nada menos, 13 músicos:

-Sisu Coromina: saxo alto.
-Sergi Rovira: saxo tenor.
-Ruth Barberán: trompeta
-Natsuko Sugao: trompeta
-Pere Masafret: trombón.
-Marc Egea: Flabiol (un tipo de flauta de madera utilizada en las coblas), y zanfona
-Albert Cirera: tenora (instrumento solista de viento, típico de las sardanas)
-Oriol Oller: tible (parecido a la tenora, pero más agudo)
-Pep Moliner: fliscorno
-Pere Bono: bombardino (una tuba tenor, también típica de las coblas)
-Esteve Dalmau: guitarra
-Jordi Sanchez: bajo y contrabajo.
-David Sitges Sardá: batería y percusión

Los que hayáis seguido la trayectoria de la banda Planeta Imaginario, veréis en esta lista algunos nombres de músicos que han participado o participan con ellos, como Ruth Barberán, el propio Coromina o Natsuko Sugao, actual trompetista de la también formación catalana.
El resultado es una verdadera big band repleta de vientos, de una fuerza e intensidad considerable, pero también de gran sensibilidad. Que nadie se asuste. Aquí no hay sardanas. Estamos ante un disco de jazz, con elementos clásicos y progresivos, de rock y de folk, pero siempre desde una óptica vanguardista, alejada de los clichés tradicionales. Los instrumentos propios de la sardana, como la tenora, el tible, etc…adquieren una nueva dimensión y una sonoridad diferente en este espacio, repleto de libertad y sin ningún lugar en el que quepa la cerrazón propia de los puristas de los diversos estilos que tienen cabida en él.
El disco se abre con “Requiem de Cooper” (2’25), una bonita y oscura presentación, que trae recuerdos a la Carla Bley más funeraria de finales de los ’60, donde la orquesta actúa como una unidad compacta, apoyada por una sección rítmica cada vez más activa, y que desemboca en “La Veueta” (12’30), toda una declaración de principios que nos muestra la intención de fusionar estilos e instrumentaciones diferentes. Preciosas melodías de fliscorno y bombardino, acompañadas de elegantes bases de guitarra, bajo y percusión, contrapuntos tímbricos con el flabiol como protagonista, misteriosos fondos hechos a base de loops de guitarra, con la tenora como instrumento solista, tensión creciente en la sección rítmica, que a veces nos lleva a cotas altísimas de excitación, acompañada por la orquesta al completo y partes rockeras, con la guitarra como protagonista, combinando su sonido con el del flabiol, es parte de los que nos ofrece esta pieza que en sólo doce minutos es capaz de resumir la propuesta del álbum.
Le sigue una nueva versión mejorada de “Oda al Folklore” (20’06), tema vocal que abría el primer disco de la banda “Senyals de Vida” (2007), pero que aquí está tratado de una forma muy diferente. La primera parte consiste en la interpretación de la preciosa melodía central con la tenora, sobre un fondo hipnótico de contrabajo y batería, bonitos detalles de guitarra y unos arreglos maravillosos de toda la orquesta. Tras un corto interludio de furia, muy progresivo, vuelve un pegadizo ritmo de contrabajo y un lento y pausado solo de trompeta, que poco a poco nos lleva a un terreno más cercano al “free jazz”, repleto de improvisación , en constante crecimiento, hasta desembocar en un apoteósico final con toda la banda a plena potencia. ¡Increible!.
Y para terminar, una auténtica barbaridad. Se trata de una nueva versión de “L’Heroi Xumbo/ Cantic De Plor I Lloança A La Mort D’Un Home Jove” (25’20). Es quizás el tema más “progresivo” del álbum y ya lo conocemos de su anterior trabajo “Pintades D’Amor I de Guerra” (2009), aunque aquí suena aún mejor. En esta pieza se fusionan a la perfección el jazz y el rock, con algunas influencias latinas. El bajo eléctrico, la batería y la guitarra crean unas bases en ocasiones contundentes y en otras más estereas, sobre la que la orquesta al completo trabaja de forma fluida, llegando a momentos de una intensidad altísima, y donde destaca el magnífico solo de trombón de Pere Masafret y el de saxo alto de Coromina. Los últimos minutos están dedicados a una de las melodías más bellas que ha compuesto la banda, “Cantic De Plor I Lloança….”, donde la orquesta se crece segundo a segundo, y tras casi un minutos de aplausos, a la presentación de los músicos.
No me cabe duda de que estamos ante uno de los grandes discos del panorama nacional en este 2011, que va a ser un gran año, no sólo por la publicación de este disco y el último de Planeta Imaginario, sino porque también regresarán en breve Herba D’Hameli, Senogul, October Equus, Kotebel, etc… Creo sinceramente que estamos en un momento histórico con respecto a la calidad de la música que se está haciendo en España últimamente.

Francisco Macias

Gutbucket: "Flock". (Cuneiform, 2011)

2011-03-07T01:44:00.001-08:00

El sello Cuneiform acaba de publicar el quinto trabajo de los neoyorquinos Gutbucket, titulado "Flock".Su anterior disco, "A Modest Proposal" me gustó mucho, pero este me ha fascinado. La banda esta formada por el saxofonista Ken Thomson, el guitarrista Ty Citerman, el bajista Eric Rockwin y el baterista Adam D. Gold, teniendo todos y cada uno de ellos un peso enorme en el sonido final de la banda. ¿En que se basa este sonido? . Pues en unas bases rítmicas potentes, imaginativas, inquietas, con un contrabajo eléctrico (una especie de Stick) muy presente (aunque Rockwin utiliza también en ocasiones el contrabajo y el bajo eléctrico), una guitarra indispensable, con influencias de Bill Brovold o Robert Fripp, pero con personalidad propia, que destaca tanto en las bases para las melodías de los vientos o en los efectos, como en los solos, y un saxo alto incisivo, que aunque es el sonido preferido de Thomson, lo alterna habitualmente con el clarinete, el clarinete bajo, saxo soprano, saxo barítono ,etc...A estos elementos le sumamos algunos detalles de piano eléctrico Wurlitzer, tocado por Rockwin y ocasionalmente por Gold, y ya tenemos la música de Gutbucket. Una música que se puede encuadrar en el Downtown neoyorquino, con detalles de RIO y que puede recordarnos a veces a la de bandas como Curlew, Larval, Doctor Nerve, o incluso a los británicos Led Bib, existiendo también algunos detalles que nos traen a la mente a King Crimson. Respecto los temas que componen este álbum, no es fácil destacar unos sobre otros, ya que los 60 minutos que dura el disco me parecen magistrales. Estamos ante una banda bastante democrática a la hora de componer las canciones, ya que excepto el baterista, que sólo es autor de un tema, los otros tres miembros se reparten de forma equitativa el resto de las piezas, siendo Eric Rockwin el más activo a la hora de componer (en su anterior trabajo, la diferencia era mayor, ya que Rockwin escribió más de la mitad de los temas). Me encanta el principio del disco, con "Fuck You and Your Hipster Tie" (5'59), toda una declaración de principios compuesta por Thomson, con una melodía de saxo muy a lo Led Bib, acompañada por la guitarra y una fuerte presencia del contrabajo eléctrico, sobre todo durante el magnífico solo de saxo alto, y una bonita parte final repleta de figuras de bajo acústico, clarinete contrabajo, guitarra, saxo alto y soprano ,etc...Las otras dos composiciones de Thomson son "dOg Help Us" (6'00), pieza con un potente ritmo entrecortado, que tiene que ser espectacular en directo, con un gran trabajo del saxo alto, apoyado por el barítono y el clarinete contrabajo, y "Give Up" (5'40), que tiene uno de los mejores finales de todo el álbum, con el saxo como protagonista ,una fantástica guitarra de apoyo y una gran sección rítmica. Otros dos temas que me encanta son "Murakami" (6'42), que tiene una preciosa melodía de sólo 4 notas, pero que está interpretada con una gran profundidad y profusión de detalles, con influencias tanto de Larval en la primera parte como de Curlew en la segunda, y "Said the Trapeze to the Gravity (Why Are you So Old?)" (5'27), de una fuerza aplastante, ambas compuestas por el guitarrista Ty Citerman. Mención aparte merece la suite compuesta por Rockwin bajo el nombre de "Born Again Atheist Suite", dividida en tres partes bien diferenciadas. Aquí hay de todo. Bases de guitarra muy rockeras, acompañadas de potentes ritmos de bajo y batería, apoyados en ocasiones por el clarinete bajo y algunos detalles de Wurlitzer, solos de saxo, con partes cercanas al free jazz, y solos de guitarra, con influencias "frippianas" en ocasiones, destacando sobretodo en el final de la tercera parte, "Turning Manischewitz Into Wine" (8'30), en la que la guitarra se combina con el saxo de forma magistral.
En definitiva, un disco impresionante, que no hace más que confirmar el buen estado actual de este tipo de música.
Francisco Macias

John Zorn: "Caym-Book Of Angels Vol. 17". (Tzadik, 2011)

2011-02-26T02:37:00.000-08:00

La última entrega de la serie “Book of Angels” es una de las más variadas e interesantes de toda la colección, y los responsables son The Banquet Of The Spirits, la banda del percusionista Cyro Baptista, uno de los colaboradores más fieles de John Zorn. La formación es la siguiente:

-Cyro Baptista: percusión y voz.
-Shanir Ezra Blumenkranz: oud, bajo, gimbrí y voz
-Tim Keiper: batería, percusión, kamel ngoni y voz
-Brian Marsella: teclados y voz.

Respecto a la música, es realmente precioso escuchar estas grandes melodías, compuestas por Zorn dentro de la tradición judía, pero desde enfoques diferentes como el jazz, la música árabe, brasileña y africana, etc…Uno de los elementos principales de estos aires norteafricanos es la utilización de varios instrumentos de cuerda procedentes de esta región, como el Oud, el Gimbri, que se utiliza mucho en Marruecos, tanto de forma melódica como percusiva, o el Kamel Ngoni, propio de África Occidental. En cualquier pieza del disco podéis escuchar estos instrumentos, destacando quizás en la bellísima “Flaef” (2’05), pero todavía resulta más impactante cuando el Oud o cualquiera de estos instrumentos se combinan con el piano eléctrico, como en la genial "Chamiel” (4’27), o acústico, como en “Hutriel” (4’28), una verdadera obra maestra, de aires jazzísticos, esculpida alrededor de una sección rítmica y unas percusiones sobresalientes, o en “Yahel” (2’26), otro de los mejores momentos del disco.
El peso de Brian Marsella también es enorme en este álbum. Además de los pianos y el órgano, me encanta el sonido de acordeón que saca de sus teclados, que suele acompañar de forma magistral al Oud, como en “Katafiel” (5’22), en la impresionante “Briel” (4’19) o en “Tahariel” (4’47), en la que también lo utiliza como instrumento solista. Aunque en los créditos no lo indica, Marsella también utiliza el sintetizador, algo que podemos comprobar en en “Tzar Tak” (3’45), en la que la sección rítmica y las percusiones vuelven a destacar (algo que no es de extrañar, no sólo porque esta sea la banda de un percusionista del nivel de Cyro Baptista, sino también porque la pericia de Keiper a la batería y la fuerza de Blumenkranz al bajo son apabullantes, como este último ya demostró antes en bandas como Satlah o Rashanim), y donde hay ciertos toques árabes, que en combinación con los teclados puede recordarnos a la música de Secret Chiefs 3. En este amplio espectro de sonidos creados por Marsella también tiene cabida el hapsichord, como podemos escuchar en la cinematográfica “Yeqon” (4’55), en cuyo final Blumenkranz utiliza el bajo como si fuera una guitarra o en la pieza de aires orientales y campestres,“Natiel” (4’00), el denominado “Pump Organ”, que es un tipo de órgano de iglesia que suena de maravilla en la también bellísima “Phaleg” (4’07), o la imitación del sonido de la flauta en la misteriosa “Zaphaniah” (3’53), con las percusiones como verdaderas protagonistas.
Todo esto hace de el volumen número 17 de la serie “Book of Angels” uno de los mejores de la serie, y a Banquet Of The Spirits una de las bandas más excitantes del universo que rodea a John Zorn, algo que demuestran sobretodo en sus fantásticas actuaciones en directo.
Francisco Macias

Planeta Imaginario: "Optical Delusions". (Cuneiform, 2011)

2011-02-14T10:19:00.001-08:00

Por fin tenemos aquí el último trabajo de los catalanes Planeta Imaginario, titulado “Optical Delusions”. Por fin porque aunque su anterior disco, “Biomasa”, se publicó en 2008, recogía temas grabados en 2005, por una formación de la banda que ya no era la que existía en el momento en el que salió a la venta. Eso hace que su tercer álbum, recién publicado por el sello Cuneiform, sea aún más importante, ya que supone un reflejo fiel de la música que la banda hace en la actualidad.

Planeta Imaginario son:

- Marc Capel: teclados
- Dimitris Bikos : bajo sin trastes
- Natsuko Sugao : trompeta
- The-Hien Trinh : trombón
- Alfonso Muñoz : saxo alto, soprano y barítono, percusión
- Vasco Trilla Gomes dos Santos: batería y percusión.

Además, la banda cuenta con la colaboración de Sisu Coromina (líder del grupo Taranná), a los saxos, Pablo Selnik a la flauta, Guillem Serra Llorenc a la trompa y Liba Villavecchia al saxo tenor.

Lo primero que vemos y escuchamos es que el grupo ya no tiene guitarrista, y la verdad es que no se echa de menos. Quizás en la época en la que estaba en la banda Eneko Alberdi si tenía más sentido, ya que este guitarrista, ahora afincado en Granada, aportaba también composiciones al repertorio de la banda, pero ahora la combinación de los diferentes teclados de Marc con la impresionante sección de vientos, con el saxofonista Alfonso Muñoz como solista sobresaliente, no hace necesaria la presencia de ningún otro instrumento a la hora de acometer solos. También es evidente para los vimos a la banda en directo meses atrás que la trompetista Ruth Barberán ya no está, y ha sido sustituida por Natsuko Sugao.
¿Qué nos vamos a encontrar en “Optical Delusions"?. Pues casi 80 minutos de música, divididos en cinco bloques y 13 cortes, compuestos en su casi totalidad por un Marc Capel cada día más inspirado. Si tuviésemos que definir su música con una sola palabra, esa sería “Elegancia”, algo normal cuando se combina el sonido del piano eléctrico y el órgano con clásicos arreglos de vientos, solos de saxo y trompeta, y claras influencias del Sonido Canterbury. Tras escuchar con detenimiento varias veces el disco, he llegado a la conclusión que no es posible para mí el describirlo exhaustivamente tema por tema como suelo hacer. Los ritmos de Vasco y Dimitris son variados e imaginativos, y cambian muy a menudo en cada uno de las piezas, al igual que las melodías y los arreglos. No hay un solo hueco vacio, todos están repletos de detalles y se hacen necesarias varias escuchas para darse realmente cuenta de lo que tenemos delante.
El primer tema, “Collective Action” (10’16), compuesta por Capel y el saxofonista Rafa Gomez, es toda una declaración de principios. La entrada de piano eléctrico, la sección de vientos, las influencias de bandas como Soft Machine o National Health, los cambios de ritmo, la utilización de los teclados no sólo como instrumentos solistas sino como parte de la sección rítmica, ligeras influencias RIO y bonitos solos de órgano (Marc utiliza el Hammond L 100, el mismo modelo que utilizaba Dave Stewart, cuyo sonido a veces modifica para imitar al órgano Lowrey), trompeta o saxo tenor, este último interpretado por Liba Villavechia, son elementos que se repiten a lo largo del disco. Esto es algo que también comprobamos en la maravillosa “The Garden of Happy Cows” (9’40), donde se combinan a la perfección detalles propios de la escuela Canterbury con la orquestación clásica de los vientos tan característica del grupo y con solos de saxo y teclado, en “The Little Dog-Man’s Clinical Preludes”(7’44), con toda la banda en estado de gracia o en “The Sea…And Later The Sun…And The Reflection”(13’18), con una bellísima melodía y una elegancia sorprendente, en la que Marc está genial tanto con el piano como con el órgano y Dimitris y Vasco demuestran lo compenetrados que están y la facilidad que tienen para acelerar, parar, cambiar de ritmo,etc…Me gusta el solo de flauta de Pablo Selnik y la actuación de Alfonso con el soprano, aunque donde verdaderamente destaca este gran músico es en “Xarramandusca” (11’36), donde además de la impresionante introducción a lo Soft Machine, nos ofrece un genial duelo de aires “free” con Vasco, y un corto pero gran solo de soprano, algo que influye en que esta pieza sea de las más interesantes del álbum. Otro gran solo de soprano de Alfonso lo encontramos también en la tercera parte de “Imperfect Elements In Red Quartz”, titulada “Imperfect Persuasive Element” (2’40), con una contundente sección rítmica acompañándolo.
Marc también nos ofrece bonitas melodías de piano acústico, como en “Good Luck, My Friend” (1’45) o “Sidewalk Licker” (8’00), con una preciosa introducción, titulada sencillamente “Introduction To Sidewalk Licker” (2’37). Es magnífico comprobar como este músico no sólo ha ido creciendo año tras año como teclista, sino también como compositor y arreglista, algo que demuestra en todos los rincones del disco. Por último alabar también el trabajo de The-Hien Trinh, encargado de los arreglos de viento, cuyo sonido define buena parte del resultado final del disco, conviertiendo a cuatro músicos en una verdadera orquesta de aires clásicos, incluso algo pasada de moda, de aires retro, pero de gran efectividad.
En definitiva, el mejor disco de de Planeta imaginario. Si al enorme nivel como intérpretes de todos los músicos y a la madurez compositiva de Marc, le añadimos la ayuda de Bob Drake en la grabación, las mezclas y la masterización y el precioso artwork de Angel Ontalva, no es de extrañar que el producto final sea de semejante envergadura. ¡Imprescindible!.

Francisco Macias

Marbin: "Breaking The Cycle" (Moonjune 038, 2011)

2011-02-07T02:06:00.000-08:00

Haciendo gala de su buen gusto, el sello Moonjune acaba de publicar el segundo trabajo del proyecto del saxofonista Danny Markovitch y el guitarrista Danni Rabin, al que han bautizado como Marbin, combinando la primera y la última sílaba de sus apellidos. El duo se formó en Israel en 2007, pero pronto se marcharon a Chicago, publicando su primer disco en 2009. Para este segundo trabajo, titulado “Breaking The Cycle”, han decidió ampliar la banda con una sección rítmica de lujo, el baterista Paul Wertico y el bajista Steve Robdy, ambos conocidos por formar parte de la banda de Pat Metheny. Además, cuentan con la colaboración de otros bateristas y vocalistas (aunque el disco es practicamente instrumental), entre los que destacan el percusionista Jamie Haddad.
El álbum comienza con "Loopy" (5'59), una pieza con un ritmo algo tribal, con Wertico encargándose tanto de la batería como de la percusión, y un bajo profundo. La melodia principal de guitarra sintetizada es pegadiza, y destaca el rápido solo de saxo soprano, y los posteriores de guitarra y percusión. Hay un ligero aire de los Crimson de los '80 en todo el tema. Le sigue "A Serious Man" (3'49) , otra maravillosa composición, con aires latinos, ambiente cinematográfico y una preciosa melodia de saxo. Me encanta el solo de saxo soprano y la combinación de la batería de Wertico con la percusión de Haddad. "Mom's Song"(2'05) es una nana, tatareada por Leslie Beukelman y Matt Davidson, que resulta un poco simple para mi gusto, aunque va seguida de una auténtica maravilla, "Bar Stomp" (3'04), tema en clave de blues, con la guitarra y la percusión como protagonistas, que me recuerda por momentos a los Lounge Lizards, quizás porque tambien tiene la capaciadad de hacernos visualizar imágenes, como si de una película se tratara. Continuamos con "Outdoor Revolution" (3'08), una nostálgica composición con base de guitarra acústica y una preciosa melodia de saxo, y "Western Sky" (2'12), otra pieza lenta tatareada. El momento más intenso y alucinante del disco llega con "Burning Match" (5'11). Comienza con una bonita melodia de saxo soprano, con el bajo apoyándola. Entra la guitarra de fondo y el ambiente que crea es increible, de una belleza difícil de describir. Entra la bateria, y la guitarra se adueña de la melodia, hasta que regresa el saxo soprano para hacer un fantástico solo, que vuelve a ceder el paso a la guitarra, que hace un solo lleno de sentimiento. ¡Increible!. Continuamos con "Claire's Indigo" (2'11), un tema suave de saxo de aires orientales y "Snufkin" (2'48), una bellísima melodia de saxo, acompañada de guitarra acústica y una percusión de aires latinos, y que contiene un bonito solo de Markovitch. Le sigue "Old Silhouette"(4'12), otro corte suave, con varias capas de saxo, muchos detalles percusivos, efectos de fondo y un buen solo de guitarra. Y para terminar, "Winds of Grace" (8'39), la única pieza cantada del disco, muy bien interpretada por Daniel White, que también es el compositor de la letra. Es un tema de corte épico, con la guitarra acústica acompañando a la voz y detalles de saxo soprano. Casi al final se hace el silencio y tras unos segundos podemos escuchar una coda de saxo soprano en forma de canción de cuna.
Este disco me ha gustado mucho, y cuanto más lo escucho, más me gusta. Marbin combina a la perfección grandes melodias, con profundas bases rítmicas y ambientes muy evocadores. Una buena manera de comenzar el año.
Francisco Macias

Jono El Grande: "Phantom Stimulance". (Rune, 2010)

2011-01-26T09:24:00.000-08:00

Por fin tengo en mis manos el último trabajo de la banda noruega Jono El Grande (seudónimo de su líder Jon Andreas Håtun), titulado “Phantom Stimulance”. Aunque es un disco producido en 2010, no ha salido a la venta hasta enero de este año. Da igual, será uno de los mejores discos del año en el que queramos colocarlo, aunque esté nuevo proyecto no es realmente nuevo. Conmemora el décimo aniversario de Jono El Grande como banda y el decimoquinto de su líder como compositor e intérprete, y mezcla piezas compuestas expresamente para el disco con nuevas versiones de piezas editadas en otros álbumes y nuevas grabaciones de temas inéditos que fueron interpretados por la banda en algún momento en directo. En este sentido, no se puede considerar como una continuación de “Neo Dada”, su anterior disco, aunque las grabaciones son todas de 2010.
Como siempre, la formación es apabullante:
-Jono El Grande: guitarra, voz (utilizada de vez en cuando como un instrumento más), xilófono, percusión y artilugios variados.
-Eivind Henjum: bajo, coros.
-Erik Lokra: saxos
-Stefan Ibsen Zlatanos: piano, flauta.
-Erik Fossen: vibráfono, xilófono y percusión.
-Terje Engen: batería y percusión
-Petter Kragstad: sintetizadores.
-Tarjei Grimsby: trombones.
-Mr. Ohm: viola.

El disco se compone de 11 temas cortos divididos en dos fases, como si de un vinilo se tratara, con las piezas enlazadas entre sí. Comienza con “Borrelia Boogie”(1’48), una composición nueva brutal, potente, llena de vida, perfecta como inicio. La melodía es bellísima, y me encantan las diferentes capas de guitarras, con el bajista Eivind Henjum encargándose de la guitarra barítono. Se enlaza con “Utopian Semi-Waltz”(3’24), una nueva versión regrabada y rebautizada de su primer mini Lp, “Utopian Dances” (1999). Aquí se combinan los ambientes relajados, con un bajo muy presente, repletos de detalles y efectos y toques de vibráfono, con interludios cortos decadentes y una preciosa melodía de corte folk. Geniales las partes de saxo soprano y trombón y el pequeño solo de sintetizador final. De repente entra “La Dolce Vidda”(3’50), un tema que Hatun solía tocar en directo entre 1997 y 1998 con su anterior banda Vidunderlige Vidda. El ritmo es mucho más pesado, con la sección rítmica muy activa y unos riffs de la sección de vientos buenísimos. Me gusta mucho la parte de sintetizador “fantasmal”, con un piano grave y profundo de fondo y las cortas interrupciones de efectos y piano en el tema principal. El vibráfono introduce “Phantom Stimulance”(5’48) (también del repertorio de Vidunderlige Vidda), con un ritmo repetitivo, casi marcial, sobre el que se combina el vibráfono, voz recitada y detalles de trombón. Lo mejor, sin duda alguna, es la segunda parte de la pieza, que comienza de forma sugerente con el saxo y desemboca en un fantástico solo de guitarra con infinidad de detalles alrededor producidos por los sintetizadores y el vibráfono principalmente.
La primera fase termina con una composición totalmente nueva, “Rise of the Baseless Press-Base Toy”(3’35), que comienza con una mantra constante de vibráfono y susurros misteriosos, sobre el que se van creando varias capas de guitarra.
La segunda fase es de un optimismo y un colorido sorprendente. Se inicia con “Pongery in Evention (As in Owe Egon’s Dream)” (2’32), una nueva version de un tema inédito que Jono El Grande suele tocar en directo en los últimos años. Es un pieza desenfadada, muy nórdica, con una melodía maravillosa de corte folk, algunos aires jazzísticos, y que cuenta con un bonito solo de sintetizador final. Le sigue “Beggar To Beggar” (3’40), otra de las piezas del repertorio de la antigua banda de Hatun, Vidunderlige Vidda. De aires circenses, tiene sus mejores momento en una alucinante solo de trombón, que me recuerda mucho a la banda de Zappa de 1973 y a su trombonista Bruce Fowler, sobre una buena base improvisada de xilófono, y en la última parte, con varios saxos superpuestos. Continuamos con “Moon-Strictly In Love With A Figment Foetus” (3’49), nueva version de una melodia original de “Utopian Dances” (1999), con un ritmo y unos vientos que me recuerdan mucho a Alamaailman Vasarat, una melodía maravillosa y un gran solo de guitarra con los teclados como apoyo. Con ritmo de tango llega otra pieza de “Utopian Dances” regrabada, “Negation/Penetration”(2’16), también con una base rítmica profunda, una preciosa melodía de vibráfono y vientos y buenos detalles de saxo barítono. El bajo se queda solo y comienza “Double-Edged Triplets”(3’43), una nueva versión de un tema del álbum “Fevergreens” (2003). La melodía de guitarra es más oscura, con los teclados de fondo y una línea de bajo potente. Después comienza el solo de guitarra, con muchos efectos y una bonita base de xilófono, cuya parte final recuerda mucho a Zappa. ¡Genial!. Y para terminar, “The Goat”(4’17), composición habitual en los conciertos de Jono El Grande e inédita hasta el momento. Es un final inmejorable, con fantásticas melodías de saxo y sintetizador, y un cierto aire andino en el motivo central.
En definitiva un álbum sobresaliente y asequible para cualquier público. Un disco complejo, pero a la vez muy melódico, con una fusión muy equibrada de jazz, rock, folk, etc…¡No os lo perdaís!.
Francisco Macias

Curlew (1º parte). Los años de Tom Cora.

2011-01-18T09:27:00.000-08:00

A finales de la década de los ’70, una nueva música se estaba fraguando en Nueva York. Un grupo de músicos, afincados muchos de ellos en el Lower East Side (John Zorn, Wayne Horvitz, Kip Hanrahan, George Cartwright, etc…) comenzaban a reinvertar la fusión entre el jazz y otros estilos musicales, tomando como referencia a músicos como Ornette Coleman, Anthony Braxton o Cecil Taylor. Estas influencias del free jazz se mezclaron con otras tan diferentes como las de los compositores minimalistas (Steve Reich, Phillip Glass,etc…), con la fuerza y la rabia del punk, con el rock progresivo y el Rock In Oposition a través de los músicos británicos que llegaron a Nueva York atraidos por el panorama que allí se vislumbraba, la llamada New Wave (Daevid Allen, Fred Frith o Robert Fripp entre otros), con las de la música latina, la clásica contemporanea e incluso con el hardcore unos años después. El resultado es una música tan brillante que poco a poco se convirtió en un referente para la vanguardia musical en los ’80, y que desde hace tiempo ya es un estilo musical que traspasa sus fronteras para influenciar a grupos de distintas nacionalidades, el Downtown (llamado así por la zona de Nueva York donde se originó).El ejemplo perfecto que demuestra que la década que una parte del público progresivo desprecia, los ’80, pueden ser realmente emocionante si se mira en la dirección adecuada. El saxofonista y compositorGeorge Cartwright, originario del delta del Misissipi, llega a la gran manzana en 1979 y forma Curlew junto con el bajista Bill Laswell, el violonchelista Tom Cora, el baterista Bill Bacon y el guitarrista Nicky Skopelitis. Laswell y Bacon habían pertenecido los New York Gong de Daevid Allen y Cora había tocado, entre otros, con el guitarrista Eugene Chadbourne. Entre el 29 de febrero y el 2 de marzo, registran su primer trabajo, titulado simplemente “Curlew”, publicándose en 1981.

El álbum comienza con “Panther Burn” (6’16), tema pegadizo con un bajo fantástico y una melodia de saxo algo festiva, seguida por un gran solo de cello de Tom Cora, mientras que Laswell y Bacon lo apoyan creando una base rítmica muy imaginativa, sobre la que Cartwright efectua después un gran solo de saxo. Las percusiones y los saxos nos adentran en “The Bear” ( 1’07), cortísima pieza que desemboca en “Bitter Thumbs” (6’27), algo más oscura, con Laswell haciedo un ritmo de bajo maravilloso y Bacon desatado a la batería. Me encanta el solo de guitarra de Skopelitis, seguido por otro de saxo con toques “free” y con el apoyo del cello en su última sección, creando un pequeño caos maravilloso. Le sigue otra pieza corta, “The Victim” (1’44), bastante experimental, y “The Hardwood” (5’19), en la misma línea, interpretada en directo el 6 de febrero de 1980 en el CBGB’s, con altas dosis de improvisación por parte de todos los miembros de la banda. Continuamos con “Sports” (1’47), un rítmico tema con el cello y el saxo como solistas, al más puro estilo “Downtown”, seguido por “Bruno” (1’12), pieza percusiva con toques étnicos. “But Get It” (2’36), otra misteriosa composición, tiene un cierto aire cinematográfico, sobretodo cuando aparece el saxo, y contrasta con el siguiente tema, “Rudders” (3’16), interpretado en directo y mucho más optimista. Está compuesta por Tom Cora y su cello tiene mucho peso, aunque Laswell le reta constantemente con el bajo. Continuamos con “Binoculars” (2’56), otra improvisación colectiva muy buena, y con “The Ole Miss Exercise Song” (8’42), último corte del disco con una improvisación inicial que se va desarrollando hasta conseguir un ritmo constante sobre el que Cartwright se explaya con el saxo, para dejar paso después a la guitarra. La sección rítmica es tan buena que puedes incluso olvidarte de los solos y fijarte exclusivamente en los que Laswell y Bacon hacen.
Como temas extra, la reedición en Cd de Downtown Music Gallery nos ofrece 6 temás más recogidos del concierto en el CGGB’s el 6 de febrero de 1980. Entre ellos podemos escuchar unas fantásticas versiones de “Sports” (2’03), “Bitter Thumbs” (6’43), “The Ole Miss Exercise Song” (9’38) y “Panther Burn” (6’40). También podemos disfrutar de dos temas inéditos hasta el momento, “Intro/The March” (2’30), con una ruidosa introducción de cello y guitarra , a la que se va uniendo el resto del grupo para crear una gran improvisacion, y “Social Works” (4’12), pieza del guitarrista Nicky Skopelitis, con una buena melodia de guitarra, un buen solo de saxo, pero en el que yo sólo escucho a Bill Laswell. ¡Menuda forma de tocar el bajo, y menudos ritmos!.
Pero es que la reedición de este primer trabajo de Curlew no sólo trae como material extra estos temas, sino que además nos ofrece un segundo Cd con un directo grabado el 1 de octubre de 1980 también en el CBGB’s. Los músicos son los mismos, excepto Bill Bacon, que deja las baquetas a Denardo Coleman, hijo de Ornette, uno de los saxofonistas que más influenció a George Cartwright. El concierto está dividido en dos sets. En el primero podemos escuchar versiones de “Social Works” (2’43), “Panther Burn (5’51) o “The Ole Miss Exercise Song” (7’19) y algunas piezas nuevas, como “Red Channels” (3’39), compuesta por Skopelitis al más puro estilo Downtown, con los cinco músicos a su aire, en una especie de “anarquia controlada”, “Mink’s Dream” (2’47), donde se mezcla una melodía sencilla con partes “free”, con el saxo y la batería cara a cara y una buena actuación del cello, y “Moon Lake” (3’17), un clásico de la banda compuesto por Cartwright que es una maravilla. El riff de bajo inicial, la melodia de cello, las partes de saxo…¡Genial!. El segundo set está compuesto por temas ya conocidos: “Sports” (2’15), “Moon Lake” (3’32), “Social Work” (2’21), “Mink’s Dream” (3’25), “The Hardwood” (6’38), “Red Channels” (3’18) y “The Ole Miss Exercise Song” (8’39), con un final apoteósico.

Tras la publicación de su primer trabajo, la banda sigue tocando por clubs y locales de Nueva York. El siguiente documento sonoro registrado por la banda es de finales de 1983, y se corresponde con una actuación en directo en Mort’s Place que el sello Cuneiform incluyó en la reedición de su segundo álbum de estudio, “North America”. En la formación continuan Cartwright, Cora y Skopelitis, pero el bajista es ahora Otto Williams, y el baterista, Anton Fier, que había pertenecido a The Lounge Lizards, otra de las grandes bandas del “Downtown”. La actuación comienza con “Oklahoma” (6’00), uno de los mejores temas de Curlew. El principio es brutal, seguido de una bonita melodia y un gran solo de saxo. Después le toca el turno a Cora con el cello, y de repente hay un cambio de ritmo alucinante sobre el que Cartwright interpreta otro solo de saxo. El bajo adquiere aún mayor protagonismo y Skopelitis realiza un solo de guitarra. Es una pieza de una gran intensidad, con algunos momentos que nos recuerdan a la música de John Zorn. Continuamos con “Shoats” (3’43), con un ritmo absolutamente genial, con el bajo medio funky y un precioso duelo entre el saxo y el cello. La siguiente composición ya nos es conocida, “Moon Lake” (4’32), en una versión algo más larga (con el tiempo se extenderá aún mas en sus conciertos), al igual que “Mink’s Dream” (3’41) o “The Ole Miss Exercise Song” (5’36), que en esta ocasión tiene una duración menor que las versiones de 1980. Para terminar, la pieza de Tom Cora, “First Bite” (3’10), con el cello como protagonista, muy bien reforzado por la sección rítmica y el saxo.

Entre 1984 y 1985, Curlew registra su segundo álbum de estudio, “North América”, que en su momento sólo se publicó en Alemania y que fue considerado como una rareza de culto hasta que en 2002 el sello Cuneiform lo publicó en Cd. En la formación de la banda encontramos de nuevo a George Cartwright a los saxos y a Tom Cora al cello y el acordeón, pero el resto de los miembros han vuelto a cambiar. Al bajo, guitarra y violín nos encontramos al gran Fred Frith, antiguo miembro de Henry Cow y Art Bears, y que fue uno de esos músicos británicos que se sintieron atraidos y que formaron parte de la vanguardia neoyorquina del momento. A la guitarra está Mark Howell y las labores de baterista la comparten Rick Brown y Pippin Barnett, siendo este último un miembro muy importante durante los siguientes años de la banda.
El álbum comienza con “Ray” (4’42), que contiene una melodia festiva, optimista, con ciertas influencias africanas, interpretada por el saxo y el cello. El solo de guitarra corre a cargo de Fred Frith. Un buen comienzo que da paso a la versión en estudio de “Oklahoma” (3’54). Aunque suena muy bien, no tiene la misma intensidad que la versión en directo, bastante más larga, interpretada a finales del ’83 en el Mort’s Place y de la que ya hemos hablado anteriormente. Continuamos con “Knee Songs 2” (2’10), una pieza sobresaliente con una bella melodia de cello, un bajo muy marcado, y fantásticos detalles de saxo y corneta (estos últimos gracias a Butch Morris). Las dos siguientes composiciones son obra de Fred Frith, y eso es algo que se nota. La primera es “Person To Person” (2’21), que se basa en varias capas de saxo que crean un bonito ambiente, con el apoyo de algo de percusión. De las influencias minimalistas pasamos a otras más cercanas al RIO con “Time and a Half” (2’56), segunda y última composición de Frith que se compone de una pegadiza melodia de saxo con varios interludios de batería y guitarra, interpretada por el propio Frith de una forma algo paranoica. También me gusta mucho su actuación con el bajo.
“Mink’s Dream” (3’05) era un tema clásico en el repertorio de la banda en directo y ya hemos hablado de ella. En estudio resulta más misteriosa y a su instrumentación habitual se le añade el violín de Polly Bradfield. Le siguen tres piezas de Tom Cora, “Two Day ‘Till Tomorrow” (1’22), un bonito y algo lúgubre tema interpretado con acordeón por el propio Cora, “Light Sentence” (2’35), con toda la banda tocando alrededor de una melodia sencilla y repetitiva, y la versión en estudio de “First Bite” (2’46). Otro tema que conociamos de sus actuaciones en directo y que aquí aparece grabada en estudio es “Moon Lake” (5’14). En esta versión, más larga que las anteriores, es increible la interacción del saxo con las cuerdas, que no sólo actuan como elemento solista (como en el caso del solo de violín de Polly Bradfield), sino como elemento rítmico mediante el pellizcado de las mismas. También destacaría algunos interludios rítmicos con influencias “progresivas”. El siguiente corte, “Shoats” (2’35), pierde bastante en su versión en estudio, y da paso a “Agitar/The Victim” (5’11), con una primera parte que consiste en una melodia de saxo al más puro estilo de la banda, con interludios de cuerdas y guitarra que me encantan, al igual que las manipulaciones del sonido del saxo que hace Fred Frith, y una segunda que es una versión muy diferente del tema de su primer disco, “The Victim”. El álbum termina con una adaptación del clásico del guitarrista de blues J.B. Lenoir, “Feeling Good” (2’56), cantado por Cartwright y que tiene sus mejores momentos en los pizzicatos de Cora con el cello. Es sorprendente que un disco tan bueno, repleto de grandes temas, haya estado tanto tiempo en ese limbo aún tan vasto de discos que fueron publicados en Lp en su momento y cuya reedición en Cd se ha hecho esperar años o, en algunos casos, no ha llegado aún.

Para seguir hablando de la discografia de Curlew tenemos que trasladarnos a octubre de 1986, momento en el que se graba una actuación en directo de la banda en el Quasimodo Club de Berlín. En este momento, el grupo estaba compuesto por George Cartwright a los saxos, Tom Cora al cello, Pippin Barnett a la batería, Davey Williams a la guitarra (uno de los músicos más importantes en las siguientes formaciones de Curlew) y Wayne Horvitz ( que después formaría parte de los Naked City de John Zorn) a los teclados, teniendo que encargarse también de hacer las partes de bajo con los mismos. El sello Cuneiform publicó esta actuación en Cd bajo el nombre de “Live in Berlín” en 1988. Se abre con la versión más larga de “Moonlake” (9’19) que hemos escuchado hasta el momento. Tras una buena introducción bastante libre, notamos que el riff central y la melodia de saxo son más lentos. Me gusta mucho el momento en el que Cora pellizca las cuerdas del cello, la actuación de Horvitz con el teclado-bajo y el fantástico solo de saxo de Cartwright. Continuamos con otra pieza conocida, “Ray” (10’42), también mucho más larga que la grabada en estudio. En la improvisación de saxo inicial, con una batería muy buena de apoyo, en los arreglos de guitarra y teclado-bajo y cello, en el solo de guitarra, etc…vamos notando como en esta formación, o por lo menos en esta actuación, hay un amor especial por las improvisaciones, los detalles y las partes más experimentales. Muy bueno el solo de cello de Cora.
Seguimos con “Shoats” (6’39), en una adaptación más larga y muy diferente de las que ya hemos escuchado. Hasta casi el final no reconocemos la melodia original, y en general, la banda utiliza esta pieza directa de jazz rock como excusa para improvisar a su aire. Seguimos con “Barking” (3’00), que no pertenece al concierto de Berlín, sino que fue grabado en marzo de 1987 en un concierto en el CBGB’s de Nueva York. Es un buen tema, que consiste en una gran base de cello con el saxo paseando sobre ella.
Otro clásico que podemos escuchar es “Mink’s Dream” (5’38), también más larga que las versiones anteriores y realmente buena. Una melodia pegadiza, interludios “zornianos”, interesantes duelos entre el saxo y la batería y el saxo y el cello, utilizado como si de un contrabajo se tratara. ¡Genial!. Impresionate también resulta la combinación de “Agitar/The Victim/Improvisation/Oklahoma” (16’40), que durante más de un cuarto de hora nos deleita con una demostración de fuerza, originalidad y virtuosismo, repleto de solos de saxo (me quedo sobretodo con el solo lento y profundo de saxo tenor, rodeado de un teclado misterioso) y cello, cambios de ritmo, improvisaciones, etc...Uno de los mejores momentos en la discografía de la banda. La siguiente piezas son "The Four Scars" (6'13), que tiene una bonita introducción de saxo que poco a poco nos adentra en los terrenos de la improvisación y el free jazz, "To The Summer in Our Hearts" (4'03), con una melodia muy pegadiza y una fantástica interacción entre la guitarra y el cello, "Bringing It All Backbone" (8'50), otra gran improvisación colectiva con un ritmo obsesivo de guitarra, detalles de órgano y un sinfín de efectos y desvarios, y para terminar la versión del clásico "Feelin' Good" (2'30), que ya conociamos de "North America".
En este momento, la banda se centra en tocar en directo y hasta tres años después no regresan al mercado discográfico, con otro de sus grandes trabajos.

"Bee" se graba entre julio y noviembre de 1990. En la formación permanecen George Cartwright, Tom Cora, Davey Wiiliams y Pippin Barnett, pero el teclista Wayne Horvitz ha sido sustituido por la fantástica bajista Ann Rupel. El disco se abre con "The March" (2'57), subtitulada con el nombre de "Ornette Went To Mile's House and They Didn´t Get Along". Es un buen comienzo, con una melodía pegadiza muy del estilo de la banda, un buen solo de saxo y una bonita parte de cello con algunos acordes de guitarra apoyándolo. Un buen ritmo de bajo nos adentra en "St.Croix" (5'02), que se compone de una melodía de saxo festiva, de aires africanos, y una parte central improvisada donde destacan sobretodo la guitarra y la batería. "Jim (to the James River) (4'48), es una pieza de Tom Cora donde el cello es impresionante, tanto en los momentos en los que forma parte de la sección rítmica como a la hora de acometer el maravilloso solo central o el apoteósico final, mientras que Cartwright se encarga de la melodía central. Continuamos con "It Must be a Sign" (7'05), que comienza con una parte experimental con la guitarra y el cello como protagonistas, que da paso a la melodía de saxo principal, lo que nos adentra en un ambiente cinematográfico primero, y en otro más alegre después. Me encantan los fraseos de guitarra en la segunda estrofa y el solo de saxo, así como el final "free", también protagonizado por Cartwright. El siguiente tema, "To The Summer in Our Hearts" (10'13) se grabó en Colonia, Alemania, durante una gira en 1990, y supera con creces a la versión que pudimos escuchar en el álbum "Live in Berlin". Comienza con una melodía cadenciosa de saxo y cello, que da paso a un maravilloso solo de guitarra, en el que Williams alarga las notas, resultando bastante paranoico, apoyado por Tom Cora. Después de más de tres minutos de solo, el cello introduce de nuevo el tema central y entra el solo de saxo, aunque Cora sigue haciendo de las suyas en un segundo plano. El final es una maravilla, con el cello y el saxo desvariando. ¡Increible!. Continuamos con otra obra maestra, "Saint Dog" (7'01), que lo tiene todo: un bello inicio de cello, una sección rítmica fuera de lo común, una de las mejores melodías compuestas por Tom Cora en su carrera, y sendos solos de saxo y guitarra, ambos sobresalientes. Otra de las mejores piezas de Curlew es "The Hard Wood" (6'56), que poco tiene que ver con la improvisación del mismo nombre que la banda interpretaba en su primera época. Además de una sección rítmica sobresaliente, con el cello formando parte de ella, tiene uno de los mejores solos de saxo que Cartwright ha grabado, de más de tres minutos de duración, y con una base de cello impresionante. Cora también tiene espacio para un bonito solo. Para colmo, le toca el turno a "The March (reprise)"(4'59), una versión del tema inicial, con un ritmazo de bajo casi funky y toda la banda acelerada. Es increible como se van mezclando los instrumentos y la intensidad que alcanzan en la primera mitad de la pieza, hasta que llega el solo de cello, que cuenta con un gran apoyo del bajo y la guitarra.

Continuamos con la pieza de Tom Cora, "Rudders" (4'19), que formaba parte del repertorio de la banda desde sus comienzos (podemos escuchar una versión en directo en su primer álbum). Tras una introducción con un pizzicato de cello y efectos varios, Cora y Cartwright esbozan una melodía alegre, seguida de interludios de guitarra y cello. Este bonito tema va seguido de otro bastante desenfadado, "Gary Brown" (4'26), con un buen ritmo y una fantástica melodía de saxo, con un solo de guitarra final. De esta manera llegamos a otro de los grandes momentos del disco, "Kissing Goodbye" (5'52), grabada en directo en Colonia en 1990. Comienza con un alegre ritmo de violonchelo y una melodía de saxo al más puro estilo Curlew, que da paso a un gran solo de saxo con un acompañamiento impresionante de Tom Cora, para después efectuar uno de los mejores solos de cello de su carrera. Casi tres minutos repletos de dramatismo e intensidad. ¡Precioso!. Para terminar, una curiosa versión de "As You said" de Cream, con Ann Rupel a la voz, bien acompañada por la guitarra rítmica de Davey Wiiliams. Así termina uno de los mejores, sino el mejor (depende del momento me cuesta decidirme), álbum de Curlew.
El 23 de marzo de 1991, Curlew presenta en directo su último trabajo, "Bee", en la Knitting Factory de Nueva York (quizás el local que más bandas del Downtown albergó, y que llegó a ser tan importante que al sonido característico de este tipo de música se le ha denominado "Knitting factory Sound"). Este concierto fue grabado y editado en VHS, pero afortunadamente el sello Cuneiform lo ha reeditado en DVD acompañando al siguiente álbum de la banda, "A Beatiful Western Saddle", que aunque llevaba gestándose desde 1989, no se publicó hasta 1993. En esta actuación, Curlew interpreta 8 de los 12 temas de "Bee", más el clásico"Moonlake" y un nuevo tema compuesto por Ann Rupel, titulado "Gimme". Estamos ante una actuación maravillosa, de la que es una de las mejores formaciónes que Curlew ha tenido nunca. El solo de saxo de "Moonlake" (11'28) , con Ann Rupel increible al bajo, y el posterior duelo guitarra-bajo-saxo, el solo de chelo de "Jim (To The James River)" (6'03), la lucha entre la guitarra y el bajo en "Saint Croix" (5'46), el original solo de Davey Williams en "To the Summer In Our Hearts" (12'31), o la gran actuación de George Cartwright en "It Must be A Sign" (9'44) , son sólo algunos ejemplos de la grandeza de esta banda a la hora de actuar en directo. El Dvd se completa con una actuación en Washington el 9 de diciembre de 1991, en el D.C Space, con la vocalista Ami Denio, como invitada para interpretar algunos de los temas de su siguiente álbum. Antes de comentar nada de esta actuación, vamos a hablar del álbum en cuestión, "A Beatiful Western Saddle".

Como ya hemos comentado, comenzó a planearse en 1989, a partir de la admiración que Cartwright sentía por los textos del poeta Paul Haines (algunos lo conocereís por su participación en los discos de Carla Bley, "Escalator Over the Hills" o "Troppic Apetites"), y por el interés que la banda tenía por trabajar con partes vocales. De esta forma, en 1992, Curlew graba los 14 temas que conformarían el álbum, con la misma formación que "Bee", mas la vocalista Amy Denio, siendo publicado por Cuneiform en 1993. El disco se abre con "Let's Sit Right Down/The Passing" (4'05), que comienza con varias voces cantando, dando paso después a una sencilla y pegadiza melodía de saxo. Le sigue "Such Credentials as Have Become Pseudonym" (2'41), la única pieza compuesta por Ann Rupel, y una de las mejores del disco. Tom Cora y Davey Williams están fantásticos y el ritmo me encanta, al igual que las partes vocales y de saxo, algo paranoícas. Continuamos con una de las melodias más bonitas y optimistas del álbum, la de "Poem For Gretchen Ruth" (3'54) y con la inquietante "All's Well That Ends (Excerpt)" (4'27), en la que Tom Cora nos deslumbra con su violonchelo, tocándolo tanto pellizcado como con arco. Más desenfadada resulta "Peking Widow" (4'24), donde la melodia vocal es demasiado inocente, y el saxo hace un buen trabajo, aunque suena de forma muy convencional. De repente, comienza "The Prince" (3'20), una joya con ritmo de tango perfectamente interpretada por Amy Denio y con el cello en primera línea. ¡Genial!. Mucho más misteriosa resulta la única composición de Amy Denio en este trabajo, "What is Free to a Good Home?-For Robert Wyatt" (5'07), donde destaca un buen solo de saxo, con acompañamiento de cello y voces. "Still Trying" (3'55) también es bastante oscura, y a la vez melódica. Contiene una maravillosa parte instrumental, donde la sección rítmica y el cello están impresionantes. Seguimos con "Breakfast" (3'25), una pieza que me resulta excesivamente facilona y carente de interés, que da paso a la increíble "Today" (3'26), con una melodía bellísima de voz y cello y un solo de guitarra precioso. El siguiente tema es "Song Sung Long" (4'14), el único compuesto por el guitarrista Davey Williams, y que consiste en una extraña melodia vocal, con el cello acompañándola. Buen papel de Cartwright al saxo y naturálmente, de Williams a la guitarra. La recta final del disco me resulta algo aburrida. "Human Weather Words" (4'40), comienza muy bien, con una melodia vocal inquietante y realmente preciosa, pero desemboca en una segunda parte más pop. "Now Can You Tell Me or Can it Still Be Told" (4'15) tampoco me parece demasiado interesante, aunque me gusta mucho el solo de saxo, y "Paint Me! (5'30), poema dedicado al presidente de los Estados Unidos de América, me parece muy repetitiva y aburrida, ya que consiste en una especie de mantra repetido hasta la saciedad, aunque por momentos resulta interesante.
En definitiva, este es un disco atípico de Curlew. Cuando lo compré me decepcionó un poco, sobretodo por el hecho de que tenía algunos temas muy facilones, faltos de fuerza, pero poco a poco me fue convenciendo más y más, y aunque no es de mis discos favoritos de la banda, sí tiene algunas de las mejores composiciones de su carrera. Además, resulta interesante la forma en la que se ha dotado de musicalidad a los poemas de Paul Haines, y lo bien que los interpreta Amy Denio.
Como hemos comentado anteriormente, en el Dvd que acompaña a la nueva edición de Cuneiform de este disco, aparte del concierto del 23 de marzo en la Knitting Factory, aparece también una actuación de la banda el 9 de diciembre en el D.C.Space de Washington, con la participación de Amy Denio, ya que se presentaban algunos de los temas que después aparecerían en "A Beatiful Western Saddle". Es en el primer set donde se interpretan los temas vocales, y es realmente increible.En las piezas que más me gustan de "A Beatiful Western Saddle", noto menos la diferencia entre las versiones de estudio y las interpretadas aquí en directo, como "Today" (4'41), con Williams realmente genial, "The Prince" (2'54), "Poem for Gretchen Ruth" (4'46), que añade un buen solo de batería, sobre el que Amy Denio y Davey Williams se marcan un bailecito gracioso o "Such Credentials As Have Become Pseudonym" (2'33), pero en las piezas que no me llamaban tanto la atención en el disco, sí encuentro una gran mejoría. Es el caso de "What is Free to a Good Home" (6'06), que es todo un espectáculo en directo, "Now Can You Tell Me or Can it Still Be Told" (3,55), o incluso en "Paint Me!" (2'59), que al ser más corta resulta más interesante. En el segundo set, la banda interpreta una larga y buena versión de "To The Summer in Our Hearts" (16'13), y otra de "The Hardwood" (8'16), que es otro de los mejores momentos de la actuación.
Y aquí termina la primera parte de este artículo dedicado a Curlew. Poco después de la publicación de “A Beatiful Western Saddle” en 1993, Tom Cora deja la banda y sigue trabajando en muchísimos proyectos diferentes, como había hecho mientras militaba en la banda de George Cartwright. Desgraciadamente, Cora falleció a la edad de 44 años,en París, a causa de un melanoma.

Francisco Macias

Bob Downes Open Music: "5 Trios". 2010.

2010-12-09T03:10:00.001-08:00

El flautista y saxofonista británico Bob Downes acaba de mandarme su nuevo Cd con material de archivo de los años '70. Bajo el título de "5 Trios", recoge grabaciones de estudio de cinco sesiones diferentes realizadas entre 1970 y 1979. En todas ellas tocan Bob Downes y el baterista Denis Smith, y es el contrabajista el que cambia. La primera sesión es de 1979, con Paul Bridge al contrabajo, y en el disco es representada por tres piezas:

-"Living It Up in Rio" (5'51). Se compone de una primera parte rápida, interpretada con flauta, con aires latinos. Tras un solo de batería, podemos disfrutar de un bonito extracto de contrabajo y flauta, lento, pausado,que posteriormente nos devuelve a la melodia inicial. Una magnífica forma de comenzar un disco.

-"Desert Waltz" (4'43). Precioso tema con una bella melodia de saxo soprano y reminiscencias medievales. Los tres músicos están pletóricos y la sección rítmica se muestra muy variada e imaginativa.

-"Circus" (4'50). Como indica el título, es una pieza de aires circenses, con el saxo alto como protagonista, y una parte central más común, con ciertas influencias de blues.

La siguiente sesión se grabó en 1971, con Barry Guy al contrabajo, y de ella podemos escuchar un solo tema:

-"Moonstruck" (11'22). Es una pieza practicamente improvisada, con un inquietante comienzo de flauta y contrabajo tocado con arco. Cuando Guy comienza a pellizcar su instrumento, Downes improvisa de maravilla con la flauta y Smith utiliza mucho los platos de la batería, para después protagonizar junto con el contrabajo una de las partes más "libres" del álbum.

La tercera sesión que recoge el álbum se hizo en 1970 y recoge tres temas, con el gran Jeff Clyne al contrabajo:

-"Bamboo Blaze" (4'18). Tema rápido, interpretado con flauta de bambu, acompañada de un groove de contrabajo muy pegadizo.

-"Spooks" (7'40). La primera parte, optimista, con un fantástico saxo tenor y un excelente acompañamiento por parte de la sección rítmica, contrasta con una segunda parte improvisada, mucho más extraña, en la que,entre otras cosas, Downes utiliza la boquilla del saxo para crear sonidos, y Clyne toca el contrabajo con arco.

-"Mirage" (5'24). Tema tranquilo, que se va acelerando poco a poco, y el que destaca el contrabajo, no exclusivamente en el solo, sino durante toda su interpretación.Gran papel el que desempeña también Downes con la flauta, tanto en las partes compuestas como en la improvisación.

La siguiente sesión, también de 1970, cuenta con otro bajista conocido por los amantes del Sonido canterbury y el jazz británico, Neville Whitehead, interpretando tres composiciones:

-"Ghost In Space" (4'27). Otro momento "free", con contrabajo tocado con arco, percusiones, flauta y momentos vocales, pero sin cantar, como un efecto más.

-"Ready Steady Blow"(7'06). Supone uno de los grandes momentos del disco. Es un tema rapidísimo, y Downes está genial con el saxo alto. El contrabajo y la batería, sobresalientes, y particularmente, me gusta la parte final en la que se tocan de forma simultanea el saxo alto y el tenor, creando un sonido que recuerda al que conseguia de la misma manera Dick Heckstall-Smith en Colosseum.

-"Sou Cry" (4'44). Otra maravilla, con un principio étnico, con flauta de bambú y percusión, que da paso a un buen groove de bajo sobre el que se desarrolla un solo de flauta magnífico, con algunos gritos de Downes intercalados.

La última sesión que recoge el Cd se produjo en 1978 con Marc Meggido al contrabajo:

-"Lonely Street Blues" (5'16). Es la única pieza vocal del álbum, cantada por Bob Downes en clave de blues, con aire cinematográfico y un bajo sugerente, casi arrastrado. Contiene un bonito solo de flauta.

-"Maya" (4'38). Otra versión del tema que se publicó originalmente en el álbum "Diversions" (1972), y que también aparecía en el anterior disco de archivo de Bob Downes, "Flashback". Mucha flauta de bambú, mucha batería y gritos. Una pieza magnífica para terminar un disco que recoge de nuevo el espíritu libre e innovador del jazz británico de los '70.

Francisco Macias

John Zorn-El concepto Masada

2010-11-29T03:41:00.000-08:00

Tras dos años escuchando casi compulsivamente los discos de John Zorn, y debido en parte a las peticiones de algunos amigos, he decidido hacer un esquema sobre el proyecto más importante y prolífico del saxofonista norteamericano. En principio, no haré hincapie en el contenido musical de cada uno de los discos (son más de 50) ni a cada uno de los temas que los componen, ya que en realidad este artículo es la base sobre el que se haría en un futuro un estudio más detallado.
En septiembre de 1992, John Zorn crea su composición "Kristallnacht", que narra musicalmente varios aspectos de la vida de los judios durante la segunda guerra mundial, de su supervivencia y de su futuro como pueblo. Para ello, Zorn se acerca a la música Klezmer del siglo 17 y 18 y la mezcla con otras tendencias más modernas. Por otro lado, tras 20 años de carrera, el músico norteamericano piensa en dotar de melodias más definidas a sus composiciones y crear, según sus propias palabras, "un libro de temas inspirado en los catálogos de grandes compositores como Burt Bacharach, Thelonius Monk, Kurt Weill o Ornette Coleman". De esta forma se crea el concepto "Masada", que hasta el momento consiste en unos 500 temas, con una estructura similar, compuestas con unas reglas muy concretas pero dejando espacio suficiente para la improvisación. Zorn se inspira en la tradición judia y mezcla la música Klezmer con otras de influencia balcánica y árabe, acercándola al terreno del jazz, del rock o de la música clásica dependiendo de la formación que elija para interpretarla.

Libro Primero de Masada

Está compuesto por 205 temas que Zorn compuso entre 1993 y 1997, que han sido interpretados por varias formaciones que enumeraremos a continuación, y registradas, tanto en estudio como en directo, en muchos discos que también citaremos aquí.

Masada

Masada está formado por John Zorn al saxo alto, Dave Douglas a la trompeta, Greg Cohen al contrabajo y Joey Baron a la batería. Son la formación más conocida y mejor valorada en el mundo del jazz de todas las que ha liderado John Zorn. Debutan en directo en septiermbre de 1993, y su discografía grabada en estudio se compone de los siguientes 10 discos:

1. "Alef" (Diw,1994). Grabado el 20 de febrero de 1994.
2. "Beit" (Diw,1994). Grabado el 20 de febrero de 1994
3. "Gimel" (Diw,1994). Grabado el 20 de febrero y el 22 de junio de 1994.
4. "Dalet" (Diw,1995). Cd con tan solo tres temas grabados el 20 de febrero de 1994.
5. "Hei" (Diw,1995). Grabado el 16 y 17 de julio de 1995.
6. "Vav" (Diw,1995). Grabado el 16 y 17 de julio de 1995.
7. "Zayin" (Diw,1996). Grabado el 16 de abril de 1996.
8. "Het" (Diw,1997). Grabado el 1 de agosto de 1996.
9. "Tet" (Diw,1998). Grabado el 21 de abril de 1997.
10. "Yod" (Diw,1998). Grabado el 15 de septiembre de 1997.

Llama la atención de que todo estos discos se hayan grabado en tan solo 7 sesiones repartidas en poco más de tres años y medio. Además, Masada ha publicado los siguientes discos en directo y de archivo, clasificados por fechas de grabación:

11. "First Live '93" (Tzadik, 2002). Recoge la primera actuación de la banda el 2 de septiembre de 1993, en la Knitting Factory de Nueva york.

12. "Live In Jerusalem" (Tzadik, 1999). Doble Cd que recoge la primera visita de la banda a Israel el 18 de mayo de 1994.

13. "Masada Live" (Jazz Door, 1995). Grabado el 11 de diciembre de 1994 en Nueva York. Es la única grabación de Masada donde Kenny Wollesen sustituye a Joey Baron a la batería.
14. "Live In Taipei" (Tzadik, 1999). Doble Cd que recoge las actuaciones de Masada en la capital de Taiwan, Taipei, entre el 22 y el 25 de mayo de 1996.

15. "Live At Tonic 1999" (Tzadik,2004). DVD que recoge una actuación del verano de 1999.

16. "Live in Middelheim" (Tzadik, 1999). Grabado el 15 de agosto de 1999 en el festival de jazz de Middelheim, en Amberes, Bélgica.

17. "Live In Sevilla" (Tzadik, 2000). Grabado el 18 de marzo de 2000, en el Teatro Central.

18. "Live At Tonic". (Tzadik, 2001). Doble Cd grabado el 16 de junio de 2001.

19. "50th Birthday Celebration Vol. 7". (Tzadik, 2004). Grabado el 18 de septiembre de 2003, y encuadrado dentro de los conciertos conmemorativos del 50 cumpleaños de John Zorn que duraron todo el mes de septiembre. Tzadik publicó 12 volúmenes dentro de esta serie, de los cuales solamente 4 recogen actuaciones de bandas relacionadas con el concepto Masada (Masada String Trio, Masada, Electric Masada y Bar Kokhba), de los que hablaremos más adelante.

20. "Sanhedrin" (Tzadik, 2005). Doble Cd que recoge versiones inéditas de algunos de los temas grabados en estudio en las 7 sesiones que se realizaron entre febrero de 1994 y septiembre de 1997.

Entre agosto de 1994 y marzo de 1996 se realizan tres sesiones de grabación donde se registran varios temas del libro primero de Masada con instrumentaciones diferentes, encuadradas en lo que se denominíno Masada Chamber Ensembles. Este proyecto se publicó en 1996 bajo el nombre de Bar Kokhba (no confundir con la posterior formación del mismo nombre) y muchas de las piezas se grabaron para el documental "The Art of Rememberance-Simon Wiesenthal" de Johanna Herr y Werner Schmiedel.

21. Masada Chamber Ensembles: "Bar Kokhba". (Tzadik, 1996). Doble Cd.

La importancia de este disco, en la que muchos músicos se dividen en duos, trios y cuartetos para interpretar diversas piezas, es la aparición por vez primera de lo que después se conocería como el Masada String Trio.

Masada String Trio

Compuesto por Mark Feldman al violín, Erik Friedlander al violoncelllo y Greg Cohen al contrabajo. Este trio es otra de las formaciones más importantes del universo Masada y, además de en este disco, donde interpretan 8 temas como trio y uno más con la ayuda de Kenny Wollesen, aparecen en los siguientes trabajos interpretando piezas del primer libro de Masada:

22. "Filmworks Vol. 8" (Tzadik, 1998). El octavo volumen de esta larguísima serie en la que se recogen bandas sonoras de películas y documentales compuestas por John Zorn, contiene la música de dos películas. La que nos interesa es la partitura que Zorn hizo para el documental "The Port of Last Resort", grabada el 9 de noviembre de 1997. Masada String Trio interpreta tres de las cuatros composiciones del primer libro de Masada que se utilizan en la película más "Emunim", que se hizo especialmente para el film. Los otros temas también están compuestos especialmente para la película y son interpretados por Min Xiao Fen (pipa), Anthony Coleman (Piano) y Marc Ribot (guitarra).

23. "The Circle Maker" (Tzadik, 1998). Este doble Cd recoge las sesiones de grabación del 6 y el 7 de diciembre de 1997. El primer dia Masada String Trio grabó el primer Cd, "Issachar", y en el segundo, el trio fue acompañado por Marc Ribot a la guitarra, Joey Baron a la batería y Cyro Baptista a la percusión, creando el Bar Kokhba Sextet, y grabando el segundo Cd, "Zevulum".

24. "Filmworks Vol. 11" (Tzadik, 2002). Recoge la banda sonora del documental "Secret Lives", y aunque toda la música está impregnada de influencias judias (el film trata sobre los niños judios que durante la segunda guerra mundial fueron escondidos de los nazis por familias no judias), sólo hay cuatro temas del primer libro de Masada. Está interpretada en su totalidad por Masada String Trio, acompañados en un par de canciones por Vanesa Saft a la voz y Jamie Saft al piano.

25. "50th Birthday Celebration Vol. 1" (Tzadik, 2004). Recoge el concierto de el 4 de septiembre de 2003 en el Tonic de Nueva York con motivo de la celebración del 50 cumpleaños de John Zorn.

Bar Kokhba Sextet

Como ya hemos comentado, este sexteto está formado por Mark Feldman al violín, Erik Friedlander al violoncello, Greg Cohen al contrabajo, Joey Baron a la batería, Marc Ribot a la guitarra y Cyro Baptista a la percusión. Además de "Zevulum", incluido en "The Circle Maker", el grupo sólo publica un álbum más con temas del libro primero de Masada:

26. "50th Birthday Celebration Vol. 11" (Tzadik, 2005). De los cuatro conciertos que la banda efectuo los dias 12 y 13 de septiembre de 2003 en el Tonic de Nueva York, Zorn eligió tres que para que fueran publicados en este triple Cd.

En esta serie de conciertos conmemorativos, aparece por primera vez la formación más salvaje del universo Masada, Electric Masada.

Electric Masada

Está formada por John Zorn al saxo alto, Marc Ribot a la guitarra, Trevor Dunn al bajo, Jamie Saft a los teclados, Joey Baron y Kenny Wollesen a las baterías, Cyro Baptista a la percusión e Ikue Mori encargándose de los efectos electrónicos. Comenzaron a actuar en mayo de 2003 y tienen dos discos grabados en directo:

27. "50th Birthday Celebration Vol. 4" (Tzadik,2004). Grabado el 27 de septiembre de 2003.

28. "At the Mountains Of Madness" (Tzadik,2005). Recoge dos conciertos grabados en 2004, uno en Moscú y otro en Ljubljana.

En 2003, con motivo del décimo aniversario del concepto Masada, el sello Tzadik comienza a publicar una serie de cinco volúmenes bajo el epígrafe "Masada 10th Anniversary Edition".

29. "Vol 1. Masada guitars". (Tzadik, 2003). Se compone de 21 piezas grabadas solamente con guitarra, interpretadas por Marc Ribot, Bill Frisell y Tim Sparks.

30. "Vol 2. Voices In the Wilderness" (Tzadik, 2003). Doble Cd con 24 temas, grabadas entre agosto del 2002 y enero de 2003 por formaciones diferentes.

31. "Vol 3. The Unknown Masada" (Tzadik, 2003). Grabado entre enero y mayo de 2003, este Cd recoge 12 temas grabados por diferentes formaciones.

32. "Vol 4. Masada Recital" (Tzadik, 2004). En este disco, grabado el 17 de febrero de 2004, encontramos al duo formado por el violinista Mark Feldman y la pianista Sylvie Courvoisier interpretando por primera vez los temas de Masada.

33. "Vol 5. Masada Rock" (Tzadik, 2005). Grabado el 4 y el 6 de abril de 2005 por el trio Rashanim, formado por Jon Madof a la guitarra, Shanir Ezra Blumenkranz al bajo y el oud y Mathias Kunzli a la batería, con la colaboración del guitarrista Marc Ribot. Es la última grabación que una banda hace de temas del primer libro de Masada.

Por último, la formación polaca The Cracow Klezmer Band, graba el siguiente disco:

34. "Sanatorium Under Sign Of The Hourglass-A Tribute To Bruno Schulz" (Tzadik, 2005). Grabado enero de 2005, un mes antes de que comienzen a grabarse los temas del segundo libro de Masada.

Otros disco donde podemos encontrar composiciones del primer libro de Masada es:

35. "Filmworks Vol. 9" (Tzadik, 2000). Musica compuesta para el documental "Trembling Before G-D", donde se utilizan varias melodias del catálogo de Masada, interpretadas por Jamie Saft al órgano y piano, y Chris Speed al clarinete, con la colaboración de Cyro Baptista y John Zorn.

Libro Segundo de Masada

En 2004, John Zorn compone 300 nuevas piezas dentro del concepto Masada y decide grabarlas con distintas formaciones en la serie "Book of Angels", de la que hasta el momento se han publicado 16 volúmenes:

1. "Vol. 1. Astaroth" (Tzadik, 2005). Grabado el 4 de febrero de 2005 por Jamie Saft Trio, formado por Jamie Saft al piano, Greg Cohen al bajo y Ben Perowsky a la batería.

2. "Vol. 2. Azazel" (Tzadik, 2005). Grabado el 15 de junio de 2005 por Masada String Trio.

3. "Vol. 3. "Malphas" (Tzadik, 2006). Grabado el 28 de septiembre de 2005 por Mark Feldman al violín y Sylvie Courvoisier al piano.

4. "Vol. 4. "Orobas" (Tzadik, 2006). Grabado entre noviembre y diciembre de 2005 por el multinstrumentista Koby Israelite y su banda.

5. "Vol. 5. Balan" (Tzadik, 2006). Grabado el 13 de febrero y el 1 de marzo de 2006 por la Cracow Klezmer Band.

6. "Vol. 6. Moloch" (Tzadik, 2006). Grabado el 6 de septiembre de 2006 por el pianista Uri Caine.

7. "Vol. 7. Asmodeus" (Tzadik, 2007). Grabado el 28 de febrero y el 1 de marzo de 2007 por el guitarrista Marc Ribot, el bajista Trevor Dunn y el baterista G. Calvin Weston.

8. "Vol. 8. Volac" (Tzadik, 2007). Grabado por el violoncelista Erik Friedlander.

9. "Vol. 9. Xaphan" (Tzadik, 2008). Grabado por la banda Secret Chiefs 3.

10. "Vol. 10. Lucifer" (Tzadik, 2008). Grabado el 9 de septiembre de 2007 por Bar Kokhba Sextet.

11. "Vol. 11. Zaebos" (Tzadik, 2008). Grabado en enero y marzo de 2008 por el trio Medeski, Martin & Wood.

12. "Vol. 12. Stolas" (Tzadik, 2009). Grabado el 22 de febrero por el Masada Quintet, formado por Dave Douglas a la trompeta, Joe Lovano al saxo tenor, Uri Caine al piano, Greg Cohen al contrabajo y Joey Baron a la batería. John Zorn participa con el saxo alto en un tema.

13. "Vol. 13. Mycale" (Tzadik, 2010). Grabado el 1, el 2 y el 5 de octubre de 2009 por cuatro vocalistas femeninas, Basya Schecter, Ayelet Rose Gottlier, Malika Zarra y Sofia Rei Koutsovitis.

14. "Vol. 14. Ipos" (Tzadik, 2010). Grabado en octubre de 2009 por la banda The Dreamers, formada por el guitarrista Marc Ribot, el vibrafonista Kenny Wollesen, el teclista Jamie Saft, el bajista Trevor Dunn, el baterista Joey Baron y el percusionista Cyro Baptista.

15. "Vol. 15. Baal" (Tzadik, 2010). Grabado el 12 y el 13 de septiembre de 2009 por el Ben Godberg Quartet, integrado por el clarinetista Ben Goldberg, el pianista Jamie Saft, el contrabajista Greg Cohen y el baterista Kenny Wollesen.

16. Vol. 16. Haborym" (Tzadik, 2010). Grabado en marzo de 2010 por Masada String Trio.

17. Vol. 17. "Caym" (Tzadik, 2011). Interpretado por Banquet Of The Spirits, banda formada por Cyro Baptista (percusión, voz), Shanir Ezra Blumenkranz (Oud, bajo, gimbri y voz), Tim Keiper (batería, percusión y voz) y Brian Marsella (teclados, voz).

Espero que este resumen pueda aclarar las dudas que a veces surgen cuando la discografia de un músico es tan amplia como la de John Zorn, y si alguien ve algún error, o puede añadir algo que falte en el esquema, le invito a que lo haga.

Francisco Macias

Ciccada: "A Child In The Mirror" (Fading Records, 2010)

2010-11-12T02:35:00.000-08:00

Ciccada es una banda griega, formada en 2005, que acaba de publicar su primer trabajo con el sello Fading Records, que pertenece a Altrock. Actualmente, el grupo está formado por:

-Evangelia Kozoni: voz, acordeón y percusión.
-Nicolas Nikolopoulos: flautas, teclados, percusión y coros.
-Yorgos Mouchos: guitarras y coros.
-Omiros Komninos: bajo.

Además, en el disco hay varios colaboradores, siendo los más activos el baterista de la banda italiana D.F.A, Alberto de Grandis, y los clarinetistas Valerio Cipollone y Hryssoula Georgaki.
Grabado entre Julio de 2009 y Abril de 2010 en Milán, el álbum comienza con “Ciccada” (4’38), una pieza instrumental fantástica con el clarinete como protagonista, con apoyo del órgano y una dinámica sección rítmica, combinándose después las partes más folk de guitarra acústica y flauta con otras más ”progresivas” de guitarra eléctrica y mellotrón. Este contundente inicio da paso a “Isabella Sunset” (6’09), que comienza con la efectiva combinación de violín y piano, para dar paso después a la bonita voz de Evangelia Kozoni. Me gusta el acompañamiento instrumental de guitarra, teclado y flauta, y posteriormente de clarinete en el estribillo, aunque más adelante la pieza pierde algo de interés para mí. Los arreglos de cuerdas, vientos y acordeón me encantan, pero no me convencen los riffs de guitarra, que me resultan pesados y bastante previsibles.
Uno de los mejores momentos del disco llega con “A Child In The Mirror” (6’01), canción interpretada en griego, y con influencias del “Sonido Canterbury”. La melodía vocal, el fantástico piano eléctrico, los fraseos cortos y elegantes de la guitarra, los toques de órgano,etc…me recuerdan a Hatfield & The North y a bandas afines. Destacar también en esta pieza los arreglos de clarinete y trompeta. Otro de los platos fuertes del álbum es “A Storyteller’s Dream” (7’09), un tema de aires medievales, con influencias folk, pero lleno de fuerza y cambios de ritmo. La labor de Yargos Mouchos con la guitarra acústica es inmejorable, y las melodías de flauta, clarinete y voz (utilizada como instrumento) son bellísimas, con momentos muy pastorales y otros más progresivos con mucho órgano. ¡Genial!.
Una lenta melodía de flauta y glockenspiel, seguida de la guitarra, el clarinete y el piano eléctrico nos adentra en “Raindrops” (4’16), otra joya cuya parte vocal, también de corte folk, es realmente preciosa. Pero lo mejor de todo es lo imaginativos que son los arreglos, con todos los instrumentos entrando y saliendo en el momento justo, combinando sonoridades en un ejercicio de elegancia y buen hacer. Seguimos con “An Endless Sea” (5’28), un tema casi instrumental, que combina bien las partes eléctricas y acústicas, con algún riff de guitarra algo típico, y que tiene su mejor momento en su inicio, con una entrada grave de piano, chelo y guitarra acústica, y una melodía maravillosa. Seguimos con “Epirus-A Mountain Song” (4’58), donde vuelven a destacar los arreglos, la melodía vocal y los cortos solos de guitarra, y con “Elisabeth” (7'09), en la que la melodía, de corte folk como es habitual en la banda, esta muy bien arropada por la guitara, el clarinete, la flauta, el piano y el chelo, con algunos detalles de mellotrón, y partes eléctricas menos interesantes.
“The Moment” (3’14) es la composición más corta del disco, y una de las más bonitas. Cantada en griego, contiene unos juegos de piano eléctrico y guitarra eléctrica preciosos, alternándose y combinándose con el clarinete. La parte central instrumental, con un marcado riff de bajo, y cortos solos de piano eléctrico con acompañamiento de clarinete, y de guitarra eléctrica con el órgano como apoyo, es excepcional.
Y para terminar, “Garden of Delights” (8’24), una de las piezas con más elementos progresivos setenteros y de las que menos me interesan del disco. Es un buen tema, con un principio a lo Jethro Tull, una bonita melodía vocal (que me resulta algo reiterativa a estas alturas del disco), y una parte instrumental con guitarra y órgano, que por momentos me recuerda a Van Der Graaf Generator y a algunas bandas nórdicas de los '90, con partes de mellotrón, y que aunque está bien me parece haberla escuchado antes muchas veces en otros discos.
En definitiva, estamos ante un buen disco, con momentos soberbios, que hará las delicias de los amantes del rock sinfónico melódico con influencias folk. Particularmente me ha gustado mucho, y creo que las composiciones de Nikolopoulos y Mouchos son magníficas, tanto en lo referente a las melodías como a los arreglos. Curiosamente, lo que menos me ha gustado son algunas de las partes eléctricas, que en general me parecen poco inspiradas.

Francisco Macias

French TV: "I Forgive You For All My Unhappiness" (Pretentious Dinosaur Records, 2010)

2010-11-05T02:32:00.000-07:00

Cuatro años hemos tenido que esperar para escuchar un nuevo trabajo de la banda de Mike Sary, French TV. Su decimo álbum se titula “I Forgive You All My Unhappiness”, y en él se refleja paso a paso los cambios de formación de la banda desde 2005 hasta la actualidad. En estos momentos French TV es un quinteto formado por el bajista Mike Sary, el baterista Jeff Gard, el teclista y saxofonista Steve Katsikas, el guitarrista Shawn Persinger y el saxofonista Adam Huffer. Su nuevo disco disco se compone de seís piezas registradas en varias sesiones de grabación realizadas en los últimos cinco años, por lo que en cada una de ellas encontramos músicos diferentes.
Antes de ponerlo por primera vez tenía mis reservas, ya que aunque “This is What We Do”, su anterior disco, me había encantado, no sentía lo mismo por el proyecto que en 2009 publicaron Mike Sary y Shawn Persinger (guitarrista del grupo Boud Deun , ¿recordais lo buenos que eran?), junto con el teclista Guy Leblanc y el baterista Chris Vincent, bajo el nombre de The Distinguished Panel of Experts. En su álbum “Trans-indulgent” nos ofrecían un jazz rock progresivo muy poco original, en mi opinión, y temía que algo de esto pasara en décimo disco de French TV. Además, Steve Katsikas tiene mucho peso en la nueva formación de la banda, y esto también me hacía desconfiar, ya que es el teclista de la banda Little Atlas, que aunque hace buena música, no me termina de convencer.
He tenido que escuchar varias veces el Cd para poder hablar sobre él, y aún así no es nada fácil. Los temas son, en general, muy variados, y la composición algo dispersa. Las dos primeras piezas,”Seven Rusty Nails” (7´00) y “Conversational Paradigms” (7’33) están interpretadas por la formación actual que hemos comentado al principio ( en el segundo tema también participa Hans Bodin a la guitarra sintetizada) y los cambios son constantes. Los solos de teclado, guitarra y saxo son cortos y se van alternando constantemente, las melodías no se repiten y destaca la sección rítmica ( Sary y Gard son los principales compositores del disco, junto con Katsikas). Hay momentos cercanos al jazz rock, algunos detalles de mellotrón, y en general, reconocemos el estilo de la banda americana.
En el tercer corte, “March of the Cookies Cutters” (8’52) es Warren Dale el que se encarga del saxo y el clarinete, y también está repleto de ritmos y melodías diferentes, algunas con un toque humorístico y otras casi épicas. Me gusta mucho la combinación del clarinete, el piano y el saxo en algunos momentos. Es una buen tema, pero en general me cuesta seguirle el hilo.
“You Got To Run It Out, Dawson!” (9’15) está interpretado en formación de cuarteto, con Mike Sary al bajo, Jeff Gard a la batería , Steve Katsikas los teclados y Roy Stratman (compañero de Katsikas en Little Atlas) a la guitarra, y es uno de los mejores momentos del disco. Me gustan mucho las líneas de bajo de Sary, que junto con Gard crea algunos grooves realmente pegadizos y divertidos, alternándose con potentes riffs y solos cortos de guitarra y teclado. ¡Genial!.
La siguiente pieza se titula “With Grim Determination, Terrell Dons The Bow Tie” (6’41), en la que el papel del guitarrista lo interpreta Joee Conroy. Tiene una melodía alegre y un buen ritmo, aunque el sonido del teclado es algo artificial y me resulta también algo dispersa.
Y para terminar, “Mosquito Massacre” (5’55) ,la mejor pieza del álbum y la más antigua. Tuvo que ser grabada a finales de 2005, y en ella encontramos la formación de “This Is What We Do” (Mike Sary, Jeff Gard, Chris Smith, Warren Dale y Paolo Botta). La melodía es maravillosa, con bonitos interludios de saxo y guitarra, partes solemnes y algo oscuras, con solos cortos de guitarra, saxo y teclado y muchísima fuerza. Un broche de oro para un disco que me ha gustado bastante, pero con el que me cuesta mantener la atención en algunos momentos. Está claro que esta banda ya no resulta tan original como a mediados de los ’90, pero su material sigue siendo interesante y creo que seguirá gustando a los que, como yo, los hemos seguido durante una buena parte de su ya dilatada carrera.

Francisco Macias

The Soulbreaker Company: "Itaca" (Alone Records, 2010)

2010-10-11T02:43:00.000-07:00

Soulbreaker Company es una banda de Vitoria conocida, sobretodo, en los círculos relacionados con el hard rock y el heavy. Con un sonido repleto de referencias al rock duro de los ’70 y al rock sureño, la banda ha ido evolucionando hacia un sonido más sofisticado, con aires psicodélicos y progresivos, pero sin perder en ningún momento sus raíces más rockeras. “Itaca” es su tercer trabajo, y sin duda alguna, el mejor de los tres que han publicado. Ha sido grabado en el mítico Foel Studio, en Gales, bajo la supervisión de Dave Anderson ( sí, el bajista de Amon Duul II, Hawkwind, Groundhogs, y que estuvo a punto de formar parte de Van Der Graaf Generator) y editado tanto en Cd como en vinilo por el fantástico sello Alone Records. La formación está compuesta por:

-Daniel Triñares: Guitarras eléctricas y acústicas
-Jony Moreno: Voz y guitarras acústicas.
-Andoni Ortiz Domingo: Batería y percusión
-Jose Javier Manzanedo: Bajo
-Oscar Gil: Teclados y coros.
-Asier Fernandez: Guitarras eléctricas y acústicas y coros.

Además, la banda cuenta con la excelente colaboración de Kike Guzmán a los saxos y flauta, y con la de Joanne Deacon y Layla Seville a los coros y Fuzz Towshend a la percusión.
El álbum se abre con “It’s Dirt” (9’37) y su comienzo es realmente cautivador. Un teclado de aires espaciales nos recuerdan a Pink Floyd, Eloy, y a otras bandas alemanas de principios de los ’70, algo en lo que también influye el sonido del bajo. La entrada del saxo y posteriormente de la guitarra es de una belleza extrema y nos llevan hasta una parte vocal excepcional, llena de fuerza. Enseguida comprobamos como aquí están mucho más presentes los teclados que en sus anteriores trabajos, y su combinación con el saxo y las guitarras tanto eléctricas como acústicas, tienen un efecto demoledor. Una gran pieza que puede hacer disfrutar a cualquier amante del rock progresivo. Continuamos con “Oh Warsaw” (4’01), un tema más duro, con un bonito sintetizador apoyando las bases de guitarra, muy pegadizo, y que tiene sus mejores momentos durante el solo a dos guitarras y sobretodo en el solo de saxo, lleno de energía y que le da un cierto toque jazz a la composición. La guitarra acústica nos conduce a “Sow The Roses” (4’37) , una balada excepcional, épica, con un trabajo de guitarras sobresaliente. Me encanta el solo de guitarra y la profundidad que le otorgan el apoyo de los teclados. Creo recordar que será el primer single del disco y me parece una elección muy acertada.
El siguiente corte es “Rude Perfume” (3’29), con un riff de guitarra duro, unos detalles preciosos de órgano Hammond, una sección rítmica demoledora y una nueva demostración de Jony Moreno de cómo se canta un tema de estas características. Sin pausa comienza “Colours Of The Fire” (5’42), un tema donde contrasta el ambiente misterioso de las primeras estrofas, con el sintetizador y la percusión como principales responsables, con un estribillo con reminiscencias heavys, difícil de olvidar y perfecto para ser cantado en directo. Me gustan mucho también los detalles de órgano Hammond. Y llega otro momento relativamente tranquilo del disco con “Where Mermaids Sing Loud” (4’19), que cuenta con una buena base de piano y guitarra, una gran interpretación vocal y una de las mejores letras del álbum.
Uno de los grandes momentos de “Itaca” llega con “No Way Back Home” (4’40). Tras un potente principio con la guitarra y el órgano como protagonistas, nos encontramos con una parte vocal con un bonito apoyo de sintetizador y detalles de flauta, que desemboca en un fantástico solo de guitarra y un impresionante extracto instrumental con un bajo continuo, tranquilo, fondo de teclado y un precioso solo de saxo que alcanza el climax cuando Jony grita el título de la canción y toda la banda se apunta a la fiesta. ¡Apoteósico!.
Una bonita melodía marca el comienzo de “Hail While She Leaves” (3’55) , otra balada cuyo estribillo me trae a la memoria algunos temas de Aerosmith, y en el que destaca la combinación del Hammond tanto con las guitarras eléctricas como acústicas. Le sigue “Take a Seat on the Moon” (4’54), una pieza rockera con un acompañamiento de piano algo simple , que tiene su mejor momento durante el solo de saxo, y “Saviours” (3’33) , de raíces setenteras, con un riff bastante zeppeliano. El final del disco es muy bueno, gracias a “Sandstorm” (7'10). Tiene un buen inicio, pausado, con flauta, órgano y toques de guitarra. El órgano acompaña las partes vocales, y al final de cada estrofa el teclado aparece con aires épicos. De pronto, entra un riff de guitarra bastante heavy, con un buen acompañamiento de órgano y punteos de guitarra. Me gusta mucho el solo de Hammond y el posterior extracto instrumental, muy elegante, con un bajo muy presente, platillos y una bella melodía de guitarra, que nos lleva hasta el final de la pieza de forma relajada. Una forma magnífica de terminar un álbum que sin duda alguna, es uno de los mejores de los que se han publicado en este país a lo largo del año, y que marca una nueva etapa de esta banda vasca que parece tener muchas cosas que decir en el panorama del rock nacional de calidad.

Francisco Macias

Zaal: "Onda Quadra". (BTF, 2010).

2010-10-05T10:45:00.000-07:00

Zaal es un proyecto del teclista de La Maschera Di Cera, Agostino Macor. Cuando en 2004 publicaron su primer trabajo, “La Lama Sottile”, lo compré enseguida. Tenía los dos primeros trabajos de La Maschera Di Cera y me encantaban, y además tuve la suerte de poder conocer a Macor en un concierto en Portugal. El discó me gustó muchísimo. Jazz rock instrumental, con mucho protagonismo del violín (y de los teclados, claro). Los años pasaron y parecía que el proyecto no iba a tener continuación, hasta que en 2008 Macor lo retoma con una formación totalmente distinta, grabando su segundo disco en el invierno de 2009, titulado “Onda Quadra” . Este nuevo trabajo acaba de ser publicado por el sello BTF y lo he pasado muy bien escuchándolo. La banda está formada por:

-Agostino Macor: Teclados, Composición.
-Francesco Mascardi: Saxo
-Michele Bernabei: Trompeta
-Paolo Marasso: Bajo, Contrabajo.
-Alessandro Quattrino: Percusión
-Luciano Zangari: Batería
-Federico Branca: Batería en “Quinto Palindromo”.

Lo primero que me sorprendió es la sustitución de las cuerdas por los vientos, lo que naturalmente cambia el sonido de la banda, llevándolo hacia terrenos más cercanos al jazz.
El álbum comienza con “Antefatto” (1’29), una introducción oscura de piano eléctrico, con toques de percusión, detalles de trompeta, saxo y efectos, que da paso a “Quinto Palindromo” (9’40), que consiste en un pegadizo groove de bajo que después recoge el piano, sobre el que se intercalan pequeños solos de saxo soprano y sintetizador, entrando más tarde la trompeta. En la parte central de la pieza Macor se queda solo con el Rhodes, y junto con la trompeta y el contrabajo nos adentra en terrenos más minimalistas, hasta que vuelve el ritmo que nos lleva a un apoteósico final con una buena combinación de saxo soprano, trompeta y sintetizador. ¡Una pieza formidable! . Continuamos con “Contare In Cerchio” (1’43), un solo de contrabajo con arco, con algunos efectos, que da paso a otro de los mejores temas del disco, “Dyane 6” (5’53). Comienza con un bajo funky y el piano eléctrico. La banda entra poco a poco hasta que el saxo tenor interpreta una melodía, alternándose y combinándose con la trompeta y el sintetizador. Macor hace un buen solo de piano eléctrico, con mucha percusión de fondo, hasta que regresa el saxo tenor. Es característico de este disco el hecho de que los solos sean cortos, algo que hace los temas muy dinámicos, ya que hay un relevo constante en los instrumentos que escuchamos. El siguiente corte es “Reveil (In The Capsule)” (6’39), mucho más tranquilo. Tiene un aire más minimalista, con algunos detalles espaciales, melodías de piano sencillas y repetitivas y arreglos suaves de viento. Le sigue “ZLG Reprise” (9’19), que es una nueva versión de una de las mejores composiciones de Agostino Macor, “Zelig”, grabada originalmente para el primer disco de la banda. La preciosa melodía central es interpretada con saxo soprano en lugar de violín (como ya hemos comentado, instrumento indispensable en la primera encarnación de la banda), con una base de contrabajo tocado con arco y piano. Poco antes de la mitad de la pieza, hay un cambio de ritmo y podemos escuchar un bonito solo de sintetizador, que me recuerda mucho a la banda Happy The Man, que da paso a un ritmo más acelerado sobre el que se alternan solos de saxo soprano y piano eléctrico. La percusión tiene mucho peso en esta parte y la combinación del sintetizador con el Rhodes primero y con el piano acústico después resulta formidable. Tras un bonito final, llegamos al último tramo del camino con “Epílogo” (6’30), otra composición inquietante, que va in crescendo, con detalles espaciales, con toda la banda entrando y saliendo de forma pausada, y un final repetitivo con el saxo soprano, el contrabajo y el sintetizador como protagonistas.
Esperemos que después de este gran trabajo, Agostino Macor no nos haga esperar otros 6 años para presentarnos nuevo material de Zaal.

Francisco Macias

Rational Diet: "On Phenomena and Existences" (Altrock, 2010)

2010-10-04T10:05:00.001-07:00

El sello italiano Altrock acaba de publicar el último trabajo de la banda bielorrusa, Rational Diet, una de las más interesantes dentro de la música RIO en la actualidad, titulado “On Phenomena and Existences”. Al igual que en sus anteriores trabajos, escucho influencias de Univers Zero, Present, Henry Cow, King Crimson (sobretodo en algunas partes de guitarra), etc…. La formación es la siguiente:
-Vitaly Appow: Vientos
-Cyril Christia: Violín
-Dmitry Maslovsky: Bajo
-Anna Ovchinnikova: Cello
-Olga Podgaiskaja: Piano, Órgano y Voz
-Nikolay Semitko: Batería
-Maxim Velvetov: Guitarra

Describir este disco canción por canción es una misión imposible, al menos para mí. Ya no es sólo la falta de conocimientos sobre teoría musical, sino también lo complejo que resulta describir movimientos, ritmos y melodías que cambian constantemente, antes incluso de haberlas podido asimilar bien. Piezas magníficas como “Human Life in the Wind” (4’14) (maravillosa la combinación de fagot, violín y guitarra), “Living the Main Life” (5’49) (¡Que gran final!), o “Private Secrets of Machine” (3’08) son todo un reto incluso para el oyente acostumbrado, y no es así porque resulten extrañas o estén repletas de disonancias, sino por la rapidez a la que los ritmos cambian y los instrumentos se dan paso unos a otros. Esto ocurre más en los temas compuestos por el violinista Cyrill Christia que en los de la teclista Olga Podgaiskaja (entre los dos componen prácticamente todo el álbum), que tiende a insertar partes vocales o crear miniaturas instrumentales de gran belleza. Dos ejemplos son “Unexpected Feiertag in Chemnitz” (1’05), pieza melódica de guitarra, y “Weimard Period” (1’46), de corte clásico, con las cuerdas como protagonistas. De Olga también destacaría la maravilosa “Passacaglia in Beatiful and Furious World” (5’05), que cuenta con una parte vocal extraña, inquietante y muy bonita, y otras con mucho violín y cello, furiosos pianos y melódicos saxos, o la brutal “Somebody in the Spacious Tail-Coat” (2’53), que comienza con unas notas de contrabajo (interpretadas por Viacheslav Plesko), seguidas de un violín burlón y fondo de fagot, dando paso después al piano, el órgano, las cuerdas y el saxo.
Y no podemos olvidarnos del impactante tema inicial, “Sleep is Teasing a Man” (4’34), que siendo el único compuesto por Vitaly Appow, es uno de los mejores del disco. Comienza con un dramático violín y cello, seguido del pìano y el resto de instrumentos, pero enseguida vuelve a hacerse el silencio y la bonita voz de Olga nos regala un extracto vocal inquietante, para dar paso al fagot y la guitarra, cuyo optimismo contrasta con la seriedad de las cuerdas ( la combinación de estos elementos es básico en el sonido de la banda). La posterior combinación fagot-piano y la potente entrada de la guitarra y el violín ponen la guinda a esta gran pieza.
En definitiva, un trabajo formidable para los amantes del RIO y uno de los mejores de lo que llevamos de año 2010.

Francisco Macias

Soft Machine Legacy: "Live Adventures". (Moonjune, 2010)

2010-09-21T10:03:00.000-07:00

Justamente un año después de haber escrito el artículo sobre Soft Machine Legacy, el sello Moonjune ha publicado "Live Adventures". Este nuevo álbum en directo fue grabado el 22 de octubre de 2009 en Austria (“The Nodder”, Song of Aeolus”, “Facelift” y “The Last Day”) y el día siguiente en Alemania (“Has Riff II”, “Grapehound”, “In The Back Room”, “The Relegation of Pluto/Transit” y “Gesolreut”) . Viendo el repertorio nos damos cuenta enseguida que hay más temas de los Soft Machine de los ’70 que en cualquier otro de sus discos. La banda está formada por John Etheridge (guitarra), John Marshall (batería), Theo Travis (saxo, flauta) y Roy Babbington (bajo).
El disco comienza de forma tranqulia, con una flauta hipnótica, percusiones, platillos, una guitarra algo espacial…Es “Has Riff II” (8’30) , pieza improvisada que poco a poco adquiere mayor intensidad hasta que el bajo comienza a esbozar la melodía del clásico de Mike Ratledge ,“As If” . Ni siquiera con la entrada de la sección rítmica se pierde esa ambientación tan misteriosa. Le sigue “Grapehound” (8’38) , algo más larga que la versión grabada en estudio para el primer álbum de Soft Machine Legacy del mismo nombre. En directo suena muy bien, con mucha fuerza. Particularmente echo algo de menos el acompañamiento de piano eléctrico durante el solo de guitarra de Etheridge, y también hay una diferencia clara en el solo de saxo ya que Travis lo hace con saxo tenor mientras el fallecido Elton Dean lo efectuaba con un saxo alto. De todas formas, estos detalles no hacen que disfrute menos de un temazo como este. El siguiente corte es toda una sorpresa, “The Nodder” (7’03) , una composición de Karl Jenkins que aparecía en el directo “Alive and Well-Recorded in Paris” (1978) , que se sustenta sobre un riff pausado, característico de Jenkins. Es un buen tema, donde destaca sobretodo la labor de Marshall a la batería y el magnífico solo de saxo de Travis. Continuamos con “In The Back Room” (9’42), la única pieza del “Steam”, último trabajo de estudio de la banda hasta el momento, que aquí es algo más larga . Etheridge está fantástico con la guitarra y la sección rítmica es sobresaliente.
Y le toca el turno a otra composición de Karl Jenkins, “Song of Aeolus” (6’58), del álbum “Softs” (1976). Es una pieza preciosa, que siempre me ha resultado extraña en el repertorio de Soft Machine. Maravillosa la combinación entre la guitarra y la flauta. Una potente entrada de saxo marca el principio de “The Relegation Of Pluto” compuesta por Theo Travis y que es un ejercicio de fuerza, con el saxo y la sección rítmica en plena forma. Va unida a “Transit”, un solo de batería que desemboca en una versión realmente impresionante de “Gesolreut” (5’52), tema de Ratledge que todos recordareis del álbum “Six” (1973). Aquí tiene un ritmo increíble, casi funky, y los solos, tanto el de guitarra (con una distorsión y un sonido precioso), como el de saxo son de lo mejor del disco. Seguimos con un pequeño homenaje a Hugh Hopper, con la revisión de “Facelift” (3’28), que consiste en una serie de variaciones de la melodía principal, con una alta dosis de improvisación. Para terminar, podemos escuchar una pieza nueva de Theo Travis, “The Last Day” (5’01). Unas notas de bajo y la flauta nos adentran en un tema repleto de sonidos, soundscapes, con varias capas de flauta, detalles de guitarra y una sección rítmica muy activa, donde la batería crea una tensión maravillosa. Después le toca el turno al solo de guitarra de Etheridge y a una sencilla melodía de siete notas interpretada con saxo y guitarra. Un buen final para este álbum en directo que nos sirve como aperitivo hasta que la banda vuelva a entrar en el estudio a grabar nuevo material, algo que sucederá, según la propia banda, en primavera de 2011.

Francisco Macias

VERTIGO 6360046 Ramases: “Space Hymns”. 1971

2010-08-23T11:14:00.001-07:00

Según cuenta la leyenda, Martin Raphael era un sencillo vendedor inglés que vivia en escocia, hasta que un dia decidió que era la reencarnación viva de Ramases, el dios egipcio. Tras publicar un single con Universal, firmó con el sello Vértigo en 1970, y grabó junto con su mujer Sel y los futuros miembros de la banda 10 CC (Eric Stewart, Lol Creme, Graham Gouldman y Kevin Godley) el álbum “Space Hymns”, con una portada preciosa de Roger Dean. Musicalmente, es uno de los discos que menos me interesan del catálogo de Vértigo, aunque está muy bien considerado por mucha gente. Aunque hay temas muy buenos, como “Life Child” (6’39), auténtica joya del álbum, “Oh Mister” (3’01) o las pegadizas “Balloon” (4’31) o “Jesus Come Back” (4’01), en general me resulta aburrido, sobretodo las partes vocales. Hacian una mezcla de folk y psicodelia con toque espaciales, aires orientales y algunas sonoridades pop. La edición que yo tengo en Cd es la de Progressive Line de 2001, que incluía varios bonus tracks de su álbum de 1975, “Glass Top Coffin”, de 1975. El sello Repertoire publicó una edición en 1991 y otra en 2004 con cuatro singles de 1971 y 1972 como temas extra.

Francisco Macias

VERTIGO 6360043 Tudor Lodge: “Tudor Lodge”. 1971

2010-08-23T11:13:00.001-07:00

Lyndon Green (voz, guitarra), John Stannard (voz, guitarra) y Ann Steuart (voz, guitarra, piano y flauta) eran en 1970 Tudor Lodge, una agrupación folk que existía con otras formaciones desde 1968. Tras una audición, se convierten en una de las pocas bandas de este estilo que firman con el sello Vértigo, publicando su primer y único álbum en 1971. Para su grabación contaron con el apoyo de la sección rítmica de Pentangle, Danny Thompson y Terry Cox, y del saxofonista Tony Coe entre otros.
En el disco encontramos puro folk británico de la época, con arreglos de cuerda y vientos, bonitas armonias vocales y mucha guitarra acústica y flauta. Destacaría la preciosa composición de Steuart, “Two Steps Back”, cantada de forma magistral y con unos arreglos magníficos; la misteriosa y a la vez dulce “Willow Tree” (3’20), también con unos detalles instrumentales muy elegantes; la rítmica, y eléctrica por momentos, “The Lady’s Changing Home” (4’36); o la bellísima instrumental de Lyndon Green, “Madeline” (4’03).
En noviembre de 1971, Ann Steuart, cansada de tocar constantemente sin ver beneficios económicos, deja el grupo, que se disolveria definitivamente a principios de 1972.
Un bonito disco que ha sido editado en CD tanto por el sello Red Bus como por Repertoire, cuya última reedición de 2008 imitando al vinilo es la más interesante.

Francisco Macias

VERTIGO 6360042 Graham Bond with Magick: “We Put Magick On You”. 1971

2010-08-23T11:12:00.001-07:00

Segunda parte de la inacabada trilogia que Graham Bond inició con “Holy Magick” (VO 636021), dedicada al esoterismo. Con una formación diferente, que incluía al saxofonista Steve Gregory (Ginger´s Baker Airforce), al baterista John “Pugwash” Weathers (futuro miembro de Gentle Giant), y a su esposa, Diane Stewart, Bond graba un fantástico álbum de Rhythm and Blues repleto de bases rítmicas de piano y órgano realmente fantásticas. Para comprobarlo sólo hay que escuchar temas como “Forbidden Fruit” ( dividido en dos partes, abriendo y cerrando el disco), la pegadiza “I Put My Magick On You” (5’42) o “Druid” (4’55), con toques de blues y jazz , y buenos solos de saxo y piano. Otra pieza que me encanta es “Ajama” (6’15), cantada en nigeriano, con un órgano impresionante, un gran trabajo del percusionista Gaspar Lawall y una sección rítmica repleta de vida, sobretodo en la segunda mitad del tema. Un álbum fantástico que no llegaría a tener continuación, ya que en mayo de 1974, Bond fue atropellado por un tren a la edad de 37 años, tras haber tenido graves problemas con las drogas y trastornos mentales. La única edición disponible en Cd en la actualidad es la de BGO de 1999, que incluye también su anterior trabajo “Holy Magick”.

Francisco Macias

VERTIGO 6360041 Gentle Giant: “Acquiring The Taste”. 1971

2010-08-23T11:10:00.000-07:00

Segundo trabajo de Gentle Giant grabado a principios de 1971 y publicado en julio del mismo año. Registrado por los mismos miembros que su primer álbum y producido de nuevo por Tony Visconti, la banda da un paso adelante con esta obra maestra en la creación de estructuras “progresivas” en temas de corta duración. Donde quizás se nota más esta intención es en “Pantagruel’s Nativity” (6’50), pieza inicial que tiene de todo. Diversos cambios de ritmo, partes rockeras, combinación de voces, solos de guitarra y vibráfono, pasajes de trompeta, fantásticos fondos de teclado, etc…El toque más rockero de la banda también aparece en la genial “The House, The Street, The Room” (6’01), que se combina bien con partes más experimentales donde colaboran Tony Visconti a la flauta dulce y Paul Cosh a la trompeta y el órgano, o en “Plain Truth” (7’37), donde Phil Shulman tiene mucho peso con el violín eléctrico.
Otro elemento importante en este disco es la influencia de la música de cámara, algo que podemos escuchar en temas como “Black Cat” (3’51), con las cuerdas como protagonistas, “Acquiring The Taste” (1’36), interpretada por Kerry Minnear al Moog, o la misteriosa “Edge of Twilight” (3’47), en la que las cuerdas, los vientos y las percusiones se combinan a la perfección. Esta mezcla de belleza y tristeza también la encontramos en “The Moon is Down” (4’45), con bastante peso de los saxos.
Naturalmente no podemos olvidarnos de las influencias “medievales” en “Wreck” (4’36), con partes de clavicordio y flauta dulce (interpretada por Tony Visconti), y con una parte vocal pegadiza y maravillosa donde los hermanos Shulman y compañía se convierten en la tripulación de un barco y nos narran la dureza de su vida y la cercanía con la muerte.
La edición en Cd más interesante actualmente es la de Repertoire de 2005, imitando al vinilo original.

Francisco Macias

VERTIGO 6360040 Magna Carta: “Songs from Wasties Orchard”. 1971

2010-08-23T11:09:00.001-07:00

Tras la sustitución de Lyell Tranter (que se casó y se trasladó a Australia a vivir) por Davey Johnstone, Magna Carta publica su tercer disco, “Songs From Wasties Orchard”. Este es quizás uno de los discos más folk de la banda, con influencias del Country americano, como se puede escuchar en temas como “Home Groan” (2’23) o “Country Jam”(1’53). De nuevo, escuchamos ecos a Simon and Garfunkel en piezas como “Parliament Hill” (2’45) o “Good Morning Sun”(2’42) (con Rick Wakeman al piano), pero mis favoritas son “White Snow Dove”(2’09), también con Wakeman tocando la celesta, la instrumental “Sponge”(2’24) o la pegadiza “Time For The Leaving” (4’01). En mi opinión, este disco no es de lo mejor que hizo el grupo, aunque en general está muy bien considerado. En CD ha sido reeditado varias veces por el sello Repertoire, aunque también hay ediciones de Akarma y una de Mercury, de 1999, donde en un solo CD se incluia este álbum junto con “Seasons”.

Francisco Macias

VERTIGO 6360039 Ian Carr With Nucleus: “Solar Plexus”. 1971

2010-08-23T11:07:00.000-07:00

“Solar Plexus” es el tercer disco de la banda del trompetista Ian Carr, Nucleus, aunque en esta ocasión Carr compone todos los temas, por lo que el disco salio bajo su propio nombre. Grabado en diciembre de 1970, marca el final de un año increiblemente prolífico, y también el final de una etapa, ya que es el último disco en el que coincide el sexteto original (Ian Carr, Jeff Clyne, Karl Jenkins, John Marshall, Chris Speding y Brian Smith). Además contó con la colaboración de músicos tan importantes del jazz británico como los trompetistas Kenny Wheeler y Harry Beckett, el bajista Ron Matthewson o el saxofonista Tony Roberts, entre otros.
Comienza con “Elements I & II” (2’13), una introducción de sintetizador que nos lleva hasta la alegre “Changing Times” (4’47). Jazz rock al más puro estilo Nucleus, con un buen solo de saxo tenor de Tony Roberts y otro fantástico de fliscorno de Kenny Wheeler. Le sigue “Bedrock Deadlock” (6’55), que tiene un bellísimo principio neoclásico con el oboe y el contrabajo con arco como protagonistas. Me encanta la percusión, la combinación de los instrumentos de viento, el buen papel de John Marshall al final, pero sobretodo la actuación de Karl Jenkins y Jeff Clyne durante toda la pieza. ¡Increible!.
Algo más oscura es “Spirit Level” (9’18), realmente impresionante, y donde destaca el clarinete bajo (buen dueto con el bajo) y el solo de fliscorno. Le sigue “Torso” (6’11), con un ritmazo y una melodia muy pegadiza, con buenos solos de saxo soprano y batería. Y para terminar, “Snakehips Dream” (15’14), tema con el sonido puro de Nucleus. Me encanta el riff de bajo, los toques de piano eléctrico y guitarra, y la sección de vientos, sobretodo el solo de saxo tenor y el de fliscorno. Un gran final para un gran disco.
La edición disponible en Cd es la de BGO de 2002 que incluye también el álbum "Belladonna".

Francisco Macias

Frogg Cafe: "Bateless Edge". 2010.

2010-08-09T02:10:00.000-07:00

El grupo norteamericano Frogg Café publicó su primer álbum en 2002. Ocho años después, y tras tres fantásticos discos en estudio y dos en directo, acaban de editar “Bateless Edge”, en mi opinión, su trabajo más maduro hasta el momento. Hemos tenido que esperar cinco años para escuchar material nuevo de esta banda, amantes de la música de Zappa y de la fusión entre jazz y rock, y ha valido la pena. Actualmente, el grupo está compuesto por Bill Ayasse (violin, viola, mandolina, percusión y voz), James Guarnieri (batería, glockenspiel y percusión), John Lieto (trombón), Nick Lieto ( voz principal, piano, teclados, trompeta y fliscornio), Andrew Sussman (bajo eléctrico, cello y guitarra acústica), y regresa de nuevo el guitarrista Frank Camiola, que abandonó la formación tras la grabación del álbum “Creatures” en 2003. El retorno de Camiola, muy interesado actualmente por las músicas más arriesgadas y el RIO, ha influido en el nuevo sonido de Frogg Café. Aunque sus partes vocales siguen siendo accesibles, las influencias tanto de Zappa como de bandas progresivas clásicas siguen presentes y la fusión entre jazz y rock sigue estando ahí, está claro que también hay un interés creciente por la música clásica contemporanea y las corrientes europeas cercanas al RIO y a la música Zeuhl. Además, el disco cuenta con muchos colaboradores, dotándolo de una riqueza instrumental muy superior a la de sus trabajos anteriores.
El primer tema, “Terra Sancta” (12’10), compuesto por Andrew Sussman, comienza con toques de slide guitar con influencias indias, dando paso a un pegadizo y psicodélico riff de guitarra realmente genial, reforzado después por los vientos y la marimba. Un inicio impresionante que desemboca en una parte vocal al más puro estilo Frogg Café. Después comienza otra parte instrumental, con el bajo y la tabla como base, bonitos toques de piano y un hipnótico solo de guitarra interpretado por Frank Camiola, seguido por otro de violín eléctrico, muy distorsionado, que ellos mismos citan como “Mahavishnu Electric Violín Solo”. Me encanta el apoyo del trombón al final del solo, justo antes de que comience de nuevo la parte vocal y termine la pieza. ¡Genial!.
Seguimos con el tema instrumental de Nick Lieto, “Move Over I’m Driving” (7’59), con influencias de sonido Canterbury, sobretodo por el sonido de guitarra eléctrica, que me recuerda a Phil Miller por momentos. Una buena melodia interpretada por el violín, la trompeta, la guitarra…y muchos cambios de ritmo. Buen solo de trompeta, interpretado sin prisas, sobre un ritmo elegante, y un bonito solo final de mandolina eléctrica.

En 2003 el guitarrista Frank Camiola asistió a un concierto de Magma y se quedó muy sorprendido, e influenciado por su música comenzó a componer la siguiente pieza, “Pasta Fazeuhl” (14’01). Según cuenta en los créditos, no quiso copiar el estilo de la banda francesa, sino solamente hacer un tributo al espíritu de su música y a la energía que desprende, siempre con el estilo característico de Frogg Cafe. En un tema potente, con mucha fuerza, con la guitarra y el violín como protagonistas, aunque escuchamos detalles de flauta, de xilofono y marimba, partes más jazzeras con la trompeta como solista y constantes cambios de ritmo. También encontramos influencias propias del Rock In Opposition, como por ejemplo en el misterioso y bello solo de violín de la parte central y en el siguiente extracto, donde entra el cello y el xilófono, para llevarnos de nuevo a terrenos más rítmicos, repleto de nuevo de variaciones, cambios y muchos detalles. Una pieza fantástica que hay que escuchar con mucha atención.
Continuamos con una suite titulada “Under Wuhu Son” (20’12), compuesta por Andrew Sussman y basada en el libro “Wuhu Diary: On Taking My Adopted Daughter Back To Her Home Town In China” de Emily Prager y en las propias experiencias de Sussman al adoptar una niña en China. Está dividida en tres cortes diferenciados. El primero, “In The Bright Light” (8’22), comienza con una bonita introducción de guitarra acústica, mandolina y violín, a la que después se le añada la flauta y la marimba. La parte vocal es muy bonita, con acompañamiento de guitarra acústica primero, y la entrada de la sección rítmica y el resto de instrumentos después. Tiene un cierto aire pastoral, de inocencia, que me encanta y está repleta de detalles.La segunda parte de la suite, titulada “Left For Dead” (5’36) es totalmente instrumental y tiene una base de guitarra eléctrica dura, que contrasta con las cuerdas y los vientos que rompen el ritmo habitual. Quizás por las utilización de las marimbas o por como se combina con otros instrumentos, me viene a la memoria la música de Isildurs Bane en algunos momentos. La lluvia nos adentra en la tercera parte, “Brace Against The Fall” (6’14), con un principio aplastante de clarinete bajo y trompeta maravilloso, que desemboca en otro extracto que me recuerda a Isildurs Bane y la parte vocal, al más puro estilo de la banda. Preciosos los solo de trompeta y guitarra eléctrica.
La siguiente pieza es “From the Fence” (12’03) ,compuesta por Nick Lieto.La parte vocal es bonita, aunque no demasiado original. Lo mismo me pasa con las partes instrumentales. Me gustan, aunque creo que podrían pertenecer a otras muchas bandas progresivas actuales, aunque, naturalmente, la combinación de violín, trombón y trompeta les da un fuerte toque personal. Y para terminar, quizás la pieza más compleja del disco, “Belgian Boogie Board” (10’31), escrita por Frank Camiola en 2006 cuando estaba en la banda Cardboard Amanda. En un principio se concibió para ser interpretada por dos clarinetes y dos bajos eléctricos, pero aquí aparece arreglada para, según los créditos, al menos 27 instrumentos. Parece ser que su grabación no fue nada fácil, y sólo hay que escucharla para darse cuenta de cuales son las razones. Se escuchan cuerdas, saxos, vibráfonos, percusiones, flauta, clarinete….Nos viene a la memoria la música de Univers Zero, de Zappa, y de aquellos grupos de rock que han tomado como referente la música clásica contemporanea. Sin duda alguna, un paso adelante en la música de Frogg Café y una pieza maravillosa.
En definitiva, un álbum magnífico, que tiene muchas papeletas para convertirse en uno de los mejores de este año 2010. Es verdad que en algunos momentos he echado de menos esa frescura propia de sus actuaciones en directo, con más infuencias del jazz, pero se ve compensada por la variedad instrumental y la complejidad de sus nuevas composiciones.

Francisco Macias

Varios Autores: "Cani Arrabbiati-Opening Themes....A Tribute" (Musea, 2010)

2010-07-22T02:00:00.000-07:00

Hay dos razones principales por las que he comprado este doble CD. El primero es la aparición en él de nuestros amigos Senogul, y el segundo que me gustan las bandas sonoras de las películas italianas de los ’70. Por eso, cuando Edu, teclista de Senogul, me comentó que iba a participar en este proyecto y que varios grupos iban a hacer versiones de este tipo de música, me acordé de otro gran disco tributo que tengo en casa, titulado “E Tu Vivrai Nel Terrore-Tribute to Horror & Gothic Movies”, publicado por el sello Black Widow en 1998, que rendía homenaje a la música de las películas de terror italianas, y decidí adquirir este nuevo trabajo.
El primer CD comienza muy bien. El tema elegido es “Cani Arrabiati” (5’02), compuesta por Stelvio Cipriani para la película del mismo nombre dirigida por el gran Mario Bava en 1974. La banda que la interpreta es The Samurai of Prog, quinteto formado por algunos músicos ya veteranos en este tipo de proyectos, como el bajista y productor del doble CD, Marco Bernard o el teclista Richard Marichal. La melodia original era preciosa, y aquí se desarrolla muy bien, con muchos cambios de ritmo y buenos solos de guitarra y teclado.
La siguiente banda en aparecer son los suecos Anima Morte, que tan sólo han publicado un CD y un EP, y que yo ya había escuchado versioneando un tema de Bo Hansson en el tributo al rock sueco de los ’70, “Rökstenen”, publicado en 2009. Las cuatro piezas que interpretan me gustan bastante, pero me quedo sobretodo con dos. La primera es “Il Grande Silenzio” (3’11), compuesta por el maestro Ennio Morricone para la película del oeste del mismo nombre, dirigida por Sergio Corbucci en 1968. Es un tema épico precioso, puro Morricone, y el cuarteto sueco le da un tratamiento fantástico. La segunda es “Suspicious Death of a Minor” (6’57), compuesta por Luciano Michelini al más puro estilo Goblin para la película homónima “Morte Sospetta Di Una Minorenne”, dirigida por Sergio Martino en 1975. Estamos ante una pieza puramente progresiva, que engancha desde el primer momento aún sin conocer la versión original.
El duo finlandés Kate no me termina de convencer, aunque la versión que hicieron en “Rökstenen” del tema “Disease” de Dice no me pareció incorrecta. Aquí juegan con la ventaja (o desventaja, según como se mire) de que de los cuatro temas que interpretan, tres pueden ser conocidas por el público progresivo. “Death Die” (4’07) pertenece a una de las bandas sonoras más famosas de los italianos Goblin, “Profondo Rosso”, película del genial Dario Argento de 1975. “Posizione Raggiunta” (2’52) se puede escuchar en el álbum de Osanna, “Milano Calibro 9”, ya que es la banda sonora de la película del mismo nombre, dirigida por Fernando Di Leo en 1972, y compuesta por la banda italiana en colaboración con Luis Enrique Bacalov, y “Apoteosi del Mistero” (4’09), compuesta por Fabio Frizzi para la película de Lucio Fulci, “Paura Nella Citta Dei Morti Viventi” en 1980, fue versioneada por la banda sueca Morte Macabre en aquel genial álbum de 1998 titulado “Symphonic Holocaust”. En general, las versiones de Kate no son demasiado espectaculares, algo que se nota sobretodo en “Apoteosi del Mistero”, que aunque es mucho más fiel a la original, queda ridícula comparada con la impresionante y grandiosa adaptación de Morte Macabre.

Y llegamos al momento en el que aparece Senogul. Ellos saben perfectamente que cuando algo no me gusta de su música, lo digo sin ningún tipo de vergüenza. Por eso, deben creerme cuando digo que son la mejor banda de todo el disco. Teniendo solamente seis minutos para demostrar su valia, han conseguido crear unos arreglos fantásticos e interpretarlos con una instrumentación rara vez vista en este tipo de discos.
Su pieza se titula “Magari Ancora-Medley” (6’45) y en ella mezclan cuatro temas muy diferentes entre sí. Comienzan con la maravillosa melodia central de “Per Qualche Dollaro In Piu” (“La Muerte Tenía Un Precio”), compuesta por Ennio Morricone para la película de Sergio Leone de 1965. Las guitarras suenan limpias, el sintetizador le da el toque progresivo y el piano eléctrico el ambiente jazzístico, las percusiones y las voces están muy bien utilizadas y al final le dan un toque de samba muy bonito. Sin pausa, pasan a “L’ Ucello Magico a Parigi”, pieza del gran Nino Rota para la película “Il Casanova” de Fellini, de 1976. Personalmente, creo que han mejorado la versión original. Edu, teclista de Senogul, habla así de la pieza: "Casanova" fue una apuesta personal, y uno de los arreglos más difíciles que he hecho nunca, ya que no había nada de Nino Rota en el doble álbum.”. Y sigue: “Si se escucha con mente abierta, es muy RIO (en la línea de Miriodor)”. Y llegamos a “Toni Ligabue-Titoli” compuesta por Armando Trovajoli para el telefilm “Ligabue”, dirigido por Salvatore Nocita en 1977. La versión de Senogul es demoledora, realmente magnífica. Edu lo explica así: “Los títulos de Ligabue podrían tener un acento sinfónico a poco que se trabajara (sustituimos el oboe por una guitarra cercana a Jan Akkerman, y el órgano por un piano -muy en la línea de Bach- a lo que se sumó una sección rítmica con acentos jazzísticos)”. El resultado es inmejorable. Y para terminar, “Paranoia Prima”, compuesta por Ennio Morricone para la película “Il Gatto A Nove Code” , dirigida por Dario Argento en 1971. Me encanta como se alternan las potentes partes de guitarra con los elegantes e hipnóticos fragmentos donde la combinación de sitar, piano, bajo y batería es sublime. Edu comenta: “El gato de 9 colas fue más difícil, ya que la original solo tenía una flauta constante y algunos instrumentos que configuraban una atmósfera disonante. El giro que le dimos me recuerda tanto a los King Crimson de "Indiscipline" como a Miriodor otra vez, en la parte en siete pulsos con el sitar”. En definitiva, una particpación sobresaliente.

La siguiente banda es Aurora Lunare, grupo con un par de álbumes en su haber y varias participaciones en tributos varios, que me aburren profundamente. Son un septeto, tienen violín…pero el homenaje que hacen a Goblin interpretando extractos de las películas “Contamination” y “Gamma” (con música compuesta por Enrico Simonetti, pero apoyado por Goblin) no me llega a convencer.
El primer CD de este tributo finaliza con música para órgano, interpretada por Marco Lo Muscio. Al ver que este músico tenía 20 minutos para él solo me dio un poco de miedo, pero la verdad es que de las cuatro piezas que toca, tres las conocía perfectamente y me gustan mucho. La primera es “La resa dei Conti” (4’40) de Ennio Morricone incluida en la película “Por un Puñado de Dolares” de Sergio Leone, de 1965. Me gusta la adaptación para órgano y me parece muy interesante como logra mantener la tensión de la pieza con sólo un instrumento. La segunda es “La Vittima Designata”, pieza que Luis Bacalov compuso para la película del mismo nombre de 1971, dirigida por Maurizio Lucidi. Los amantes del rock progresivo italiano la conocemos perfectamente porque es una de las partes del “Concerto Grosso” de New Trolls, concretamente el adagio titulado “Shadows”. Una melodia bellísima, perfecta para ser tocada con órgano. La tercera es la composición que no conocía, pero siendo de Ennio Morricone no podía ser mala, y de hecho es magnífica. Se trata del tema principal de la serie de televisión “Mosé”, dirigida por Gianfranco De Bosto en 1974. Para terminar, Lo Muscio realiza unas variaciones del tema central de la película “Proffondo Rosso” titulada “Profondo Gótico” (7’42), que aunque parte de una gran melodia, se hace un poco repetitiva.
El segundo Cd se abre con “Nucleo Antirapina” (4’31), compuesta originalmente por Fabio Frizzi, Franco Bixio y Vincenzo Tempera para la película “Operazione Kappa: Sparate a la Vista” dirigida en 1977 por Luigi Petrini. Los encargados de interpretarla son el duo finlandés Ozone Player, que cuenta con cinco discos en su haber y varias colaboraciones en tributos de este tipo. No sé si su música original me llegaría a gustar, pero aquí hacen una versión muy sólida, contundente, con un fantástico ritmo y mucho teclado. La siguiente banda elegida son los norteamericanos The Conspirators Of The Occult, que más que un grupo es una comunidad de artistas y músicos dedicados al estudio de las ciencias ocultas y que me han parecido bastante mediocres. De las cuatro versiones que hacen me quedo sólo con “I Remember” (1’21) de Walter Rizatti, escrita para la película “Quella Villa Accanto Al Cimitero” (“Aquella Casa Al Lado Del Cementerio", una de las mejores obras del cine de terror italiano, dirigida en 1981 por el gran Lucio Fulci), y creo que más que por la versión es porque me gusta mucho el tema original.

Un soplo de aire fresco llega con la siguiente formación. Me refiero al cuarteto italiano John La Forges (saxo tenor, teclado, bajo y batería). Aunque es una banda muy nueva, con poca trayectoria, y que según mi opinión, todavia no tiene unas personalidad propia muy marcada, ponen un punto jazzrockero hasta ahora inédito en el álbum. En sus versiones hay jazz, funk, rock, tango, reggae, ritmos latinos…De las cuatro piezas que interpretan me quedo, en primer lugar, con “L’Ossesione 6 / Incubi Ricorrenti” (5’33), compuesta por Stelvio Cipriani para “Solamente Nero”, dirigida por Antonio Bido en 1978. Me gustan los solos de saxo y su combinación con las partes de teclado.Y en segundo lugar elegiría la curiosa adaptación de la melodia central de ese clásico de la infancia de muchos que fue “Le Llamaban Trinidad”, con Terence Hill y Bud Spencer, cuya música hizo Franco Micalizzi en 1970. De todas formas, las cuatro piezas son interesantes.
El teclista chileno Jaime Rosas si lleva ya varios años publicando discos, tanto en solitario como en su banda Entrance. En compañía del guitarrista acústico y percusionista Rodrigo Godoy, se encarga de versionear cuatro temas, tres de ellos de películas del Oeste. Una de las cosas que me suelen molestar de estos tributos es la participación de muchos músicos que tocan solos o como mucho con otro músico de apoyo. En este caso, los teclados de Rosas me suenan un poco artificiales, aunque me gustan los detalles con órgano Hammond. Esta es la razón principal por la que me gusta su adaptación de “Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo” (3’08), pieza conocidisima que Ennio Morricone escribió para la película del mismo título (El Bueno, el Feo y el Malo) que Sergio Leone dirigió en 1966, sobretodo al entrar la guitarra acústica. De los otros tres temas, me quedo con “Un Dollaro Bucato” (3’04), una melodia preciosa compuesta por Gianni Ferrio para la película del mismo nombre dirigida por Giorgio ferroni en 1965.

Para terminar, podemos escuchar a los finlandeses Mist Season, otra banda especializada en participar en tributos de este tipo. De hecho, este es el quinto en el que colaboran, y en breve aparecerán en otros tres más. Además, tienen editados dos discos propios que no he escuchado. Hacen una mezcla de jazz rock y progresivo un poco “light” para mi gusto. Entre que su estilo no me vuelve loco, y que los temas que han elegido para versionear tampoco son de los que más me gustan, no me parece un final muy redondo, pero claro, esto es algo muy subjetivo. De sus cuatro temas, quizás me quedaría con “Manaos” (5’02), tema central de la película del mismo nombre dirigida por Alberto Vazquez Figueroa en 1978, compuesto por Bixio /Frizzi /Tempera. Es bastante más rítmica que el resto de sus adaptaciones, aunque sin perder ese toque “hortera” de la música italiana de finales de los ’70.
Como conclusión comentar que es difícil que un disco de estas características sea excesivamente bueno. Hay bandas especializadas en este tipo de tributos, muchas de ellas con poca experiencia y no demasiada imaginación, pero en este caso en concreto, el resultado es aceptable, y la verdad es que disfruto escuchándolo, aunque haya partes que no me vuelvan loco. Creo sinceramente que Senogul debería haber tenido más espacio en el disco, ya que bandas mucho menos interesantes han participado con más temas. Ellos nos podrán aclarar si ha sido decisión de la gente que ha organizado el proyecto o de la banda, pero es una pena que no hayan hecho más versiones en el doble Cd.
Respecto a la crítica del disco, cuando se habla de un tributo siempre es mejor conocer bien todos los temas originales, y en mi caso sólo conocía la mitad, más o menos, pero espero que este escrito os sirva para haceros una idea de lo que os podeis encontrar al escuchar el disco.

Francisco Macias

Xhol Caravan

2010-07-19T03:19:00.000-07:00

Antes de empezar con el artículo propiamente dicho, me gustaría comentar alguna de las razones por la que me he decidido e escribir sobre esta banda. Al ser un grupo que me gusta mucho, ya había pensado en alguna ocasión escribir sobre ellos, pero fue a raiz de una conversación que tuvimos en la tienda Lman y yo cuando me decidí. En ella hablamos sobre la cantidad de material de archivo que se había publicado de la banda en los últimos años, de los errores en las fechas en uno de ellos y de la poca información fiable que se encuentra en internet. En muchas ocasiones, los errores cometidos en algunos artículos se perpetuan debido a la mania de algunos de “cortar y pegar” a la hora de hacer una reseña en lugar de intentar ser original y hablar sencillamente de lo que uno escucha. Todo lo que vais a leer aquí es producto de una atenta escucha de todo el material grabado y publicado por Xhol Caravan en sus distintas encarnaciones, y la información sobre su historia está tomada exclusivamente de los libretos de los Cds, sin utilizar ninguna página de internet y sin tomar como referencia artículos anteriores escritos por otras personas. Espero que lo disfruteis.

Xhol Caravan es una de las bandas pioneras de la fusión entre rock y jazz en Alemania. Tomando como base el soul, el jazz clásico y la psicodelia, e influenciados seguramente por las investigaciones sonoras de genios como Miles Davis y Frank Zappa , este grupo toma un camino similar a los que inician también Soft Machine en Inglaterra o Magma en Francia, aunque cada uno llegaría a destinos muy diferentes. La semilla de Xhol Caravan la encontramos en Wiesbaden en 1967. Animados por el éxito de la música soul en Estados Unidos, dos vocalistas negros norteamericanos, James Rhodes y Ronnie Swinson y el baterista blanco, pero también norteamericano, Gilbert Van Wyck III (apodado “Skip”), se unen a los alemanes Tim Belbe (saxo tenor), Hansi Fischer (saxo soprano) y Klaus Briest (bajo), formando Soul Caravan (el nombre fue idea de James Rhodes). Tocando clásicos del soul, algunos temas propios y algunas versiones de standards de jazz, realizan muchos conciertos en clubs frecuentados por soldados americanos. En una de estas actuaciones, el guitarrista Werner Funk se les une como espontaneo mientras interpretaban el “Take Five” de Dave Brubeck y se queda con ellos como miembro de la banda. Con esta formación firman con CBS, publicando en 1968 un single y el LP “Get In High”. Poco después, Ronnie Swinson deja la formación, ya que es obligado a regresar a USA, y entra el teclista “Öcki” Von Brevern. A principios de 1969 se registra una actuación en directo que fue publicada en Cd por Garden Of Delights en 2006, seguramente en algún local lleno de soldados americanos.

Aunque sólo se grabaron unos 37 minutos, resultan muy interesantes sobretodo por la aparición de la primera versión de “All Green” (13’15), una de las piezas claves de la siguiente etapa el grupo. Tras la preciosa melodia inicial, la pieza se convierte en vehículo para los solos, de saxo soprano primero, de guitarra, de saxo tenor y finalmente de ambos saxos a la vez, siempre sobre una base rítmica imaginativa y cambiante. Después le llega el turno al solo de batería, con apoyo del bajo, y finalmente, y como era de esperar, vuelve la melodia del principio. En este disco, titulado "Live 1969", también podemos escuchar una bonita versión de “My Favorite Things” (8’37), el tema que Rogers y Hammerstein compusieron para “The Sound Of Music” (“Sonrisas Y Lágrimas”) y que Coltrane adaptó en clave de jazz en 1961. Me encantan los solos de saxo soprano, tenor y guitarra. Además, se incluye un solo de batería titulado “Skipping” (4’00), una versión de “(Sittin’ On) The Dock Of The Bay” de Otis Redding, cantada por un vocalista invitado del que sólo se recuerda el nombre de pila, Leon, y la versión de “Lick A Stick” (7’20) de James Brown, interpretada por otro cantante ocasional del que no se recuerda nada (James Rhodes seguía en la banda, pero en algunos conciertos dejaba su puesto a otros vocalistas). Seguramente, el concierto fue grabado por Öcki, ya que su teclado no se escucha practicamente en la parte de la actuación que recoge el Cd.
Poco después de esta actuación, el grupo, cada vez más influenciado por el jazz y la psicodelia, cambia su nombre por el de Xhol Caravan, deja CBS para firmar por el sello Hansa y graban un single, en la primavera de 1969, con los temas “Planet Earth” (2’44) y “So Down” (3’26), ambas vocales, todavia con influencias soul y con arreglos de viento. Antes de su publicación, la banda celebra un concierto en Altena que en 2006 fue editado por Garden Of Delights bajo el nombre de “Altena 1969”. Desgraciadamente el concierto duraba 102 minutos, y el sello decició que no era rentable publicar un doble Cd, así que dejaron fuera dos piezas, “All Green” y “Bas(s)ic”. Aunque en el libreto se intenta explicar el por qué de esta decisión, a mí no me convence. Creo que un sello de estas características no debería mutilar un concierto, pero está claro que la decisión tuvo que estar basada en motivos económicos.

El disco comienza con una fantástica versión de “Olé” (10’10) de John Coltrane. El saxo y el órgano interpretan la melodia inicial para dar paso después a los solos de saxo, guitarra, órgano y de nuevo saxo. La sección rítmica es sobria, pero imaginativa, y Hansi Fischer está tremendo con el soprano. Le sigue “So Damn, So Down and So Blue” (4’38), bonita canción de la que hemos hablado anteriormente y que estaba a punto de publicarse como single bajo el nombre de “So Down” con una letra ligeramente diferente. Continuamos con una version de “Psychedelic Sally”(4’11) de Horace Silver, donde la voz de James Rhodes no se escucha del todo bien. Me encanta el solo de guitarra, acompañado por el órgano y una sección rítmica repleta de fuerza.. La siguiente canción es “Emptiness” (4’36), tema vocal donde destaca el órgano de Ocki Von Brevern. Pero el tema central del concierto fue, sin duda, “Freedom Opera” (56’43), casi una hora de música que en realidad es un conjunto de temas unidos con poemas de James Rhodes. Los saxos y el órgano nos introducen en la primera parte, “Acapulco Gold”, que durante más de quince minutos nos ofrece pasajes instrumentales donde los saxos, la guitarra y el órgano interactuan causando a veces confusión, con influencias “free”, aunque también encontramos solos de guitarra con apoyo de los teclados o partes de saxo con aires orientales o de flauta ( interpretada por Hansi Fischer, que cada vez la utilizaría en mayor medida). Tras unas lineas de “Poems” de Vanilla Fudge, Rhodes interpreta una versión del “Season Of The Witch” de Donovan, donde Ocki hace un bonito solo de órgano. La siguiente parte es “Freedom Poem” y consiste en en un fondo instrumental de aires “free” con James Rhodes pensando en alto. Esto desemboca en “African Song” que comienza con los dos saxos y un precioso riff de guitarra, hipnótico, muy pausado, sobre el que Fischer interpreta un buen solo de saxo soprano.Despues Rhodes habla un buen rato sobre la música negra, para dar paso a varios cambios de ritmo con pasajes de flauta, batería y órgano, interrumpidos por partes vocales, hasta dar paso a la bonita “Talking To My Soul”. Tras otro “Freedom Poem” de Rhodes, llegamos al final con una versión más larga del single “Planet Earth”, que contiene un corto pero fantástico solo de guitarra.
En el verano de 1969 la nueva orientación de la banda hacia la fusión de jazz y rock se había hecho más patente, y James Rhodes se marcha al no estar de acuerdo con el cambio de estilo. Por su parte, el guitarrista Werner Funk también decide abandonar el grupo, aunque antes participó, de forma casi anecdótica, en la grabación de “Electrip”, uno de los mejores discos publicados en la Alemania de la época (aunque su nombre no apareció en los créditos del álbum). Casi totalmente instrumental, con los saxos electrificados y el órgano como elemento importante, es el único trabajo en estudio que la banda publicaría bajo el nombre de Xhol Caravan y vio la luz a finales de 1969.

Se abre con “Electric Fun Fair” (6’25), de aires circenses, donde el saxo eléctrico, acompañado por una jazzística sección rítmica, nos recuerda a Soft Machine. Tras un cambio de ritmo el tema se vuelve más psicodélico y aparece el órgano. ¡Fantástico!.
Continuamos con “Pop Games” (6’51), con una pegadiza melodia inicial que nos lleva hasta un bonito solo de saxo tenor eléctrico, respaldado por una sección rítmica que incluye al teclado, recordándonos de nuevo a Soft Machine. Tras otro buen solo de saxo soprano, con un sonido bastante crudo, podemos escuchar una parte donde el órgano y los saxos interaccionan, y donde la batería adquiere mayor protagonismo. Le sigue uno de los clásicos de la banda, “All Green” (7’33), de menor duración que las versiones que interpretaban en directo. Una de las melodias más bellas que la banda creó. Me encanta la forma en la que Fischer hace el solo de saxo soprano con el órgano de apoyo, para cambiar después las tornas, siendo Ocki el que hace el solo mientras el saxo lo respalda. Gran papel también de Klaus Briest al bajo.
El sonido de un acelerador nos introduce en “Raise Up High” (17’42), pieza central del álbum que ocupaba practicamente la segunda cara del disco original. Aquí encontramos algunas partes vocales, con acompañamiento de flauta, los saxos y el órgano improvisando y colaborando constantemente, múltiples cambios de ritmo, partes caóticas y experimentales que contrastan con pasajes más lentos, con influencias psicodélicas….En definitiva, una declaración de principios y la demostración palpable de una actitud innovadora y arriesgada hacia la música. Y para terminar, “Walla Mashalla” (1’36), epílogo de influencias orientales con toques psicodélicos. Así termina esta obra maestra que posteriormente influyó a bandas tan importantes en Alemania como Nosferatu, Kraan o Out Of Focus entre otras. La edición en CD del sello Garden Of Delights incluye como temas extra los singles “So Down” y “Planet Earth”.

A principios de 1970, la banda decide acortar su nombre y llamarse simplemente Xhol, para evitar ser confundida con el grupo británico Caravan, que empezaban a ser conocidos internacionalmente, pero antes son invitados a protagonizar un programa de televisión para la SWF, una radio y televisión pública de Baden-Baden. Se grabaron cuatro temas largos para esta ocasión, siendo retransmitidos en marzo. Desgraciadamente, una parte del programa se perdió poco después, así que cuando el programa se volvió a emitir en 1972, el publico sólo podía disfrutar de 3 de los 4 temas grabados originalmente. Esta versión reducida es la que podemos ver en el Dvd del sello Garden Of Delights, publicado en 2005 bajo el nombre “Talking To My Soul”.

Tras una cuenta atrás y la imagen del despegue de un cohete, la banda comienza a tocar “All Green” (14’04). Al terminar vemos a Hansi Fischer sentado fuera del escenario tocando la flauta, introduciendo la pieza “Talking To My Soul” (10’48), que normalmente era interpretada como parte de la suite “Freedom Opera”. Para terminar, el grupo tocó “Oszillogram” (11’02), una improvisación con ritmo jazzrockero y con la flauta como principal solista. Me encanta el final, con el saxo tenor y la batería en plena forma. El problema que le veo a este programa es que abusa excesivamante de los colores, los efectos y los ambientes psicodélicos. Hay que tener en cuenta que en Alemania se comenzó a utilizar el color en televisión en 1967, y semejante descubrimiento causó un abuso en su utilización en este tipo de programas. Como curiosidad, durante la actuación del grupo se ve a un niño deambulando por el escenario e incluso tocando su guitarra de juguete. Es el hijo de Ocki Brevern. El Dvd incluye también dos versiones de “All Green” grabadas en sendas reuniones en 2003 y 2004, pero de eso hablaremos más adelante. En primavera (no se conoce la fecha exacta), nuestros protagonistas viajan de nuevo a Altena para dar un concierto, ya con el nombre acortado de Xhol, que sería grabado, y que no vería la luz hasta muchos años después. El sello Garden Of Delights editó en 2006 esta fantástica actuación, pero por desgracia, y de nuevo por falta de espacio en un único Cd, descartó uno de los cuatro temas que se interpreron esa noche, concretamente “Pop Games”.

“Altena 1970” es un disco que gustará sobretodo a los amantes de las largas improvisaciones que parecen no tener final. Un ejemplo claro es el tema con el que comienza, “I Can’t Wait” (35’11).El impresionante riff de bajo inicial y la melodia de flauta pueden sernos familiares si nos gusta la banda Embryo, como es mi caso, ya que esta melodia aparecerería en el segundo álbum de la banda de Christian Buchard, “Embryo’s Rache” (1971), debido a que Hansi Fischer participaría en su grabación (también podemos escucharla en el increible directo de Embryo, “Bremen 1971”). Más de media hora basada sobretodo en solos improvisados de flauta, saxo y órgano, con una sección rítmica variada, con cambios de velocidad y de registro, paseando constantemente entre el rock y el jazz. Me encanta el papel que desempeña Öcki Brevern con el teclado, ya que cuando no está haciendo solos apoya de forma magistral a la sección rítmica, aunque la verdad es que los cinco músicos están fantásticos.
Le sigue “Electric Fun Fair” (9’26), en una versión más corta y bastante diferente con respecto a la versión de estudio que aparecía en “Electrip”. Destaca el solo de saxo tenor de Tim Belbe, con un buen apoyo del teclado. Y para terminar, otra laguísima pieza, “Xholenium” (37’15), donde se combinan partes experimentales con otras mucho más melódicas y elegantes, con solos de saxo, órgano y flauta, y pegadizos riff de bajo y batería. El oyente atento, amante de la música de Zappa, puede descubrir en cierto momento como la banda esboza la melodia de “Dog Breath”. La calidad de sonido es muy buena, como en el resto del disco, aunque en esta pieza pueden escucharse algunos pequños cortes en momentos muy concretos y alguna que otra fluctuación en el volumen. En definitiva, una gran actuación que nos muestra la nueva orientación de la banda hacia terrenos cada vez más arriesgados, y en la que la improvisación adquiere mayor relevancia.
Poco después, Hansi Fischer deja la banda para unirse a Embryo y el ahora cuarteto formado por Tim Belbe, “Ocki” Von Brevern, Klaust Briest y “Skip” decide publicar un doble álbum con una parte grabada en directo y otra en estudio para el sello Ohr, al estilo de “Ummagumma” de Pink Floyd o “Wheels Of Fire” de Cream. Los conciertos elegidos para el disco fueron los realizados el 1 y el 2 de julio de 1970 en Göttingen, y los temas escogidos recogian el espíritu improvisador del que el grupo hacia gala en esos momentos. El primero es “Breit” (24’13), con una primera mitad tranquila, repleta de saxo con fuzz y wah wah, con apoyo del órgano (aires a Soft Machine), y una sección rítmica sobria, hipnótica. El ambiente psicodélico permanece en la segunda mitad de la pieza, pero hay más cambios de ritmo y mayor protagonismo del órgano como instrumento solista. El segundo se titula “Schaukel” (20’20).Tras unos caóticos segundos, el saxo distorsionado toma el mando con el órgano de fondo, el cual, unos cinco minutos después, se queda solo con la sección rítmica, pasando de nuevo del jazz a la psicodelia, para entrar de nuevo el saxo con más fuerza que antes. En la mitad del tema, hay una corta parte vocal donde se interpreta el “Rock Me” de Muddy Waters, que da paso a un bonito solo de órgano con la sección rítmica a toda velocidad y un final precioso con el saxo como protagonista. Al terminar, podemos escuchar el ambiente del concierto, con el “Flight Of The Rat” de Deep Purple sonando por los altavoces. Finalmente se decidio no sacar un doble LP y estas actuaciones en directo se publicaron en 1971 en el álbum “Hau Ruk”, ocupando cada tema una cara completa del vinilo.

En la edición en Cd de este álbum en 2002 del sello Garden Of Delights, se añadió un tema extra impresionante titulado “Süden Twi Westen” (21’55). Esta pieza recoge una sesión inédita en los estudios de Dieter Dierks que se produjo en 1974, dos años después de la disolución de la banda, y en ella podemos escuchar a Tim Belbe, Hansi Fischer, Skip, “Ocki” Von Brevern y a Norbert Dömling (bajista de la también magnífica formación Missus Beastly). Jazz rock de calidad, con partes donde se alternan los dos saxos haciendo solos y tocando a la vez, bonitos riffs de órgano, solos de flauta, toques de piano eléctrico y una sección rítmica aplastante. Estamos ante una de esas raras veces en las que el tema extra me gusta aún mas que las piezas del disco original.
A mediados de julio de 1970, el cuarteto entra en los estudios de Conny Plank y graba varios temas para lo que ellos todavia pensaban que iba a ser un álbum doble mitad directo, mitad estudio. Estas piezas permanecieron inéditas hasta 1972, momento en el que se publicaron en el álbum “Motherfuckers GmbH & Co. KG”, de carácter abiertamente experimental.

Comienza con “Radio” (2’30), que consiste en la imitación de un dial de radio cambiando de frecuencia y donde se escuchan varios extractos de piezas de Soul Caravan y Xhol Caravan. Le sigue “Leistungsprinzip” (1’30), un corto pero pegadizo riff de saxo eléctrico y órgano, con ciertas reminiscencias del sonido Canterbury. Sin pausa entramos en “Orgelsolo” (9’26), que como su nombre indica tiene como protagonista absoluto a Öcki, que durante casi 10 minutos crea misteriosos ambientes, casi espaciales, con varias capas de teclados. Es un tema muy interesante, aunque para mi resulta excesivamente denso. Una base oscura con arranques de flauta de corte étnico nos adentra en “Side 1 First Day” (7’05), una pieza impresionante de jazz rock, donde el órgano pone el toque psicodélico, mientras que la flauta pasea en su compañía sobre una base rítmica sobresaliente, con Klaus Briest y su bajo en primer plano. Esta joya termina con sonidos de grillos, que es justamente como empieza “Grille” (6’58), una curiosa paranoía étnica-campestre donde los grillos son acompañados por flauta y percusión. Y para terminar, la tremenda “Love Potion 25” (13’11). La primera parte vocal, con toques a lo Jim Morrison, es una versión del tema de 1959 “Love Potion Number 9”, de The Clovers. Después disfrutamos de bonitos solos de órgano y saxo, tanto acústico como eléctrico, con Briest destacando de nuevo con su bajo, y del riff de “I Can´t Wait”, que nos lleva de nuevo a la parte vocal y a un final maravilloso con todos los músicos entregados al máximo. Podemos decir que este disco todavia resultaba novedoso en el momento de su publicación en 1972, lo que nos hace darnos cuenta de lo avanzada que era la música de Xhol en la Alemania de 1969 y 1970.
El 24 de octubre de 1970, el cuarteto participó en el tercer festival de pop y rock de Essen, en el Gruga Hall. El sello Garden Of Delights recuperó esta grabación, limpió el sonido, eliminó algunos cortes y ruidos de fondo, publicándolo en Cd con una calidad bastante aceptable en 2009. La actuación consistió en una larga improvisación sin título de casi 50 minutos de duración, pero en el Cd se ha dividido en cuatro partes y se les ha puesto nombre.

La primera es “Sparkling Geysers” (23’26). Tras unas palabras de Tim Belbe, en la que se queja de la organización del festival y del personal de seguridad, comienza una pausada introducción con el saxo distorsionado en primer plano. La sección rítmica y el teclado hacen su aparición poco después, dando paso a un bonito solo de órgano con el bajo y la batería haciendo un gran trabajo. Tim Belbe coge la flauta y nos deleita con un pasaje precioso, hipnótico, con golpes de gong, muy psicodélico. En el minuto 17 el ritmo se acelera, y la flauta sigue como instrumento solista con el apoyo del órgano, que después toma el mando para ofrecernos un buen solo que desemboca en “A Freak-Out Blues” (7’44), donde se mezclan las improvisaciones y desvarios del órgano y el saxo repletos de efectos con los toques blues y la interpretación de “Rock Me" de Muddy Waters (como ya pasaba en “Schaukel”) por parte de Skip, aunque se le escucha poco. Cuando el saxo se queda solo con el órgano de fondo y detalles de bajo entramos en “Weird Bossa” (6’16), donde el saxo improvisa sobre un ritmo latino que se acelera cada vez más, hasta llegar a un final caótico. El órgano y el bajo se quedan solos y comienza “Surrealistic Scenery”. La batería entra con fuerza y unos minutos después Belbe coge de nuevo la flauta, tomando el mando hasta que poco antes del final es el órgano el que coge el relevo. Una gran actuación, que como casi todo el material que conocemos de la banda en 1970, hará las delicias de los que disfrutan con las largas improvisaciones y con los desarrollos que no parecen tener final.
A partir de aquí, la actividad del grupo fue descendiendo poco a poco. En 1971 interpretaron algunos temas en la película “Das Unheil” del director Peter Fleischmann, pero no hay ninguna grabación publicada en Cd o Lp. Los discos que se publicaron en esta época , “Hau Ruk” y “Motherfuckers GmbH & Co. KG”, recogian material de 1970, como ya hemos comentado, y al final la banda terminó separándose en 1972, tras una gira final por Finlandia y Noruega organizada por el instituto Goethe.
En enero de 2003 Hansi Fischer y Tim Belbe se unen a cuatro músicos jovenes y realizan un concierto en Wiesbaden bajo el nombre de Xhol Caravan. Un año después hicieron exactamente lo mismo, pero con Klaus Briest en sus filas. Por desgracia, Öcki Brevern falleció en 1996 de un ataque al corazón, por lo que obviamente no pudo participar en estas reuniones. De ambos conciertos sólo hay disponibles dos versiones de “All Green” grabadas en video por amigos de la banda, e incluidos como temas extra en el Dvd de Garden Of Delights, “Talking To My Soul” (2005). Es curioso escuchar esta pieza clásica interpretada 30 años después, con variaciones en el ritmo y en la instrumentación. Fischer seguía tocando el saxo soprano de maravilla, y Belbe está bien con el saxo tenor, sobretodo si tenemos en cuenta que estaba enfermo de cancer de pulmón y que fallecería en agosto de 2004, después de muchos años ganándose la vida como músico callejero.

Para terminar, comentar que en 2001 el sello World Serpent Distribution publicó un doble Cd bajo el título de “Xhol Caravan-Motherfuckers Live”. El primer Cd nos ofrece el tema “Freedom Opera”. Los créditos nos dicen que está grabada en 1968, pero no es cierto, ya que la pieza se registro en el concierto de Altena de la primavera de 1969 que posteriormente editaría el sello Garden Of Delights y del que ya hemos hablado anteriormente. El segundo contiene un fantástico “viaje”, practicamente improvisado, de más de 50 minutos de duración, grabado para la radio (WDR) en 1969, según los créditos, pero tampoco no puede ser cierto. La pieza está grabada en formación de cuarteto, con Tim Belbe encargándosede la flauta y el saxo tenor, Skip a la batería, Klaus Briest al bajo y Öcki Brevern al órgano, por lo que tuvo que ser grabada en 1970, cuando la banda ya había acortado su nombre y Hansi Fischer había abandonado la formación. Por las grabaciones que hemos escuchado anteriormente, creo que este tema tuvo que registrarse en otoño de 1970, pero puedo equivocarme. Para colmo, la pieza tiene unos minutos finales maravillosos, donde podemos escuchar una guitarra, y naturálmente, en las notas del Cd no dicen absolutamente nada de esto. Este doble álbum viene acompañado de un tercer Cd de 15 minutos duración donde, sin pausa, tres bandas versionean temas de nuestros protagonistas. La primera es Current 93, banda liderada por David Tibet, que interpreta una bonita versión de “Memories” de Soul Caravan. La segunda es Nurse With Wound, que fabrican su propia “Radio” de Xhol, utilizando fragmentos originales de las distintas épocas de la banda, y por último podemos escuchar una interesante versión de “Walla Mashalla” interpretada por Christoph Heeman y Andreas Martin, donde repiten varias veces la melodia principal a diferentes velocidades y con diferente instrumentación.

Y aquí termina esta exhaustivo recorrido de la corta pero importante carrera de una de las bandas más influyentes y rompedoras de la Alemania de finales de los ’60 y principios de los ’70. Espero que os guste y que os sirva para descubrir o profundizar en su magnífica música.

Francisco Macias

Tohpati Ethnomission: "Save The Planet" (Moonjune 035, 2010)

2010-07-12T09:45:00.000-07:00

La última referencia del sello Moonjune me ha gustado muchísimo. Se trata del nuevo proyecto del guitarrista de la banda indonesia Simak Dialog (por la que siento cierta debilidad), Tohpati, y se ha publicado bajo el nombre de Tohpati Etnomission, "Save The Planet". La formación es:

-Tohpati: guitarra eléctrica ,guitarra sintetizada y compositor de todos los temas.
-Indro Hardjodikoro: bajo (y menuda forma de tocarlo)
-Enang Ramdan: percusión indonesia. (miembro de Simak Dialog)
-Demas Narawangsa: batería y percusión ( sólo tiene 16 años de edad)
-Diki Suwarjiki: Surling (una flauta de la cultura Sunda, del oeste de Java) y soundscapes

¿Que nos podemos encontrar en el discos?. Pues una fusión maravillosa entre jazz, rock y música indonesia.
El álbum comienza con "Selamatkan Bumi" (9'07), que en realidad es el tema que da título al álbum, donde se combina una melodia alegre, interpretada por la flauta y la guitarra a la vez con partes más étnicas, muy intensas, con mucha flauta y percusión y detalles de guitarra sintetizada, todas ellas muy bien cimentadas por un bajo imaginativo, muy potente, casi funky por momentos.
En "Bedhaya Ketawang" (8'31) volvemos a ser testigos de la belleza de la combinación flauta-guitarra interpretando la misma melodia. Después escuchamos una bonita base de guitarra y sobre ella el único momento vocal del álbum, interpretado por la vocalista Lestari. Me encanta cuando entra la sección rítmica y el tema se pone más rockero, desembocando en una potente parte instrumental con la flauta como solista.
"Drama" (1'47) es un corto pero intenso tema, donde la guitarra tiene aires crimsonianos. Continuamos con uno de los momentos álgidos del disco con "Ethno Funk" (8'38), un temazo donde se fusiona de maravilla el jazz, el rock, el funk y la musica tradicional de Indonesia. Lo mejor, el solo de guitarra de casi tres minutos, con el bajo y las percusiones en estado de gracia. ¡Alucinante!.
Le sigue "Gegunungan" (2'56), una pieza suave de guitarra y percusión, también con influencias de Robert Fripp, y "Hutan Hujan" (8'42), con una primera parte melódica, de aires jazzeros, con guitarra y flauta como protagonistas, y una segunda parte, mucho más rítmica, con la guitarra y la guitarra sintetizada como solistas.
La melodia más bella del álbum llega con "Biarkan Burung Bernyanyi" (7'27), con la flauta destacando en todo momento, tanto en las partes más étnicas, acompañada por la percusión, como en las más "fusioneras", con la guitarra como pareja.
Otra pieza realmente preciosa, donde seguimos disfrutando de las partes étnicas de flauta y percusión, combinadas con las guitarras de corte jazz es "Inspirasi Baru" (4'13), que tiene sus mejores momentos en el tandem de percusiones de la parte central, con toques funk del bajo y un corto pero precioso solo de guitarra.
Con "Perang Tanding" (8'16) volvemos a los ritmos entrecortados y potentes, como en "Ethno Funk". Impresionante el solo de guitarra y la combinación batería-percusión. Y para terminar, dos temas más desenfadados, "Pesta Rakyat" (5'10), muy alegre, que incluso me recuerda a Dixie Dregs, y "Amarah" (2'34), tema de guitarra con base metalera.

Un disco fantástico, recomendado para los amantes de la fusión de estilos.

EVOLUTION

2010-05-04T01:47:00.000-07:00

En 1965 la banda alemana The Vampires llega a España. Amantes del Rhythm ‘N’ Blues y el Soul y afincados en Madrid, publican varios singles con el sello Sesión y participan en varios festivales de la época. Pocos años después, cansados del ritmo de trabajo y de las presiones de su sello discográfico, se trasladan a Castelldefels, Barcelona. Allí conocen al guitarrista Tony Ponce, quedando la formación de estos nuevos Vampires, de la siguiente manera:

-Det Ferring (voz, piano)
-Wolfgang Jünger (bajo)
-Micky Kluge (batería)
-Paul Waldhecker (saxo, clarinete, guitarra)
-Tony Ponce (guitarra)

En otoño de 1969, Artur Mas, creador del subsello de Ekipo, Dimensión, firma un contrato con nuestros protagonistas, que cambian su nombre por el de Evolution ( a Mas este nombre le sugería una actitud más progresiva) y en diciembre se publica su primer single, que contenía una versión de “Fresh Garbage” de los californianos Spirit, con arreglos de viento a lo Blood, Sweat and Tears, y otro clásico del blues en la cara B, “You Don´t Love Me Baby”, con arreglos similares que mostraban esa fusión de estilos que caracterizaba su música. Tras la sustitución del saxofonista Paul Waldhecker por el organista T.J Brown, se publica un nuevo sencillo con dos piezas bastante comerciales. La primera era “Water”, con influencias de los primeros Traffic y cierto aire Soul, y la segunda se titulaba “Loving Me (Is Not The Only Thing To Do)”, una balada excesivamente empalagosa para mi gusto.

El tercer single llegaría en septiembre de 1970, y es entonces cuando notamos un endurecimiento en el sonido de la banda. Se alejan del Soul y comenzamos a escuchar influencias de Deep Purple, como podemos comprobar en “She’s So Fine”, pegadiza, psicodélica, casi garajera, o en la instrumental “I’m Walking High”, que ocupaba la cara B del single. Compuesta por T.J Brown, con el órgano hammond como protagonista, una buena línea de bajo, percusiones y un bonito solo de guitarra, es una de las mejores piezas del grupo.
En noviembre de este mismo año, los dias 20 y 22, Evolution toca en el Primer Festival Permanent de Música Progressiva, organizado por Oriol Regás en el salón Iris. En ese mismo mes, Ekipo publica el primer y único álbum de la banda. Grabado en los estudios Gema de Barcelona (¡como no!), y producido por Miquel Casas, el Lp contenía nuevas mezclas de los seís temas que se habían publicado anteriórmente como singles, más tres piezas nuevas. La primera era la fantástica “Dr. Vazquez” (2’47), un tema crudo, con un ritmo impresionante y el órgano y la guitarra como protagonistas. El segundo era una buena versión de “21st Century Schizoid Man” (4’25) de King Crimson. Siempre que escucho la parte instrumental central me imagino a Deep Purple versioneando a la banda de Fripp. El tercero, “Get Ready/Evil Ways” (5’05) era una mezcla entre el tema de Smokey Robinson (versionado con bastante éxito por The Temptations y Rare Earth) y el de Santana.
El disco fue mezclado mientras la banda estaba de gira por Europa, y cuando regresaron a Barcelona, el resultado no les gustó nada. En ese momento ellos se consideraban una banda de rock potente, con influencias psicodélicas y progresivas y un sonido basado en el órgano y la guitarra, y en las mezclas de Miquel Salas volvian a aparecer los arreglos de viento (dirigidos por el trompetista catalán Rudy Ventura) con los que ya no se sentían identificados. Es curioso como a mí, a pesar de todo, me parece un álbum lleno de fuerza, pero tanto Tony Ponce como Det Ferring manifestaron su desacuerdo en las entrevistas que Marc Argenter y Jordi Segura les hicieron para el libreto de la reedición en Cd que hizo el sello Wah-Wah en 2003 (respetando el original formato del vinilo de la época, en forma de bolsa).
La acogida por parte del público fue buena, ya que la televisión y la radio, al considerarlos como una banda extranjera, no ponian inconvenientes para que cantaran en inglés, lo que les facilitó la promoción.
En mayo de 1971, publican su cuarto single, que contenía una bonita versión de otro clásico de King Crimson, “In The Court Of The Crimson King” ( 3’08), y “Problems” (3’08), un tema que me gusta mucho, muy a lo Chicago Transit Authority, pero sin vientos. Fantástica la interpretación de Ferring y los detalles de guitarra de Ponce.
En este mismo mes participan en el Festival de Granollers de Rock Progresivo y a partir de este momento comienzan los problemas. Cada vez hay menos sitio donde tocar, los medios de comunicación apoyan cada vez menos a este tipo de bandas y el movimiento progresivo en Barcelona decrece día a día.
En 1972, T.J Brown deja el grupo, y en mayo de este mismo año la banda publica su último sencillo, ya como cuarteto. Desgraciadamente, este single les deja un mal sabor de boca, ya que la compañía discográfica necesitaba temas comerciales que pudieran venderse bien de cara al verano, y se les “impone” la canción “I Must Live” (2’45), de nuevo con arreglos de viento, pero en esta ocasión mucho más horteras. Particularmente, a mí me gusta esta pieza, aunque comprendo perfectamente porqué a ellos no les hacia demasiada gracia. En la cara B encontramos “Pain and Pleasure” (3’20), otra pieza suave con una orquestación algo más elegante, pero con las mismas miras comerciales.
Poco después es Wolfgang Jünger el que deja la banda, siendo sustituido por Artur Domingo de Pan y Regaliz. Tras la llamada a filas de Tony Ponce, a finales de 1972, la banda se disuelve definitivamente.
Y así termina la historia de Evolution, una banda incomprendida, pero no tanto como otras de su entorno. El hecho de ser considerada una banda extranjera (porque realmente lo era), la fama que tuvieron anteriormente como The Vampires y su facilidad para adaptarse a varios estilos musicales hicieron que pasaran menos penurias económicas que otras bandas catalanas del momento.

Francisco Macias

MAGMA-BRUXELLES 1971 THEATRE 140

2010-04-28T03:10:00.000-07:00

Interesante documento registrado el 12 de noviembre de 1971 y publicado por Seventh en 1996 en la serie AKT. La formación es la misma que grabó “1001º Centigrades” unos meses antes:

Klaus Blasquiz (voz y percusión)
Louis Toesca (trompeta)
Teddy Lasry (saxo soprano y flauta)
Jeff Seffer (saxo tenor)
François Cahen (piano)
Francis Moze (bajo)
Christian Vander (batería y voz)

Recuerdo que me alegró mucho el saber que existía este doble Cd, ya que los dos primeros discos de Magma son de mis favoritos de toda su carrera, y aquí tenemos la oportunidad de escuchar en directo todo su segundo trabajo, algunos temas del primero y un par de versiones tempranas de temas que serian muy importantes en su repertorio de años venideros. Desgraciadamente, el sonido no es excesivamente bueno, pero si lo suficientemente claro como para disfrutar de los temas.

Los gritos de Vander y la fanfarria de vientos introducen “Stoah” (5’23), en una versión reducida. Aunque la grandiosidad de la pieza queda un poco enmascarada por el sonido de la grabación, nos damos cuenta de lo bien interpretada que está. Enlaza directamente con “Kobaïa” (7’24), que también es algo más corta, debido sobretodo a la la falta de guitarra. La linea de bajo es diferente a la original y el solo de saxo de Seffer en la parte central es impresionante. Vander hace un gran trabajo a la batería, sobretodo al final.
Siguiendo con el repaso a su primer trabajo, la banda interpreta la preciosa y elegante “Aïna” (6’17). Me gusta mucho el trabajo de Francis Moze al bajo y la actuación de los vientos. Blazquiz interpreta con la voz algunas de las notas de guitarra que adornaban la versión original. Para terminar el primer Cd, escuchamos “Rïa Sahïltaahk” (19’09). Como todos sabeis es la pieza que abría “1001º Centigrades” y que resulta imprescindible en el desarrollo del sonido de la banda a partir de ese momento. La interpretación es bastante fiel, aunque se echa de menos el sonido de los clarinetes, que son sustituidos por saxo y flauta.
El segundo Cd comienza con una maravillosa versión de “Iss” Lanseï Doïa” (11’20), también original de su segundo trabajo en estudio. Precioso el riff repetitivo de piano y bajo, y la paulatina entrada de los vientos y la batería. Parece que el sonido de la grabación mejora y asistimos a uno de los mejores momentos del disco. También me gusta mucho el bonito solo de trompeta de Louis Toesca casi al final de la pieza. Y siguiendo con “1001º Centigrades”, la banda interpreta “Ki Ïahl Ö Lïahk” (9’36). Volvemos a echar de menos los clarinetes y Cahen está fantástico, tanto al piano acústico, creando la base para el tema, como con el piano eléctrico en el precioso solo de la parte central. A estas alturas ya no sé si es que me he acostumbrado, pero el disco suena bastante mejor. Continuamos con “Sowiloï” (6’58), todo un clásico en el repertorio de la banda en directo, en esta ocasión sin la introducción a la que estamos acostumbrados, entrando directamente el riff y la melodia central. Realmente bonito y elegante el trabajo de Lasry con la flauta.
Para terminar, la primera versión conocida de “Mekanïk Destruktïw Kommandöh”, titulada “Mekanïk Kommandöh” (17’19). Aunque no es comparable con las versiones posteriores, me gusta mucho. Tiene algo especial, un cierto aire inocente, ese ritmo inicial de bossa nova…..Sobresaliente la sección de vientos.

En mi opinión, un buen directo y un documento imprescindible para aquellos que disfrutamos especialmente de la primera época de Magma.

Francisco Macias

Univeria Zekt: "The Unnamables". 1972

2010-04-23T02:40:00.000-07:00

En 1971, el bajista Laurent Thibault, con la intención de promocionar su sello, Theleme, decide junto con Christian Vander grabar un álbum que conecte a un nuevo sector del público con la música de Magma, mediante unas composiciones algo más “asequibles”. Magma acababa de grabar su segundo disco, “1001º Centigrades”, por lo que es normal que para este nuevo proyecto Vander contara con los mismos músicos, con la excepción del trompetista Louis Tosca, que al tener compromisos con el cantante Eddy Mitchell, fue sustituido por Tito Puentes (no confundir con el percusionista portorriqueño). De esta forma, Christian Vander (batería, percusión, voz), Klaus Blazquiz (voz, percusión), François Cahen ( piano), Francis Moze (bajo, órgano), Teddy Lasry ( saxo, flauta, órgano), Jeff Seffer (saxo), el recién llegado Tito Puentes (trompeta) y Laurent Thibault (productor), entran en los Strawberry Studios, en el ya mítico Chateau D’Herouville, el 23 de agosto de 1971 para registrar el único disco de los recien bautizados Univeria Zekt, titulado “The Unnamables”. Fueron seís dias de intenso trabajo, ya que la banda no había ensayado los temas con anterioridad. De hecho, en estas sesiones sólo se grabaron los siete temas que aparecen en el disco, y fueron registrados practicamente en directo en el estudio, con sólo unos pocos “overdubs” añadidos.
El disco se abre con el tema de Lasry, “You Speak And Speak And Colegram” (2’10). El potente riff de guitarra (tocada por Claude Engel, que fue invitado a las sesiones) y vientos ( que nos recuerdan a Magma, dándonos la sensación de que suenan desde otra habitación) nos trae a la memoria el sonido de bandas como Colosseum, Chicago Transit Authority o Blood, Sweat And Tears. Sin pausa llegamos a “Altcheringa” (3’27), del mismo estilo, pero quizás con un toque más “soul”, en parte debido a la colaboración del vocalista Lucien Zabuski, alias Zabú, amigo íntimo de Thibault y Vander, y que había formado parte de Magma hasta su sustitución por Klaus Blazquiz. Cuando la sección de vientos se acelera, me recuerdan mucho a Chicago. Me encantan los solos de saxo y guitarra. Con “Clementine” (3’00) se produce un gran cambio en el disco, ya que esta composición de Teddy Lasry es un tema precioso interpretado con guitarra acústica y flauta y detalles de bajo. Pero la calma dura poco, ya que le toca el turno a “Something’s Cast A Spell” (4’16), otra pieza tipo Chicago Transit Authority, con música de Lasry y letra del invitado de lujo Lionel Ledissez (tomada de otra pieza de su propia banda, Ergo Sum), que además se encarga de la parte vocal junto con Klaus Blazquiz. Me gustan mucho los riff que efectuan los vientos,la base rítmica, con un piano muy presente, las partes lentas cantadas en inglés por Blazquiz, el solo de guitarra fuzz…¡Temazo!. A partir de aquí, el resto del disco está compuesto por Christian Vander, y naturalmente se nota. “Ourania” (4’23) cerraba originalmente la primera cara del disco. Consiste en un riff repetitivo de flauta, tranquilo, hipnótico, con el bajo muy marcado y una batería que pasa de buena a genial en pocos minutos. Además, Claude Engel hace un gran trabajo con la guitarra.
La segunda cara del vinilo, más cercana a lo que hacia Magma en esa época, se abría con “Africa Anteria” (11’31). Pegadizos ritmos de piano, una buena melodia muy bien acompañada por los vientos y la sección rítmica, acercamientos al jazz en los solos de Cahen y en las partes más “free” de saxo y trompeta y una importante presencia de las percusiones de Blazquiz, es lo que podemos escuchar en un tema que incluso contiene uno de los pocos solos de batería que Vander ha grabado durante su carrera, acompañado de algunos gritos, lo que nos recuerda a “Stoah”. Para finalizar, “Undia” (4’47), que comienza con la guitarra acústica y Blazquiz cantando el kobaia, y que se va acelerando hasta llegar a un final apoteósico. Como curiosidad comentaros que en el minuto 2’39 podeis escuchar una especie de silbido, cuando Blazquiz dice “Wurdah Komputer”, descubierto durante la mezcla del tema, que en principio nadie recordó haber hecho con ningún instrumento. Vander lo consideró como una especie de señal de buen augurio y decidió dejarlo en el disco.
El álbum se publico a finales de enero de 1972. La crítica lo acogió bien, pero sólo vendió unas 1500 copias. En definitiva, un proyecto muy interesante que puede gustar tanto a los amantes de la música de Magma como a los que prefieran música algo más desenfadada, pero de la misma calidad.

Francisco Macias

Música Dispersa

2010-04-08T09:07:00.000-07:00

Música Dispersa es uno de los proyectos más originales, vanguardistas, divertidos, libres y bellos que ha dado la música de nuestro pais. Su origen está en el Grup De Folk, banda formada por músicos catalanes cuyo sonido estaba influenciado por el folk americano, en contraposición con la Nova Cançó, que estaba representada por músicos más interesados en la canción francesa. En el Grup De Folk encontramos, entre muchos otros, a gente como Pau Riba, Sisa o Albert Batiste. Estos tres personajes, junto con Jose Manuel Brabo “Cachas”, editan en 1969 un EP de cuatro canciones bajo el nombre de “Miniaturas”, en el que cada uno componía un tema. Poco después se forma Música Dispersa, en el que Pau Riba no está, pero sí una joven llamada Selene. Así explica Sisa la formación del grupo a Alex Gomez Font, autor del libro “Zeleste i la Música Laietana” (Pagés Editors, 2009). El texto original está en catalán. Lo he traducido y he incluido los instrumentos que tocaba cada miembro.

“Música Dispersa estaba formado por Albert Batiste (bajo, armónica, órgano, batería y voz), que venía del Grup De Folk y concretamente de “Els Tres Tambors”, yo (guitarra, swannie,percusión y voz), que había comenzado una carrera como cantautor, el “Cachas” (mandolina, guitarra, flauta y voz), que venía de Madrid, o mejor dicho, huyendo de Madrid y de todo lo que era la canción reivindicativa y de protesta, y Selene (piano, flauta, bongos y voz), que apareció como surgida de una nube. Era como un ángel, una muchacha con muchas inquietudes. Había estudiado piano, tocaba la flauta y era una hippy en el sentido más puro. La figura principal de Música Dispersa era el “Cachas”, el alma y el genio del grupo.Él llevaba una música originalísima en su interior, que no tenia ninguno de nosotros. Entorno a él nos agrupamos e hicimos un camino, el camino de la experimentación y del lenguaje no oral. Una de las características de Música Dispersa es que no había textos cantados. Lo que cantábamos eran sonidos, onomatopeyas, imitación de sonidos de animales y de instrumentos, pero nunca letras de canciones.”

En verano de 1970, el sello Diábolo edita el primer y único disco de la banda, contando con la colaboración de Josep Maria Vilaseca “Tapi” a la batería.
Tras unos cortos “diálogos” sin sentido, comienza “Hanillo-Cromo” (4’50), tema de aire folky, con una melodia vocal preciosa, acompañamiento de guitarra acústica y un bonito final de flauta que desemboca en un epílogo festivo. Seguimos con “Swani” (2’27), donde encontramos mucho cachondeo, con aires de ragtime y rhythm’ blues, con guitarra acústica y toques de silbato. Y llega una de las grandes maravillas del disco, “Gilda” (4’57). La melodia es bellísima, y la instrumentación exquisita, con piano, guitarra, percusión, armónica….¡Alucinante!. El toque étnico llega con “Rabel” (1’59), con mucha percusión, swannie (un instrumento de viento), y voces sin sentido.
La psicodelia también influenció bastante a Musica Dispersa, y lo notamos en temas como “Eco” (2’47) , pieza interpretada basicamente con guitarra y bajo, que da paso a otro de las canciones más bonitas del disco, “Cefalea” (4’53) con una base de órgano, bajo, percusión y armónica ,detalles de guitarra, y la voz haciendo la melodia. Aires americanos que nos llevan hasta “Arcano” (5’27), la única composición de Sisa del disco. Otro tema maravilloso con un ritmo pegadizo y una flauta preciosa, aderezada con la paranoica voz de Sisa. Con “Fluido” (5’34) vuelven las atmósferas psicodélicas, hipnóticas. Comienza con la suave voz de Selene y poco a poco entra la percusión, la guitarra…Un gran viaje, que va a más y mas y que recuerda por momentos a los Pink Floyd de Barrett. “Citara” (0’30), una coda extraña, marca el final de esta insólita obra, rompedora y repleta de sensibilidad. Musica para soñar y viajar sin salir de casa. Música dispersa en definitiva.
No quiero terminar este artículo sin reproducir una reseña que publicó la vanguardia en 2004, a raiz de la muerte de “Cachas”, y que me parece un fantástico final para el recorrido que hemos hecho de esta banda, que tuvo poco más de un año de existencia, y que se disolvio, entre otros motivos, por la incorporación a filas de su líder (motivo que en aquella época destrozó a muchos grupos).

Cachas y la Barcelona de 1970…..
LA VANGUARDIA – 21/10/2004
José Manuel Brabo, alma del grupo progresivo Música Dispersa, falleció el pasado sábado en Barcelona.
Afinales de los 60 aterrizó en Barcelona, procedente de Madrid, José Manuel Brabo, Cachas.Pese al uso de un alias -herencia de su juvenil entrega al atletismo-, Brabo no pertenecía al gremio de la delincuencia, sino al
creativo: en Barcelona se convertiría en alma y motor de Música Dispersa, grupo integrado también por Sisa, Albert Batiste y Selene. El único, experimental y homónimo disco (1970) de dicha formación es todavía hoy, pese a sus módicas ventas, la gran referencia de la música progresiva de la época.
¿Qué impulsó a Cachas a cambiar de ciudad? “En la capital -explicó él mismo, años atrás- yo formaba parte de Trágala, un grupo de canción protesta, junto a Hilario Camacho, Elisa Serna y José Luis Leal. Cuando me dejaban, cantaba unas canciones en las que, en lugar de letras, soltaba fonemas ininteligibles. La verdad es que no pegábamos ni con cola. Pero yo iba con Trágala porque no era fácil hallar un grupo para subir a un escenario. Y ellos iban conmigo porque mi hermana Pilar, que mandaba mucho en el PCE, me enchufaba”.
Cerrada aquella etapa, y convencido de que “en Barcelona había más ambientillo hippy”, Cachas se instaló en un piso de Ciutat Vella, compartido -las comunas del tardofranquismoe ran heterogéneas- con un ejecutivo de
Matesa en paro y un conductor de autobús. Allí le conoció Albert Batiste; allí escucharon discos de la Incredible String Band, los Stones, Dylan o Hendrix. Luego Batiste le presentó a Sisa. Y más tarde embarcaron a Selene, que había estudiado piano y flauta, y tocaba además los bongos (aunque “de modo más informal”, según Sisa). Todo pasó “naturalmente, sin planes”, dice Batiste. Quizás porque todos compartían el interés por un modo de vida alternativo.
La impresión que causó Cachas a sus nuevos amigos fue de aúpa. “A mí me pareció una mezcla de peregrino medieval y sabio de Oriente. De hecho, lo recuerdo de secundario en El retaule del flautista y también como lector del Tao. En lo musical, era un genio”, dice Sisa. “Tenía magnetismo, lucía melena pelirroja, era muy leído, se interesaba por el Zen, era divertido y discreto”, evoca Batiste. “Era un artista nato, con gran creatividad y afán innovador, y una bellísima persona”, apostilla Selene.
Quizás cueste entender, en tiempos de conjuntos diseñados en el departamento de marketing de las discográficas, que un grupo se formase con espontaneidad. Pero así fue. “Nos vimos, conectamos y empezamos a tocar juntos, sin saber por qué ni cómo. Teníamos muchas ideas, casi reventábamos, y las liberamos juntos”, dice Sisa. Y remata Batiste: “Cada uno mostraba sus retazos de composiciones (la mayoría era de Cachas) y, sobre eso, los demás añadían su aportación. Vivíamos a nuestro aire. Y la música seguía a la vida”.
Una vida que Sisa califica de “marginal” -”a los melenudos nos miraban mal; a mí no me dejaron entrar en Bocaccio hasta 1975″-, y que se desarrollaba en domicilios particulares y en locales como London Bar, La Enagua, Can Ninots, El Portalón, Jazz Colón, El Paraigües, L´Ascensor y, a última hora, y con riesgo de redada, en el Drugstore del Liceu. Corría el otoño de 1969 y había nacido Música Dispersa: un grupo que ofrecía
poéticas, hipnóticas y armónicas canciones sin letra -”queríamos superar la canción de texto, quizás como respuesta a la cançó”, afirma Batiste-, y donde las voces emitían sonidos abstractos, del murmullo a la onomatopeya, sobre arreglos acústicos (guitarra, mandolina, bajo, piano…, también flauta, bongos, etcétera). Música Dispersa perfiló su repertorio en directos -al primero, en Valencia, fueron en tren, con el instrumental a cuestas- y no grabó su mítico disco hasta el verano de 1970, con diez temas y una enorme ola en portada. “La dibujé inconscientemente -rememora Selene-, pero ahora sé que la ola es la imagen de lo fugaz, de lo que se deshace un instante después de hacerse”. Fue el caso de Música Dispersa. Grabado el disco, Cachas se fue a la mili y “la banda -señala Sisa-, hizo honor a su nombre y se dispersó”.
En la última reedición de Música Dispersa (Discmedi, 2004), Sisa resume así la historia del grupo: “Por azar o por destino / Cachas del Tao emergió / desde Adorno llegó Albert / de Dadá venía yo. / Selene, ángel caído / del paraíso, tal vez./ La del olvido / buscábamos sin querer / -aunque de haberlo querido / no la hubiéramos oído-. / En no querer la encontramos, / al hallarla la perdimos. / Inconexa, un espejismo, / quizá del sueño el
envés, / la vida es / y nosotros, un ruido.”
Cachas eligió luego una existencia retirada y se fue a Menorca. Allí ha vivido 30 años, cultivando los afectos personales, la vida junto a su mujer Montse Molí y su hija Joana, el contacto con los amigos. En su casa de Sant
Lluís, sentado en el jardín que mimaba a diario, Cachas se entregó a la lectura, a la poesía, al ensamblaje de textos integrados por citas ajenas y reflexiones propias, que redactaba con primorosa caligrafía y después
distribuía entre sus amigos.
Cachas ha vivido con la sonrisa siempre dispuesta, sin quejas, pese a la afección renal que le encadenó a la diálisis, minó su salud, pobló sus brazos de moretones y protuberancias, y sólo se atenuó, en parte, cuando se
sometió a un trasplante de riñón, que le cedió su hermano.
El pasado sábado, aquejado también de cáncer -y sólo dos días después de que muriera su hermano, el donante-, Cachas falleció en Barcelona. Contaba 56 años. Cruzó el umbral suavemente, rodeado de su familia y de los viejos amigos de una Barcelona en la que era posible creer, como creyó Cachas, que la vida es un tranquilo fluir, y que basta sumarse a ese fluir para participar en un proceso creativo.
Eran otros tiempos, claro. Pero el recuerdo de Cachas los mantendrá vivos.
LLàtzer Moix

Francisco Macias

Khorus: "Suite"

2010-04-04T13:12:00.000-07:00

Khorus es una banda sevillana de rock progresivo-sinfónico que nunca llegó a publicar un disco, aunque dejaron algunos temas grabados que han visto la luz ahora gracias a la asociación Arabiand Rock. Fernando Carmona, guitarrista y compositor de los temas, su hermano Jesús a los teclados, Juán Falero al bajo y Juan Carlos Nieto a la batería, lograron reunir algo de dinero y alquilar en 1975 los estudios Play Sur de Sevilla, para grabar un tema de 24 minutos de duración titulado simplemente “Suite”. Aunque el sonido de la grabación no es perfecta, es lo suficientemente buena como para disfrutarla. Dividida en diez partes, comienza con una melodia de teclado fácil de memorizar. Es “Silencio y Aparición” (1’27), que en seguida da paso a “En La Entrada” (0’33), con un ritmo más rápido, apoyado por el piano eléctrico y con una misteriosa melodia de guitarra. Entran las voces (el único momento vocal del disco) repitiendo constantemente el título de esta parte, “Ya están aquí los detectores de control de inseguridad” (3’24). Me encanta el extracto instrumental de teclado y guitarra, bastante oscuro, que me recuerda a algunos ambientes que he escuchado en bandas francesas como Arachnoid o Shylock. Al final regresa la melodia inicial, y comienza “Espias” (2’27), una parte preciosa con aires “camelianos” y un buén solo de teclado. Le sigue un solo de guitarra, con el piano eléctrico de apoyo, titulado “Esos Ecos” (2’14). El ritmo se vuelve más pausado, con reminiscencias a Pink Floyd, lo que nos indica que hemos entrado en “Esperando” (6’59), con las guitarras acústicas y eléctricas como protagonistas. ¡Fantástico!. Final de teclados y sonidos de pájaros que da paso a “Ascenso” (1’01), un cambio radical hacia terrenos más oscuros, que enseguida desemboca en “No Te Escondas” (2’08), que consiste en un pegadizo riff de guitarra, con teclado de fondo y un posterior solo de guitarra con un magnífico piano eléctrico encargándose del riff. Comienza “Perseguido” (2’02), donde la banda consigue que tengamos esa sensación de huida, y llegamos al final con “Evasión” (2’26). Me gusta mucho el ritmo del bajo y la bateria, que mejora con el apoyo del piano eléctrico, sobre el que se desarrolla la melodia de guitarra. Resulta sorprendente que un tema así haya estado tantos años escondido.
La segunda parte del Cd consiste en dos temas grabados en directo en la primavera de 1978 en Huelva, pero degraciadamente el sonido es pésimo, entre otras cosas porque se ha recuperado de una cinta de cassete doméstica. Es una pena, porque las piezas son buenas. La primera se titula “1072” (6’54), y se acerca algo más al estilo de los desarrollos instrumentales de bandas como Iman Califato Independiente, con la guitarra como protagonista en la primera parte y el piano eléctrico en la segunda. Le sigue “Dagas Flameantes en los Horizontes Vencidos de Córdoba” (5’40), más misteriosa y ambiental, con los teclados como protagonistas y un cierto aire árabe.
Para terminar, alabar la labor de la asociación Arabiand Rock, que bajo el epígrafe de “Colección Música Inédita Rock Andaluz” tiene intención de recuperar más material de bandas muy interesantes de Andalucia que no lograron editar discos en su momento.

Francisco Macias

Pan & Regaliz

2010-04-04T04:58:00.000-07:00

Cuando pensamos en la música “progresiva” que se hizo en Cataluña en la década de los ’70 nos viene a la mente gente como Iceberg, Companya Eléctrica Dharma, Música Urbana, Secta Sónica, y otras bandas pertenecientes a lo que fue la escena “Laietana”, formada alrededor de la sala Zeleste. Pero unos cuantos años atrás existieron músicos y grupos catalanes que precedieron no sólo a esta escena cercana al jazz rock, sino también a toda el movimiento progresivo en España. Gente como Música Dispersa, Om, Máquina, etc…y como no, Pan & Regaliz, que con fuertes influencias del blues rock , de la psicodelia y del jazz formaron la vanguardia musical de nuestro pais entre 1969 y 1972.Los orígenes de Pan & Regaliz se remontan hasta 1968, cuando un joven de 18 años de Palma de Mallorca, Guillem Paris, forma en el barrio de Gracia de Barcelona la agrupación Els Mussols, que en sus directos ya tocaban versiones de Cream, Jimi Hendrix, etc…Un año después pasan a llamarse Agua de Regaliz y en sus filas están Guillem Paris (voz y flauta), Alfons Bou (guitarra y voz), Artur Domingo (bajo y voz) y Santiago Garcia “Jackie” (batería), que había grabado con Máquina su primer single.La música de esta banda llama la atención de Angel Fábregas, el creador, en 1967, del sello “Als 4 Vents”. Muchos de los miembros de las bandas progresivas catalanas de los ’70 provenian de la escena folk (Pau Riba, Sisa, los hermanos Batiste, etc…), y algunos habían pertenecido al colectivo “Grup De Folk”, apoyados por Fábregas y su sello. En 1969, este visionario crea un subsello llamado Diábolo para comenzar a publicar material de la nueva hornada de músicos y grupos que estaban saliendo con ganas de hacer cosas nuevas y diferentes, como por ejemplo Máquina, Música Dispersa, Vertice o los andaluces Smash o Nuevos Tiempos, y como no, Agua de Regaliz. A principios de 1970, nuestros protagonistas entran en los legendarios estudios Gema para grabar el primer y único single para Diábolo, compuesto por dos temas, “Waiting In The Munster’s Garden” y “When You Are So Bringdown”. El primero tiene un ritmo hipnótico, muy pegadizo, con mucha percusión, con influencias de Santana, y mucha flauta. El segundo, también fantástico, nos ofrece un riff con aires a Hendrix, y algunas influencias del jazz, sobretodo en la base rítmica sobre la que se desarrolla el solo de guitarra.Poco después de la publicación del single, que no tuvo demasiada aceptación, la banda participó en el festival de L’Aliança Del Poble Nou y unos meses después, en octubre de 1970, en el Primer Festival Permanent de Música Progressiva, organizado por Oriol Regás en el salón Iris. A finales de año, “Jackie”, el baterista, tuvo que incorporarse a filas y dejó su lugar a Francesc “La Paca Ferocísima” (aunque el mismo Guillem Paris ha comentado en alguna ocasión de que en el festival de octubre, Francesc ya estaba con ellos como batería), y este a su vez a Peter Van Eeckhout. Para colmo, la banda tiene algunas diferencias con Angel Fábregas y no sólo abandona Diábolo, sino que además debe cambiar el nombre del grupo, que pertenecia legálmente a Fabregas, por el de Pan & Regaliz. Afortunadamente, firmaron poco después con el sello de Artur Mas, Dimensión, subsidiario de Ekipo, y en 1971 se publica su segundo single con los temas “Dead Of Love”, de aires psicodélicos e influencias de bandas como Cream o Love y del que me encanta la flauta y el sonido de la guitarra, y la instrumental “Thinking Of Mary”, realmente preciosa, que nos recuerda a la primera época de Jethro Tull, con una base con influencias del blues y el jazz, y una flauta que aunque puede recordar a Ian Anderson, es en realidad muy diferente, ya que Guillém Paris utilizaba una flauta de madera en lugar de una flauta travesera.
En mayo de 1971, tras su participación en el conocido festival progresivo de Granollers, la banda publica su único larga duración, titulado simplemente “Pan & Regaliz”. Aparte de los temas de su primer single, grabados de nuevo, “Waiting In The Munster’s Garden” (3’07) y “When You Are So Bringdown” (3’09), y de los dos del segundo, “Dead Of Love” (3’07) y “Thinking Of Mary” (3’24), el disco contiene cuatro temas más: “One More Day” (3’23), con muchas influencias de Jethro Tull, “A Song For The Friends” (2’16), que parece música de espectáculo de variedades, al estilo de algunos temas de The Kinks de finales de los ’60, “Today It´s Raining” (9’14), un verdadero viaje alucinógeno, y “I Can Fly” (3’36), en una onda psicodélica, con ramalazos de los primeros Pink Floyd o The Doors. Un disco que no recogía demasiados elementos propios de la cultura catalana y española, pero que demostraba que había músicos interesados en avanzar, tomando como referencia el sonido de bandas inglesas y norteamericanas de la época. Desgraciadamente, este primer atisbo de vanguardia catalana llegó practicamente a su fin en 1972, año en el que, después de varios cambios de formación y unas incompletas sesiones de grabación para el que tenía que ser su segundo trabajo, Pan & Regaliz se disolvieron, aunque antes se publicó un nuevo single que incluia la ya conocida “A Song For The Friends” y “Magic Colors”, una pieza muy pegadiza incluida como bonus track en la edición del álbum en Cd de Wah-Wah de 2003.En definitiva, un disco pionero del movimiento progresivo nacional que debe ser descubierto todavia por muchos aficionados al género

Francisco Macias

Xing Sa "Creation De L' Univers". 2010.

2010-03-29T01:39:00.000-07:00

Xing Sa es una nuevo grupo francés formado por tres miembros de la banda Setna, Nicolás Goulay (teclados), Christophe Blondel (bajo) y Nicolás Candé (batería). Aún así, hay bastante diferencia entre las dos bandas, entre otras cosas porque mientras que en Setna es Candé quien compone los temas y dirige el grupo, Xing Sa es un proyecto del teclista Nicolás Goulay, encargándose él de escribir todas las composiciones. En su primer trabajo, "Creation De L' Universe" cuentan también con la colaboración de Yannick Duchene a la voz (aunque el disco es practicamente instrumental), Gilles Wolff al saxo tenor y Fabien Lenoir al gong.
El disco se abre con “Feu” (13’06), dividido en tres partes. La primera comienza con el sonido de un gong que se acerca poco a poco. Entra el piano eléctrico, esbozando unas pocas notas y acompañado de un sintetizador. Esta ambiental entrada se rompe con una pegadiza melodia de teclado que nos adentra en la segunda parte del tema, con un bajo impresionante y una buena batería. Los solos de mini moog nos recuerdan el sonido de algunas bandas de jazz rock de la segunda mitad de los ’70.¡Fantástico!. Un riff alucinante de bajo nos lleva hasta la tercera parte, con un aire que nos recuerda un poco a Magma, aunque los rápidos interludios de órgano van en una onda diferente. Impresionante final menos acelerado con el piano eléctrico y unos coros sobre un marcado e hipnótico ritmo. Seguimos con “Terre” (16’07), también dividido en tres partes. El teclado, imitando voces humanas como si de un coro se tratara, es el protagonista de la misteriosa introducción de la pieza, que desemboca en el segundo movimiento con un gran riff de bajo sobre el que Yannick Duchene canta, en varias pistas superpuestas, una melodia al estilo Zeuhl. Es una parte relajada, que tiene su mejor y más elegante momento con la entrada del piano eléctrico, que efectua un solo precioso. Después es el órgano el que lo sustituye y su sonido tiene un gran parecido al del Lowry, lo que nos recuerda un poco al Sonido Canterbury. De las profundidades vuelve el piano eléctrico, y cunado la pieza parece terminar, comienza a hacer una melodia cíclica, algo minimalista, sobre la que el teclado pinta bonitos paisajes con diferentes sonoridades.
La tercera composición del disco es “Metal” (12’13), dividido en dos partes. Comienza, como no, con un maravilloso piano eléctrico al que después se le añaden las voces. Se incorpora la sección rítmica y la pieza va adquiriendo más y más intensidad, hasta que el bajo y la batería cambian el ritmo y el teclado, con tintes espaciales, nos ofrece un pasaje magnífico. La segunda parte, totalmente independiente de la primera, comienza con un inquietante ritmo de piano eléctrico, y sobre él, el teclado, imitando una sección de cuerdas primero, y al mellotrón después, convirtiendo lo inquietante en belleza. Después entran las voces, y las diferentes capas de piano me recuerdan, por alguna razón y de forma muy personal, al ambiente de los primeros trabajos de Oldfield.
Casi sin pausa, comienza “Eau” (12’31), también dividida en dos partes, y también con el piano eléctrico como base principal, aunque sobre él discurre de nuevo el teclado, con diferentes sonidos. La sección rítmica es sobria, elegante, y crea un bonito marco para los diferentes solos. En cierto momento se acelera, y las voces entran al más puro estilo Zeuhl. Tras una fantástico e intenso pasaje instrumental y un solo de bajo muy distorsionado, comienza la segunda parte, con un ritmo sosegado que me fascina, con varias capas de teclado creando una gran atmósfera.El ritmo varía, al igual que el sonido de los teclados, pero sin sacarnos del ambiente general de la composición. De pronto, el piano eléctrico se queda sólo, y ya estamos en “Bois” (9’50), dividida en tres partes. La melodia de la primera recuerda a Magma, pero enseguida entra un magnífico ritmo que nos lleva hasta la siguiente fase, que cuenta con al colaboración de Gilles Wolff al saxo tenor y que va en una onda cercana al jazz rock. ¡Uno de los mejores momentos del disco!. Para terminar, un precioso epílogo relajado, con piano eléctrico, órgano y sonidos de gongs.
Estamos ante un gran disco que puede gustar a un público variado, ya que aunque se encuadra dentro de la música Zeuhl, tiene muchas influencias diferentes, pudiendo agradar también a los amantes del jazz rock, del Sonido Canterbury, y por qué no, a los amantes del progresivo-sinfónico clásico, ya que contiene partes fantásticas de teclado, muy melódicas y ambientales.

Francisco Macias

DOUBT : "NEVER PET A BURNING DOG".(Moonjune 032,2010)

2010-03-09T05:20:00.000-08:00

Doubt es un trio increible formado por el guitarrista Michel Delville (The Wrong Object, Alex Maguire Sextet, TZGIV….), el teclista Alex Maguire (Hatfield and the North, Psychic Warrior, Pip Pyle’s Bash…) y el baterista Tony Bianco (Dave Liebman, Elton Dean, Paul Dunmall…). El 6 y el 7 de agosto de 2009 entran en los estudios Electromantic (propiedad de Beppe Crovella, teclista de Arti E Mestieri), y totalmente en directo registran su primer trabajo “Never Pet a Burning Dog”, un álbum que sería totalmente instrumental si no fuera por la colaboración de lujo de Richard Sinclair, tanto al bajo (en los dos primeros temas), como a la voz ( en los temas 1 y 5).

El disco comienza con la introducción de Maguire, “Corale Di San Luca” (3’05), pieza al más puro estilo Canterbury, donde la melodia de piano eléctrico es acompañada por el bajo y la voz de Richard Sinclair, y los platos de Tony Bianco. La batería cada vez se vuelve más rápida, Sinclair enloquece con el bajo, y la guitarra de Delville nos mete de lleno en “Laughter” (6’25), otro tema compuesto por Maguire. ¡Qué fuerza!. Los cuatro están realmente increibles, alcanzando una intensidad impresionante. Por momentos, me vienen a la cabeza ecos de Matching Mole, pero a lo bestia. ¡Vaya forma de comenzar un disco!. Continuamos con una versión de la extraordinaria “Over Birkerot” (8’53) de Terje Rypdal, arreglada por Michel Delville. Mucho más larga que la pieza original, publicada en el álbum “Odyssey” (1975), esta versión nos ofrece una primera parte con Delville como protagonista, magistral con la guitarra, dándole un sonido profundo, con reminiscencias de Zappa, muy bien apoyada por Maguire y Bianco, y una segunda parte donde Maguire nos demuestra que sabe hacer con un Fender Rhodes, mientras el ambiente se hace cada vez más denso debido a los fondos casi apocalípticos creados con la guitarra sintetizada de Delville, y la tremenda actividad de Bianco a la batería, que no parece de este planeta.
Seguimos con “Sea” (7’57), composición de Bianco para batería y piano eléctrico, con arreglos de Delville de guitarra y guitarra sintetizada, y la elegante “Passing Cloud” (4’08), cantada por Richard Sinclair, acompañado del mellotrón y el piano eléctrico de Maguire, que junto a él coescribe la pieza. Y tras este regreso al Sonido canterbury, nos encontramos con el que es, seguramente, el tema más cercano al “progresivo” clásico o incluso al “sinfónico” que ha escrito nunca Michel Delville. Nos referimos a la maravillosa “Cosmic Surgery” (6’45). La combinación del teclado y la guitarra en el impresionante principio, el acompañamiento de Hammond y el ritmo de la batería, la bonita parte central de guitarra y mellotrón….Todo nos traslada al rock progresivo de los ’70. Pero para mí lo mejor es la parte final, donde Maguire hace un solo de Fender Rhodes escandaloso, con Bianco en estado de gracia, y Delville creando ambiente e interpretando, antes y después del solo de Maguire, una preciosa melodia de aires balcánicos. ¡Obra maestra!.
El siguiente tema es “Aeon” (7’28), en el que Tony Bianco crea una base en la que no para de redoblar y hacer cosas fantásticas con al batería, sobre la que improvisa primero Delville, después Maguire y otra vez Delville, alternándose ambos también a la hora de crear fondos más o menos misteriosos. Y para terminar, una composición de Delville dedicada a Beppe Crovella, “Beppe’s Shelter” (8’16), que comienza con una melodia y un solo de guitarra, con toques Zappianos, que después se convierte en un riff pesado, pegadizo, sobre el que Tony Bianco redobla sin cesar, y el sintetizador, imitando el sonido de la flauta, improvisa.
Es realmente genial que sólo llevemos cuatro dias del 2010 y ya esté disfrutando del que, con mucha seguridad, será uno de mis discos favoritos del año. Naturalmente, y como no podia ser menos, lo ha publicado el sello Moonjune, que está haciendo una labor encomiable apoyando nuevas bandas y proyectos como este.

Francisco Macias

Iron Kim Style: "Iron Kim Style". (Moonjune 031,2010)

2010-03-09T05:18:00.000-08:00

Iron Kim Style es un nuevo proyecto formado por varios músicos que llevan muchos años tocando en diferentes bandas de estilos diversos en la zona de Seatle. Para el público progresivo, los más conocidos pueden ser el guitarrista Dennis Rea y el baterista Jay Jaskot, ambos pertenecientes a la banda Moraine, que hace pocos meses publicó también en el sello Moonjune su fantástico disco "Manifest Density". El grupo se completa con el trompetista Bill Jones, el guitarrista Thaddadeus Brophy y el bajista Ryan Berg. El curioso nombre que han elegido tanto para el proyecto como para el título del disco tiene un doble sentido.Por un lado hace referencia al acercamiento que "Iron Kim", un gran maestro de Om Yung Doe, realizaba hacia este arte marcial acrobático (Dennis Rea es un amante de la cultura oriental), y por otro, se burla del lider de Corea del Norte Kim Jong Il, cuya foto viene en el interior del CD, acompañando a los músicos.

Respecto al estilo de música en el que se mueven no tiene nada que ver con el de Moraine. De hecho, estamos ante una música muy influenciada por el periodo eléctrico de Miles Davis, con pasajes de guitarra que por momentos recuerdan a John Abercrombie, pero a la vez con un sonido muy actual. Un Jazz Rock potente, con bellos pasajes pausados, que según los créditos del CD, proviene de la libre improvisación. Esto es algo difícil de creer, ya que algunos temas están muy bien estructurados. Algunos ejemplos son la pieza inicial "Mean Streets Of Pyongyang" (10'32), con un ritmazo impresionante y una fantástica sinergia entre las guitarras, la trompeta y el clarinete bajo (tocado por Izaak Mills), la maravillosa "Don Quixotic" (7'37), con una primera parte preciosa de guitarras y trompeta, y una segunda que va in crescendo, con una linea de bajo alucinante por momentos, o la contundente "Gibberish Folter" (4'36), cuya combinación de trompeta, bajo muy marcado y sonidos electrónicos me recuerdan mucho a los hungaros Kada.
Por otro lado, hay otros temas que sí parecen improvisados, con algunas pautas marcadas de antemano ( si no es así, no sé de donde ha salido esta gente), como las jazzísticas "Po' Breef" (6'17) o "Pachinko Malice" (5'10), o las preciosas "Adrift" (7'44), con una base constante de cinco notas de bajo sobre las que improvisa la trompeta, la guitarra y de nuevo el clarinete bajo, y "Dreams From Our Leader" (3'20).
En definitiva, una fantástica forma de comenzar el año para los amantes de la fusión entre el jazz y el rock.

Francisco Macias

BEAT CIRCUS

2010-03-09T05:15:00.000-08:00

Cuando llevas muchos años escuchando y coleccionando música, se hace cada vez más difícil encontrar bandas más o menos originales, cuyo sonido llegue a sorprenderte en algún momento. Aunque casi todo está inventado, y lo máximo que podemos esperar es dar con grupos que mezclen con acierto estilos ya existentes, cuando lo hacemos, y esa mezcla está reforzada por buenas composiciones y una cierta personalidad, es realmente excitante.

Esto es lo que me ha pasado con Beat Circus, formación americana que ha grabado tres discos muy diferentes entre sí, y que ultimamente no deja de sonar en mi equipo. El principal responsable de este proyecto es Brian Carpenter, que junto con Brandon Seabrook forma la primera encarnación de la banda en 2001 bajo el nombre de Beat Science. Con el posterior reclutamiento de varios músicos de la zona de Massachusetts, cambian el nombre por el de Beat Circus, grabando su primer trabajo, “Ringleaders Revolt” en el verano de 2003. Los músicos implicados fueron:

-Brian Carpenter: trompeta
-Brandon Seabrook: banjo y mandolina
-Jim Hobbs: saxo alto
-Ron Caswell: tuba y efectos
-Alex K. Redfearn: acordeón
-Jerome Deupree: batería y percusión.

El disco comienza con “Overture” (1’01), una introducción circense que nos lleva hasta “Mandalay Song” (4’01), una preciosa versión del tema de Kurt Weill del mismo nombre, que originalmente estaba incluida en su comedia musical “Happy End”, estrenada en Berlín en 1929. Parece una banda sonora para una película de dibujos animados y es impresionante la combinación de los vientos con el banjo (seña de identidad de la banda) y el toque burlesco de la tuba y del saxo barítono (tocado por Charlie Kolhase en todos los temas). La representación continua con “Big Top Suite Pat I-March of the Elephants” (2’00), basada en la canción de Rodgers y Hammerstein “The Lonely Goat Herd”, compuesta para la película “The Sound of Music” (Sonrisas y Lágrimas). Aquí la tuba imita los pasos de los elefantes, formando una pareja curiosa con las partes misteriosas de banjo. Una fanfarria de vientos y batería que parece gritar “I Am Not An Animal, I Am A Human Being” (1’14) nos conduce a un precioso vals macabro, “Big Top Suite Part II-Clowns” (3’21), con aires a Nino Rota. De hecho, me recuerda a la boda de Connie de “El Padrino”, pero con todos los invitados muertos y sin saberlo ellos mismos. Destaca el solo de saxo alto. ¡Genial!.
La aparición de los contorsionistas en la pista se preoduce a ritmo de tango en “Contortionist Tango” (6’36), un tema excelente con una gran base de banjo y trompeta, una melodia que nos recuerda a Alamaailman Vasarat, y sobretodo, un gran acordeón.
Con referencias al “free jazz” finaliza esta primera parte, con “Requiem For John Merrick” ( haciendo referencia al tristemente conocido “Hombre Elefante”), que va seguida de “Intermission” (1’12), una versión de “Triumphal March” del compositor Karl King para Merle Evans, que dirigió la banda del Ringling Brothers and Barnum and Bailey Circus Band durante 50 años.
La segunda parte del espectáculo comienza con la actuación de los trapecistas, “Big Top Suite Part III-Daredevil Chicken Trapeze” (0’48), y con otra parte misteriosa, “Grand Entrance” (1’39), con el banjo como protagonista. Le sigue “The Mack” (4’21), otra pieza tipo “años ‘20”, con un buen saxo barítono, golpes de tuba y un curioso solo de banjo. La mezcla de banjo, mandolina y vientos llega a su punto más alto en “Escape from The Big House” (5’06), con DJ Hazard (un comediante de la zona de Massachusetts que hace monólogos de humor acompañado de su guitarra) como narrador, y un fantástico saxo alto. Más cercanas al jazz se encuentran “Die By The Sword” (3’24) con los vientos como protagonistas, y sobretodo “Ringleaders Revolt” (5’36), improvisación colectiva totalmente “free”, que cuenta con la colaboración del guitarrista Sagittarius Brown. La última parte del tema es excelente.
Y para terminar la función, “Exit Music” (1’50), una especie de charlestón muy divertido, que pone punto y final a este fantástico y original disco. Pero Brian Carpenter no es un músico al que le guste repetirse, así que aunque este álbum contiene muchos de los elementos básicos de la música de Beat Circus, sus siguientes trabajos serán muy distintos.

En 2005 , Carpenter comienza a planear su siguiente trabajo, “Dreamland”, que sería la primera parte de una trilogia titulada “Weird American Gothic”, basada en las leyendas, mitos y tradiciones de la América Rural, con ambientes oscuros y sórdidos propios de la literatura gótica sureña. El disco se centra en historias basadas en acontecimientos que ocurrieron a principios del siglo 20, tomando como referencia Nueva York y más concretamente el parque de atracciones de Coney Island, que desapareció pasto de las llamas en 1911. Carpenter crea una partitura de 150 páginas para un gran número de músicos, incluyendo por primera vez partes cantadas en la música del grupo. De esta segunda encarnación de la banda ya conocemos a:

-Brian Carpenter: voz, harmónica, harmonium, trompeta, etc…
-Brandom Seabrook: banjo, guitarra y mandolina.
-Alex K. Redfearn: acordeón
-Ron Caswell: Tuba

A ellos se les unen una sección de cuerda formada por la chelista Julia Kent (Antony and the Johnsons), la violinista Kaethe Hostetter, y algunos invitados, el trombonista Curtis Hasselbring, el saxofonista Briggan Krauss y el baterista Matt McLaren. Además, dependiendo del tema y de la instrumentación requerida, aparecen, más músicos invitados.
El viaje por este mundo mágico de Coney Island se inicia con “Gyp The Blood” (2’22), una pieza gótica, misteriosa, con banjo, trombón y cuerdas. Me gusta mucho el aire fantasmagórico que le da el Theremin de Michael Hearst. Un pegadizo ritmo de banjo y cuerdas nos lleva hasta “The Ghost Of Emma Jean” (4’43), tema vocal con aires tradicionales y una buena harmónica. Después, una curiosa combinación de violín, arpa, theremin, harmonium y un piano de juguete nos envuelve en “Hypnogogia” (1’02).Una nueva historia, esta vez sobre los efectos del alcohol, comienza con “Delirium Tremens” (4’06). El principio es hipnótico, con influencias orientales, con el banjo y los coros como protagonistas. La melodia central es preciosa, y destacaría el desgarrador solo de saxo alto a dos voces. Una pieza fantástica que viene seguida por otra corta instrumental, “Lucid State” (1’04), interpretada por un cuarteto de cuerda. Otro gran momento llega con “Death Fugue” (3’11), cuya letra está tomada del poema del mismo nombre del escritor alemán y judio, Paul Celan, en el que se describia el campo de Auschwitz. Las primeras estrofas vocales nos recuerdan a Peter Hammill. Me fascina tanto la base de cuerdas como la impresionante entrada del resto de los instrumentos, y detacaría toda la parte instrumental final, que me trae a la memoria a los Devil Doll.
Una bonita miniatura de voz y harmonium, “The Good Witch” (0’44) nos sumerge en un bloque de temas con referencias a músicas de lugares diferentes. “Dark Eyes” (3’01) es una conocidisimo tema tradicional ruso de gran belleza, tocado aquí en forma de vals y realmente espectral, que sin pausa nos lleva hasta una fiesta en los Balcanes con “Slavochka” (4’08), cuya parte central de banjo me parece maravillosa. Naturalmente, también la América rural tiene cabida en este recorrido, como podemos comprobar en la vocal “The Gem Saloon” (3’26), y como no, los aires españoles, primero con “El Torero” (1’20), y después con “The Rough Riders” (4’19), que comienza con la preciosa melodia de “El 5º Regimiento”, tema de la guerra civil española cuya música es en realidad la de “El Vito”, otro tema popular de nuestro pais, para continuar con otra melodia de influencias judias.
La parte más circense del álbum comienza con “Coney Island Creepshow” (3’32), con DJ Hazard como maestro de ceremonias. Tanto este tema como el siguiente, “Hell Gate” (2’37) nos traslada al mundo de las ferias ambulantes para, a continuación, llevarnos a la orilla del mar. Sobre un fondo de olas, la pianola nos trae recuerdos de los salones del salvaje oeste americano. Es “Meet Me Tonight In dreamland” (3’07), últimos minutos de nuestro trayecto por Coney Island, que finaliza en “March of the Freaks” (2’24), tema circense con un bonito saxo barítono.
“Dreamland” se grabó durante 2006, pero no fue publicado por el sello Cuneiform hasta 2008. En ese momento, Carpenter ya tenía compuesto el que sería el tercer disco de la banda.

El proceso creativo para obtener “Boy from Black Mountain” fue muy diferente al de su anterior álbum. Después de un trabajo con tantos arreglos, tan grandioso, Carpenter comenzó a escribir letras más personales a las que luego le añadiría música. Quizás la noticia de que su hijo sufria Autismo le hizo pensar más en su niñez en Florida, en un entorno rural, y en las historias que le contaba su padre, recolector de sandias y baptista, sobre su propia juventud. Durante este proceso, Alex K. Redfearn y Matt McLaren dejan el grupo, y nuestro protagonista lo reestructura totalmente con nuevos músicos y algún que otro conocido. La formación queda así:

-Brian Carpenter: voz, harmónica,acordeón,trompeta, harmonium y piano.
-Jordan Voelker: viola y voz
-Ron Caswell: tuba
-Andrew Stern: guitarra y banjo
-Paran Aminazari: violín y voz
-Gavin McCarthy: batería
-Paul Dilley: contrabajo y guitarra acústica
-Doug Larosa: trombón

El álbum se abre con “The February Train” (4’16), tema con influencias de la música Cajún, donde las cuerdas tienen un aire optimista y a la vez nostálgico. Le sigue “The Life You Save May Be Your Own” (2’59), pieza casi Country, con un gran ritmo. Me encanta la harmónica, los coros, donde participan las vocalistas Larkin Grimm y Ellen Santaniello, y sobretodo, su fantástico estribillo. Continuamos con el tema que da el nombre al disco, “Boy From Black Mountain” (3’48). Para escribir esta canción Carpenter se basó en el cuento infantil “Harold and the Purple Crayon”, escrito por Crockett Johnson en 1955. Seguramente está relacionado el hecho de que el cuento trate sobre un niño que es capaz de dibujar su propia realidad y el recien diagnosticado autismo de su hijo. Musicalmente, es una canción preciosa, con la voz y la guitarra acústica como base principal, y con unos formidables interludios instrumentales interpretados por el violín y la viola, con la voz soprano de Santaniello acompañándolos.
“Clouds Moving In” (1’25) es la primera instrumental del disco, de corte clásico, en la que destacan las cuerdas y la guitarra. Le sigue “Petrified Man” (3’43), que parece una de esas canciones casi épicas que en las películas del Oeste narraba las hazañas del protagonista, cuyo nombre solia ser el título del film. La combinación del banjo, la harmónica, el trombón y la tuba me parece genial. ¡Buenísimo!.
Con “As I Lie Dying” (4’33), excesivamente festiva, y “Saturn Song”, algo aburrida, con aires rurales, llegan los únicos momentos del disco que no me convencen. Pero entonces escuchamos una de las melodias más bonitas que Carpenter ha escrito durante su carrera. Es “The Course Of The River” (1’45), una pieza instrumental excepcional, donde el violín y la viola están acompañados por el contrabajo, y unos detalles fantásticos de harmónica y guitarra. ¡Increible!. Un rápido comienzo de violín, acompañado de banjo y trombón, da paso a “The Quick And The Death” (5’00), otra canción épica que narra una venganza. Es también una de mis favoritas, y las cuerdas le dan un cierto aire fantasmal. Continuamos con “The Sound And The Fury” ( 4’11), una curiosa y variada pieza instrumental, que tiene un gran principio con cuerdas y la voz de Santaniello, seguido de la Suona ( instrumento de viento chino) de Bill Cole y un buen ritmo de contrabajo y guitarra. En una onda diferente encontramos “Judgement Day” (3’55), un tema sobrio, muy bonito donde la voz nos recuerda a Lou Reed. Para terminar, dos instrumentales muy diferentes. La primera, “Nantahala” (3’48) muy potente, con una gran base de cuerdas y un pegadizo riff de guitarra, y la segunda muy suave, ya que es una nana que Carpenter dedica a su hijo, titulada “Lullaby For Alexander” (1’59), interpretada con acordeón y violín.
Así termina este fantástico disco, publicado por Cuneiform este mismo año, y que seguramente ha sorprendido a muchos de los seguidores de la banda. La primera vez que lo escuché me dejó un poco frio, ya que me esperaba algo más parecido a “Dreamland”, pero al ir escuchándolo más me he dado cuenta de lo bueno que es, y ahora me produce el mismo placer que sus dos trabajos anteriores.
¿Con qué nos sorprenderá Brian Carpenter en su próximo proyecto?. Esperemos no tener que esperar demasiado para averiguarlo.

Francisco Macias

SOFT MACHINE: “BRITISH TOUR ‘75”

2010-03-09T05:12:00.000-08:00

Cuando Allan Holdsworth dejó repentinamente Soft Machine en abril de 1975 para unirse a la banda de Tony Williams, Jenkins, Babbington, Marshall y Ratledge tuvieron que buscar rapidamente a un sustituto. Estaban presentando “Bundless” en directo, y tenian muchas fechas comprometidas para los siguientes meses. El guitarrista elegido fue John Etheridge, marcando el principio de una nueva formación que duraría hasta la marcha de Mike Ratledge en febrero de 1976.

La actuación que recoge “British Tour ‘75”, publicado en 2005 por el sello MLP, se efectuó el 11 de octubre de 1975 en la universidad de Notttingham, y en mi opinión fue un show fantástico, repleto de fuerza y con un gran repertorio.
El disco comienza con ”Bundles” (3’17), algo acelerado con respecto a versiones anteriores, con un fraseo de guitarra rapidísimo. Al igual que en el disco de estudio, va seguido de “Land of the Bag Snake” (4’01), también algo más rápida que la original. La primera sorpresa del directo llega con “Out Of Season” (6’13), una verdadera demostración de fuerza, con una sección rítmica impresionante, que posteriormete, en el álbum “Softs”, se convertiría en un precioso tema lento. Continuamos con “The Man Who Waved At Trains” (6’15), en una versión mucho más larga y rápida que la de “Bundles”, que contiene algunos momentos increibles,como por ejemplo el solo de órgano, con un ritmazo de bajo y piano eléctrico de fondo, o el posterior solo de guitarra. Llegados a este punto me gustaría que comparaseis este bloque de temas con el mismo que aparece en su anterior directo de archivo “Floating World”. Tan sólo el hecho de sustituir el solo de bajo, “Ealing Comedy”, por la genial “Out Of Season” le da al conjunto mucha más fluidez y dinamismo. Sin pausa, comienza el típico solo de sintetizador de Ratledge, “JVH” (4’12), que da paso a “The Floating World” (1’12), que aquí tan solo es un puente hasta “Ban Ban Caliban” (9’53), que todavía no contaba con la introducción de sintetizadores que posteriormente apareceria en la versión de estudio de “Softs”, en la que también había un solo de saxo soprano que aquí se sustituye por otro de órgano. Esta es otra demostración del papel anecdótico que tenian los vientos en esta etapa del grupo.
La siguiente pieza es “Sideburn” (10’21), el solo de batería de Marshall que da paso “Hazard Profile” (14’10), esta vez con sus cinco partes completas. Es algo más corta que la versión de estudio, pero es realmente intensa. Para finalizar podemos disfrutar de la maravillosa “Song of Aelus” (3’58), y de una de las mejores improvisaciones que he escuchado de la banda en su etapa “guitarrera”, “Sign Of Five” (14’45), con la guitarra como principal protagonista.

Estamos ante un gran disco de archivo, con muy buen sonido, que nos muestra como sonaba esta nueva formación, que en pocos meses vovería a sufrir una nueva conmoción con la marcha de un miembro tan histórico como Mike Ratledge. Además, es un buen recuerdo para aquellos que tuvieron la fortuna de asistir al concierto que se celebró en Marbella el 20 de agosto de 1975, dentro de la gira "Starstrucking Tour", en el que además de esta formación de Soft Machine, participó Wishbone Ash, Mahavishnu Orchestra o Caravan entre otros, y que tuvo que ser unos de los mejores festivales que se han organizado nunca en nuestro pais.

Francisco Macias

SOFT MACHINE: “FLOATING WORLD LIVE”.

2010-03-09T05:10:00.000-08:00

En 2006 el sello Moonjune publica “Floating World Live”, un directo grabado por Radio Bremen el 29 de enero de 1975. En este momento, Soft Machine llevaba más de un año con la misma formación:

-Mike Ratledge: Órgano Lowrey, Piano eléctrico y Sintetizador
-Karl Jenkins: Oboe, Saxo soprano, Recorder, Piano acústico y eléctrico
-John Marshall: Batería y Percusión
-Allan Holdsworth: Guitarra y Violín
-Roy Babbington: Bajo

Cuando Karl Jenkins sustituyó a Elton Dean, lo hizo como saxofonista, y se tuvo que encargar de mucho de los solos que la banda ejecutaba en directo. A partir de 1973, Jenkins deja practicamente los vientos a un lado y se dedica a componer más y a tocar los teclados. Si a esto le añadimos que Ratledge cada vez toca menos el órgano Lowrey en directo y comienza a experimentar con sintetizadores, nos damos cuenta de la necesidad de un nuevo solista en la banda, y así fue como en Diciembre de 1973 entra Allan Holdsworth en Soft Machine. Aparte de algunas sesiones de la BBC publicadas por el sello Hux, este es el único álbum de archivo en el que podemos disfrutar de su presencia.
El disco se abre de forma algo minimalista con “The Floating World” (4’52), con Jenkins tocando el recorder (un tipo de flauta). Sin pausa, pasamos a una versión algo más larga, con respeto a la versión de estudio, de “Bundless”(4’53), donde me encanta la base creada por la sección rítmica y el piano eléctrico, sobre la que Holdsworth maltrata sin piedad a la guitarra. Como era habitual, le sigue la composición del guitarrista “Land of the Bag Snake” (5’07), que sigue la linea de la anterior, con Holdsworth como gran protagonista. Continuamos con el solo de bajo de Babbington, “Ealing Comedy” (6’08), demasiado largo y aburrido para mi gusto, y que interrumpe la fluidez de la actuación, que se retoma con “The Man Who Waved At Trains” (4’56), siguiendo el mismo orden del disco “Bundless”. Aquí, sobre el pegadizo riff de bajo, Holdsworth nos deleita con su violín, en una versión más larga que la de estudio.
Le sigue “Peff” (6’29), donde Jenkins coge el oboe y nos transmite la sensación de que hemos vuelto a la época de “Six”. ¡Genial!. Al final se quedan solos el bajo y la batería, para dar paso a “North Point” (4’05), un aburridisimo solo de sintetizador, de la mano de Ratledge. La actuación continuo con “The Hazard Profile” (4’49), pero por desgracia sólo se conserva la primera parte, ya que la grabación se vio interrumpida por una pausa para los anuncios comerciales. Tras esta ruptura comienza “J.S.M” (10’13), interminable solo de batería que se adentra en “Riff III” (8’42), una buena improvisación colectiva. Aplausos, y como bises la bonita “Song Of Aeolus” (4’16), que no se publicaría oficialmente hasta la aparición de “Softs” y donde por fin escuchamos de nuevo el Lowrey de Ratledge, otra improvisación colectiva que me gusta mucho, “Endgame” (6’39), en una onda “fusionera” muy de la época, con la banda a toda velocidad en la primera mitad, y con un Holdsworth rellenando de notas todos huecos posibles, y para finalizar, una coda de Jenkins titulada “Penny Hitch” (2’40), que ya conociamos en su versión de estudio que aparecía en “Seven”, y que consiste en un sencillo y pegadizo riff que nos lleva hasta el final de nuestro viaje.

En definitiva, un buen disco que tiene, en mi opinión, algunos inconvenientes tales como los largos solos de Babbington , Marshall y Ratledge ,que rompen el ritmo del concierto, la poca presencia del órgano, algo habitual durante la existencia de esta formación o la mutilación de un tema tan importante como “Hazard Profile”. Aún así, es un documento imprescindible para conocer esta época tan diferente a las anteriores de unos revovados Soft Machine.

Francisco Macias

SOFT MACHINE: "SOFTSTAGE: BBC IN CONCERT 1972"

2010-03-09T05:09:00.000-08:00

En mayo de 1972 Elton Dean deja Soft Machine y es sustituido por Karl Jenkins. En los conciertos que realizan hasta final de año se va consolidando un nuevo repertorio que nos muestra el nuevo camino que emprende la banda con la entrada de esté fantástico músico. El 20 de Julio, Soft Machine registra un concierto para la BBC en el Paris Theatre de Londres, que no sería emitido hasta el 2 de septiembre. Naturalmente, la formación era la misma que unos meses después grabaría el álbum “Six”:

-Hugh Hopper (bajo)
-Mike Ratledge (Órgano Lowry, Piano eléctrico y Piano)
-John Marshall (Batería)
-Karl Jenkins (Saxo Barítono, Saxo Soprano, Oboe, Piano eléctrico y Piano)

Comienzan con “Fanfare” (1’59), una gran entrada con saxo barítono que ya conocemos bien, y que al igual que en “Six” está unida a “All White” (5’17), donde el oboe sustituye bastante bien al saxello de Elton Dean que podiamos escuchar en la versión original de “Fifth”. La sección rítmica está impresionante, al igual que el piano eléctrico de Ratledge, que sin pausa nos adentra en “Slightly All The Time” (11’51). Esta versión es buenísima, muy diferente, como podeis imaginar, a la de “Third”. Me encanta el solo de órgano Lowry, apoyado por el piano eléctrico. Además, Hopper y Marshall se muestran sobrios, lo que no impide que nos demos cuenta de lo grandes que eran ( Marshall aun lo es). Lo mejor del tema, los dos últimos minutos. ¡Genial!.
Seguimos con dos versiones de “MC” (2’37) y “Drop” (5’34), más cortas que en “Fifth”. El órgano Lowry, fantástico en esta última pieza, nos adentra en “Stumble” (5’33), uno de los nuevos temas compuesto a partir de un riff al más puro estilo Jenkins, y que ya conociamos de “Six”. La siguiente pieza es “One Across” (3’11), solo de batería con algo de bajo y órgano al final, que se une con “As If” (3’48), en una versión bastante corta que cuenta con un oboe magnífico.

Como bises se interpretaron dos piezas nuevas, ambas incluidas posteriormente en “Six". La primera es la composición de Jenkins, “Riff” (7’03), que cuenta con una introducción suave, que después se convertiría en “Between”. Uno de los temas más pegadizos de Soft Machine, con unas partes de Lowry que me encantan. La segunda es “Gesolreut” (6’59), de Mike Ratledge, un bonito final con el bajo de Hopper en primer plano y una buena combinación de los dos pianos eléctricos.
En definitiva, estamos ante un fantástico documento, complementario del disco en directo que se incluía en “Six”, grabado varios meses después. En comparación con este, aquí podemos escuchar los primeros pasos de Jenkins en la banda, disfrutando de un repertorio que aun incluía temas como “MC”, “Drop”, “As If” o “Slightly All The Time”, que poco a poco irian siendo sustituidos por nuevas composiciones.

Francisco Macias

SOFT MACHINE: "LIVE IN FRANCE" / "LIVE IN PARIS"

2010-03-09T05:05:00.000-08:00

En enero de 1972 Phil Howard es sustituido por John Marshall, que ya había estado a punto de entrar en la banda con anterioridad. Me hubiera gustado que esta formacion con Elton Dean, Mike Ratledge, Hugh Hopper y John Marshall hubiera durado más, ya que en mi opinión estaban muy compenetrados y cada uno de ellos en un estado de forma impresionante, pero la realidad fue bien distinta, y al final estuvieron juntos durante poco más de cuatro meses. En este tiempo grabaron la segunda cara de “Fifth” y tocaron en directo en poco más de una veintena de ocasiones. Tras una gira por Italia en Abril, se trasladan a Francia para realizar una serie de conciertos que comenzaria con el de París el 2 de mayo. Gracias primero al sello One Way y posteriormente a Cuneiform, podemos escuchar con buena calidad esta actuación en un documento imprescindible para los amantes de la banda. No sólo es altísimo su valor documental, sino que musicalmente es brillante. Si a esto le añadimos que el doble CD contiene el concierto íntegro no tenemos excusa para dejar de escucharlo. El repertorio consiste en piezas de “Third” (que ocupan casi la mitad del minutaje total, es decir, unos 45 minutos), practicamente todo “Fifth”, y un par de improvisaciones colectivas.

Comienza con “Plain Tiffs” (3’30), una introducción de saxello con el resto de la banda improvisando que nos adentra en una fantástica versión de “All White” (6’23), donde Dean está insuperable, muy bien acompañado por el piano eléctrico de Ratledge. Enseguida nos damos cuenta de la diferencia que hay en la linea de batería de Marshall con respecto a la interpretada por Phil Howard en la versión de “Drop”. Sin pausa llega “Slightly All The Time” (13’07), que en esta ocasión me produce un “buen rollo” muy especial. La música fluye con naturalidad, sin prisas, con el piano eléctrico y el órgano Lowry llenándolo todo. La sección rítmica…impagable, y gran actuación de Dean al saxello en los últimos minutos. Un temazo que va seguido por “Drop” (7’49), con un ritmo casi funky en su sección central, que contrasta con la sobriedad de “MC” (2’59), con Dean al saxo alto y donde destaca Hugh Hopper que consigue una gran tensión sostenida con el bajo. Sin casi darnos cuenta, el saxo nos introduce en “Out Bloody-Rageous” (13’22), en la que Marshall está intratable. ¡Que forma de tocar!. Así termina el primer set, que en mi opinión es lo mejor del concierto, y que nos muestra a unos Soft Machine en estado de gracia.

El segundo set comienza con “Facelift” (17’50), en una versión muy interesante, bastante diferente a la de otros periodos. Desde finales de 1970 estabamos acostumbrados a escuchar versiones más cortas del tema, seguidas habitualmente de “Virtually”. Al dejar de lado el material de “Fourth” en sus conciertos, el tema vuelve a alargarse, aunque no duraria mucho tiempo en el nuevo repertorio de la banda que estaba por llegar. Le sigue “And Sevens” (8’54), una improvisación cuya primera parte no me entusiasma, pero que se anima en la segunda, gracias a una buena sección rítmica y a la interacción de los dos pianos eléctricos. El segundo set cierra con “As If” (8’27), con Dean haciendo de las suyas, el solo de batería “LBO” (6’07) y “Pigling Bland”, donde de nuevo nos sorprende la actuación de Dean con el saxello.
El bis consiste en una gran improvisación, “At Sixes” (10’35). La base que crea Hopper con el bajo, sencilla, aderezada con la imaginativa batería de Marshall y el piano eléctrico, es perfecta para que descanse sobre ella la bonita melodia de saxo alto, que después se convierte en un gran solo, con la base acelerada.
En definitiva, un gran directo. Es sorprendente escuchar pocas semanas antes de su marcha a un Elton Dean tan inspirado. Si ya no estaba comodo en la banda, reconozco que no soy capaz de percatarme, ya que su actuación es realmente brillante.

Francisco Macias

SOFT WORKS / SOFT MACHINE LEGACY (4ª PARTE)

2010-03-09T05:03:00.000-08:00

El 8 de febrero de 2006 muere Elton Dean. Aunque el golpe es tremendo para la banda, deciden buscar un nuevo saxofonista y continuar la aventura. El elegido fue Theo Travis que ya habia sustituido a Dean en un concierto celebrado el dia 1 de febrero, debido al precario estado de salud del saxofonista , aunque se barajaron nombres como Simon Picard, Paul Dunmall, John Surman, e incluso se contactó con Mel Collins y David Jackson, dos opciones bastante curiosas.

Travis ya había trabajado con Marshall y Etheridge a mediados de los ’90, en algunos de los discos que grabó para el sello 33 Records, aunque el público progresivo lo recuerda sobretodo por su participación en algunos discos de Gong y The Tangent, aunque ha trabajado con mucha gente conocida. Yo tuve la suerte de verlo tocar en directo por primera vez en la segunda edición del festival de Gouveia, en 2004, junto con Richard Sinclair, Phil Miller, Alex Maguire y Andy Ward. Me quedé alucinado al verlo tocar las saxos y la flauta, y cuando me enteré que iba a formar parte de Soft Machine Legacy, me alegré que fuera él el que sustituyera a alguien insustituible como Elton Dean.
El cuarteto formado por Etheridge, Marshall, Hopper y Travis pasa todo el año 2006 realizando conciertos en Francia, Italia, Japón, Alemania, etc…, aunque en un par de conciertos en Italia Paul Dunmall sustituye a Travis, dando lugar a una nueva combinación que tan sólo dura unos dias. En diciembre, la banda entra en los estudios Temple, en Surrey, Inglaterra, propiedad del baterista Jon Hiseman (sí, el mismo de Colosseum) y durante tres dias graban su nuevo álbum, “Steam”. La presencia de Travis cambia de alguna forma el sonido de la banda. En primer lugar, Dean tocaba el saxello y alguna vez el saxo alto, mientras Travis toca el tenor y el soprano, además de la flauta. En segundo lugar, tanto él como Hopper utilizan en el disco loops y samplers a tiempo real, lo que da una sonoridad diferente al conjunto de la música.

El disco se abre con uno de los mejores temas de Hugh Hopper de los últimos años, “Footlose” (8’46), con el saxo tenor y la guitarra como solistas. Me parece genial el cambio de ritmo que se produce en el minuto 4’45, con el bajo fuzz adquiriendo protagonismo y el posterior solo de Etheridge. Una de las mejores piezas de Soft Machine Legacy. Continuamos con “The Steamer” (4’38), compuesto por Travis, con un principio jazzístico con la sección rítmica y el saxo tenor como protagonistas. Buenos solos tanto de saxo como de guitarra, y Hugh Hopper, que vuelve a sorprenderme con sus lineas de bajo. Un ritmo machacón, bastante pesado, con la guitarra, el bajo fuzz, los platos y el saxo soprano sonando intensamente, nos adentra en la composición colectiva titulada “The Big Man” (5’08). Me encanta la distorsión de la guitarra en los solos, el sonido desgarrador del saxo tenor y la potencia del bajo fuzz.
La única versión de los Soft Machine de los ’70 que encontramos en el disco es la de “Chloe and the Pirates” (7’27), de Mike Ratledge. Interpretada con el saxo soprano y loops de fondo, supone uno de los momentos más emotivos del disco. A lo largo del tema se van añadiendo detalles e instrumentos, pero siempre de forma tranquila.

“In the Back Room” (7’10), de John Etheridge marca el final de una primera parte del disco que destaca por su accesibilidad, las buenas melodias y ritmos bien marcados. Como suele pasar con los temas del guitarrista, es muy pegadizo. De hecho, el aire festivo que desprende la melodia hace que sea una de las composiciones que menos me gustan del disco, aunque reconozco que el solo de guitarra y la sección rítmica que lo acompañan son fantásticos.
Con “The Last Day” (5’20), de Theo Travis, cambia el ambiente general. Los primeros momentos son caóticos, con loops, el bajo fuzz y la flauta interactuando. Poco después, la sección rítmica comienza a crear una estructura acogedora, sobre la que la flauta ejecuta una bonita melodia. La entrada de la guitarra y el saxo tenor me encantan.
Continuamos con “Firefly” (6’41), compuesta por Hopper y Marshall. Es una pieza muy fresca, con un sonido diferente al que nos tiene acostumbrado Soft Machine Legacy. La primera parte tiene un ritmazo impresionante y me parece soberbia la actuación de Travis con la flauta, los ecos y los loops. El solo de guitarra es muy Canterbury, y de hecho me recuerda incluso a los In Cahoots de Phil Miller.
Los momentos más ásperos del disco llegan con dos improvisaciones colectivas. La primera es “So English” (8’29), muy misteriosa, con bajo fuzz, loops, flauta, toques de percusión, guitarra, saxo…La segunda es “Dave Acto” (6’25), mucho más potente y rítmica, con un saxo soprano demencial. Buenísimo el riff de guitarra y bajo central, con acompañamiento de saxo tenor.
Y para terminar, otra pieza de Travis, “Anything to Anywhere” (5’20). Naturalmente, el protagonista es él mismo, utilizando varias capas de saxos, loops y una bonita melodia y posterior solo de saxo soprano, todo sobre un pegadiza base rítmica, con guitarra incluida.
Para mí, “Steam” es el mejor disco de estudio de Soft Machine Legacy, incluyendo el de Soft Works. Es curioso que esto sea así cuando falta alguien tan importante como Elton Dean, pero me gusta mucho lo que Travis aporta al grupo, y además, en este disco Hopper está mejor que nunca.

En el siguiente año y medio, contando a partir de la grabación de este álbum, Soft Machine Legacy realiza poco más 25 conciertos por Europa y Japón, y el 26 de Julio de 2008 aterrizan en Málaga para dar un concierto en Antequera, dentro de un festival de blues. Aunque el público no era el más adecuado y tan solo tocaron una hora, muchos foreros disfrutamos como niños del concierto. Debido al estado de salud de Hugh Hopper, Roy Babbington fue el encargado de sustituirlo. Como yo ya había visto a Hopper tocar en directo, el cambio no fue traumático, y más cuando el que venia era alguien al que había escuchado tanto en discos de Soft Machine, Nucleus, Keith Tippet Group, etc…. Entre otros temas interpretaron “The Steamer”, “In The Back Room”, “Grape Hound” o “Chloe and the Pirates”. Al dia siguiente viajaron hasta San Sebastián para tocar en el festival de jazz.
Pocos meses después, concretamente el 14 de diciembre de 2008, tuvimos la suerte de poder viajar a Londres para asistir a un concierto benéfico para recaudar dinero para Hugh Hopper, cuya leucemia estaba ya muy avanzada. Para la ocasión se reunieron grandes músicos como Alex Maguire, Sophia Domancich, Simon Goubert, Phil Miller, etc…y aunque estaba anunciada la actuación de Soft Machine Legacy, al final tocó una formación reducida bajo el nombre de The Soft Trio. John Etheridge, Roy Babbington y John Marshall improvisaron durante media hora y nos dejaron a todos con la boca abierta. Desgraciadamente, Hopper falleció el 7 de junio de 2009.
Aunque el bajista de In Cahoots, Fred Baker sustituyó durante un tiempo a Babbington en la banda, este sigue siendo su bajista oficial tras la muerte de Hopper, y de hecho en el mes de octubre comienzan una gira que les llevará a Bélgica, Holanda, Alemania, Suiza y Austria. ¿Cuál será su futuro?. Aunque la entrada de Theo Travis en la banda ha dado cierta frescura a su sonido, la desaparición de Hopper es un duro golpe. Habrá que esperar a su próximo disco en estudio con Roy Babbington como bajista para resolver esta incognita.

Francisco Macias

SOFT WORKS / SOFT MACHINE LEGACY (3ª PARTE)

2010-03-09T05:01:00.000-08:00

Tras el relativo éxito de “Live in Zaadam”, el grupo decide grabar un disco de estudio para terminar de demostrar que son una nueva banda diferente a Soft Machine. Las sesiones de grabación se realizan el 4 y el 5 de septiembre de 2005, y como se puede comprobar por lo poco que duraron, se hicieron practicamente en directo y con mucho espacio para la improvisación. La parte más asequible y rockera del disco corre a cargo de John Etheridge, que aporta tres magníficas piezas compuestas en solitario. La primera es “Kite Runner” (6’57), que es un fantástico comienzo para el álbum, y que se basa en un riff muy pegadizo y una buena melodia de saxo. La segunda es “Grape Hound” (6’56), cuyo primer riff me recuerda a los Soft Machine de mediados de los ’70. Me gusta mucho el solo de guitarra con apoyo del piano eléctrico. Tras una parte algo caótica comienza un nuevo ritmo sobre el que el saxo y la guitarra interpretan la melodia central, desembocando en un solo de saxo alto. La tercera, “Strange Comforts” (6’26) contiene una de las melodias más bellas que Etheridge ha compuesto para la banda y que cobra más relevancia al ser interpretada por Elton Dean al saxello. Además tiene un cierto aire a despedida, por lo que resulta perfecta como broche final del disco.

El único momento en el que el grupo mira hacia atrás es en “Ratlift” (7’55), que es una mezcla entre “As If” y “Facelift”, en la que todos están geniales. Marshall, enorme durante todo el tema, Dean y Etheridge me encantan durante la improvisación de piano eléctrico y guitarra, y después el primero con el saxello, y Hopper como protagonista a la hora de recuperar los grandes riffs y melodias de las piezas originales.

Otros dos temas importantes del disco son “1212” (10’20), en una versión parecida a la que pudimos escuchar en el directo en Zaadam, aunque cuenta con una nueva y bonita introducción de guitarra, y como es habitual, con un fantástico solo de saxello y otro de guitarra, en esta ocasión, sin acompañamiento de piano eléctrico; y la composición de Dean “New Day” (3’47), que nos adentra en el terreno del jazz y que supone uno de los mejores momentos del álbum. Dean está increible tanto en los solos de saxo alto como con el piano eléctrico, apoyando a Etheridge en las partes de guitarra. Unida a esta, encontramos dos improvisaciones enlazadas entre sí. La primera es de Dean y Marshall, “Fur Edge” (2’49), con el saxo, la batería y las percusiones como protagonistas, y la segunda es de Dean y Hopper, titulada “Theta Meter” (3’44), que consiste en un ritmo de tam tam indio, efectos de bajo y varias capas de saxello y saxo alto.
Completan el álbum “Fresh Brew” (6’24), una magnífica improvisación colectiva, y “F & I” (2’08), un bonito ejercicio donde interactua el piano eléctrico de Dean y la guitarra de Etheridge.
Un buen disco que no se publicó en Japón hasta marzo de 2006 y en verano en Estados Unidos y Europa , por lo que desgracidamente, Elton Dean no llegó a verlo editado, ya que falleció en febrero.

Tras la grabación de su primer disco en estudio, Soft Machine Legacy recibe una oferta muy generosa de un sello británico para grabar un DVD, pero con la condición de volverse a llamar Soft Machine e interpretar temas antiguos. Naturalmente, se niegan, y poco después reciben una nueva oferta del sello alemán Inakustik, por la mitad de dinero, pero con libertad para tocar lo que quieran. Para el DVD se escogió el concierto del 12 de diciembre de 2005 en el New Morning de París, siendo también publicado en doble CD.

La noche comenzó con “Ash” (14’45), con una introducción más larga que en la versión del directo en Zaadam. En general, esta versión es más potente, con un Marshall más contundente. Me encantan lo últimos minutos, con el piano eléctrico apoyando el solo de guitarra, y la sección rítmica desatada. ¡Impresionante!. Continuamos con el ya más que nombrado “Seven For Lee” (9’35). Da igual las versiones o las veces que uno escuche este tema de Elton Dean. Siempre es una maravilla hacerlo. La melodia de saxello, el solo, las partes de guitarra, los detalles de piano eléctrico…todo es magnífico. Para no bajar el nivel, la banda continuó con el único tema que aparece en los tres discos que grabó Soft Machine Legacy mientras Dean estuvo en la banda, “1212” (10’07). La interpretación es similar a la grabada en estudio, aunque aquí Dean tiene más protagonismo, estando especialmente fino en el fantástico solo de saxello.

La siguiente pieza es la balada de Elton Dean, “Baker’s Treat” (6’57), con el saxello como protagonista. Un momento realmente emotivo. Entonces John Etheridge se queda solo en el escenario y empieza a improvisar. Cada parte que toca va siendo grabada y reproducida de nuevo, hasta que son varias las capas de guitarra que podemos escuchar. Son los primeros cinco minutos de “Has Riff” (13’53), que son interrumpidos por la entrada del bajo, el piano eléctrico y la batería. Enseguida reconocemos el riff que Hopper introduce poco a poco. Es el de “As If”. Paulatinamente, la banda sube la intensidad de la interpretación, y Etheridge nos ofrece un buen solo de guitarra, y Dean otro de saxello, algo “free”, que me encanta.
Otro momento entrañable llega con “Kings and Queens” (9’05), dedicada por Hopper a su compañera Christine, donde Dean vuelve a brillar, junto al resto de sus compañeros, en una de sus últimas actuaciones antes de fallecer. Le sigue “Sideburn” (4’44), un solo de batería, que se convierte en un duelo con la guitarra en “Two Down” (2’18). Sin pausa, comienza “Kite Runner” (10’04), en una versión más larga que la original y donde Dean coge el saxo alto. Me gusta mucho toda la linea de bajo y el corto solo que Hopper hace con el fuzz. Y para terminar, esa gran despedida que es “Strange Comforts” (6’28), una preciosa melodia interpretada con guitarra y saxello, que cierra el que es, en mi opinión, el mejor documento que la formación con Elton Dean grabó durante su trayectoria.

Francisco Macias

SOFT WORKS / SOFT MACHINE LEGACY (2ª PARTE)

2010-03-09T04:58:00.000-08:00

La gira de Soft Works consistió en una serie de conciertos en agosto de 2003 en Japón, una pequeña gira italiana en enero y febrero de 2004 y una actuación en el Baja Prog, en México, el 5 de marzo del mismo año, que resultaría ser su ultimo concierto. Trabajar con Holdsworth no era nada fácil, debido a su situación personal y al desinterés de su propio manager. Se barajó el nombre de Andy Summers para sustituirlo, ya que era amigo personal de Hopper y además había comenzado a trabajar con Leonardo, que le estaba organizando una serie de conciertos en Europa del este. El cambio de guitarrista no se efectuó en ese momento, pero poco después Andy tuvo que cancelar varios conciertos, y para sustituirlo en un festival en Turquia y otro en la República Checa, Leonardo echó mano de Soft Works. Se puso en contacto con el manager de Holdsworth para informarle, y se mostró bastante reacio a la idea, ya que el guitarrista estaba en ese momento en Rusia. El siguiente paso lo dio John Marshall, que llamó a John Etheridge, al que le gustó mucho la idea de tocar con ellos. En ese mismo momento se decidió cambiar el nombre del grupo por el de Soft Machine Legacy. La idea fue de Elton Dean, siendo secundada por Hopper y aceptada por Marshall y Etheridge. Diez dias antes del festival en Turquia, a principios de octubre, Marshall tuvo un problema de ligamentos, siendo sustituido por Liam Genockey.

En mayo de 2005 se decide hacer un disco en directo, en edición limitada, para venderlo en la gira por Francia e Italia que iban a hacer en verano. En un principio, se queria grabar el Cd en Deal, cerca de Caterbury, pero al final se utilizó parte del concierto de Zaandam, Holanda, de el 10 de mayo.

El disco se abre con “Ash” (11’39), una composición de Etheridge con una melodia muy pegadiza, interpretada primero con la guitarra y después con el saxello. En el minuto 2’30, Dean comienza su solo, que es interrumpido por un riff de guitarra que en esta versión temprana no es tan poderoso como en otras posteriores. Después Etheridge comienza su solo de forma muy pausada, con un bajo muy potente dándole la réplica. Poco a poco el ritmo se acelera, y Marshall se vuelve más dinámico, mientras el solo de guitarra se vuelve más complejo, con Dean apoyándolo con el piano eléctrico. El tema termina con la melodia central. Tras este fantástico comienzo, escuchamos la pieza de Hopper, “1212” (12’01), que también se caracteriza por una melodia principal facilmente recordable, esbozada primero por el bajo y tocada después al unísono por el saxello y la guitarra. Me encanta como se acelera a partir del minuto 3’00, y el posterior solo de saxello, realmente genial, con la guitarra rítmica de fondo y buenos fraseos de bajo. El tema vuelve a tranquilizarse con el comienzo del solo de guitarra, con la sección rítmica muy presente y la ayuda del piano eléctrico de Dean. Continuamos con una de las composiciones más importantes de Elton Dean en los últimos años de su vida, “Baker´s Street” (6´52), cuyo título sería posteriormente modificado por el de “Baker´s Treat”, y que es una preciosa balada con el saxofonista como protagonista, y uno de los momentos más clásicos del concierto, ya que dentro de la fusión que hacen entre jazz y rock, aquí la balanza se inclina claramente hacia el terreno del jazz.

Uno de los grandes momentos de los conciertos de Soft Machine Legacy llega cuando revisan el clásico de Hugh Hopper, “Kings and Queens”, que como todos sabeis estaba originalmente incluido en “Fourth” de Soft Machine. Con una duración de 9’11 minutos (casi el doble que la original), la banda demuestra su intención de ser una nueva banda, distinta a Soft Machine, incluso cuando repasa temas de los ’70. Comienza con la preciosa melodia de saxello conocida por todos, con el hipnótico bajo de Hopper y los platos de Marshall de fondo. Dean está fantástico, hasta que deja paso a Etheridge, que efectua un solo muy comedido, dejando espacio para que el bajo y la batería suenen también casi en primer plano. Final algo decepcionate en “Fade-Out”. Y llegamos al final del disco, primero con “Two Down” (2’44), una improvisación a bastante velocidad de guitarra y batería, y sin pausa, el tema de Etheridge, “Big Creese” (8’32), que supone el momento más rockero del álbum, con un riff de guitarra muy pegadizo, buenos solos de saxo alto y guitarra, y una dinámica sección rítmica, con el piano eléctrico formando parte de ella.
Es una pena que el CD no recoja la actuación completa del grupo, ya que también interpretaron temas tan geniales como “Wanglo-Saxon” ( tema de Hugh Hopper que escuché por primera vez en el álbum de In Cahoots, "Live 1986-1989"), “As If” o “Facelift”.
Poco después de esta actuación, concretamente el 20 de junio, tuve la suerte de poder verlos en directo en Barcelona. Fue emocionante ver por primera vez a Hopper y Dean tocando a mi lado. Desgraciadamente, John Marshall no pudo tocar debido a una hernia, pero fue sustituido por un baterista al que también tenía muchas ganas de ver, Mark Fletcher. Fue una gran noche, y enseguida nos dimos cuenta de que SML tenía una entidad propia claramente diferenciada de Soft Machine.

Francisco Macias